En el prólogo que la escritora Belén Gopegui hizo para la edición de Manhattan Transfer de John Dos Passos, publicada por Debate (Últimos Cásicos, 1995) nos dice: “Hay libros que además de contar, dicen. Son libros que cuentan un argumento, una búsqueda, una amistad, una epopeya un conflicto, pero que además dicen, esto es, rechazan, afirman o nos avisan de algo”.

Es decir, hay novelas que cuentan historias. Y otras que, además de contarlas, transmiten algo que nos permite conocernos mejor y también el mundo en el que vivimos. Me desperté con dos inviernos a los lados (editorial Tres Hermanas, 2020) es uno de estos libros.

Aunque es su primera novela, no es ésta la primera obra de Elsa Veiga, puesto que es autora del poemario Manejemos la pena (Ediciones Torremozas, 2016) y de varios relatos publicados en revistas culturales. Filóloga, realiza trabajos de comunicación, edición y corrección de textos, cosa que se nota en esta novela, que es un ejercicio de buena escritura.

En Me desperté con dos inviernos a los lados la autora narra la historia de Cara Piqueres, una joven que desde niña vive la angustia y el terror del maltrato que sufre su madre por parte de su padre. Veiga crea una atmósfera de miedo y angustia que te invade, contagiados del terror que Cara y su hermano Nato experimentan cada noche cuando su padre llega, borracho, a casa, y saben que algo terrible va a ocurrir. Esa Sombra que Cara percibe, y está presente en toda la novela, también asedia al lector, al que le impregna el horror de una sucesión de golpes, chillidos, angustia, miedo… todo ello en el “hogar” de una familia “normal” dentro de una gran ciudad que permanece sorda y ciega ante lo que ocurre a su alrededor. Porque lo que nos cuenta Elsa Veiga es una historia de crueldad y violencia que lamentablemente se repite en muchas mujeres, en demasiadas familias.

La novela, dividida en cuatro partes conectadas entre sí, cuenta la historia de tres generaciones de mujeres de la misma familia (1938, 1970 y 2005) que han sufrido la violencia machista (física y psicológica). El libro comienza en 2005 cuando Cara Piqueres ve desaparecer a la Sombra “mezclada con la última palada de tierra, junto a los malos bichos, pero no con los malos recuerdos”, que, éstos sí, permanecen y nos llevan a la infancia de Cara y Nato y al terror que no se puede olvidar, ese miedo que lo penetra todo y que solo olvida refugiándose en los cuentos que cada noche le cuenta su hermano. Una vida atormentada hasta que Cara toma la decisión de plantar cara y abandona lo que había sido su casa y su país para encontrar refugio en los libros, en las palabras.

Porque también las palabras, la educación y la cultura tienen un lugar importante en esta novela, en la que varias mujeres víctimas de la violencia machista en distintas épocas se refugian también en un pequeño amuleto como modo de huir, de alejarse de la realidad que sufren. Es un “llamador de ángeles” un recurso que pasa de madres a hijas para espantar su miedo y auto-convencerse de que están protegidas y no van a sufrir daños.

Pero no todo queda en el miedo y la angustia, Elsa Veiga lanza también un mensaje de esperanza, de huir sin mirar atrás, de sororidad y fraternidad, de alejarse de la muerte para mirar de frente a la vida.

Resulta indudable, y de hecho es algo que se ha repetido en numerosas ocasiones en los últimos meses, que uno de los sectores que más se ha significado en su apoyo, su solidaridad y su generosidad con la toda la sociedad ante la pandemia y más específicamente durante el largo periodo de confinamiento obligatorio ha sido el de la cultura. Igualmente, cabe afirmar de modo categórico que en los espectáculos culturales que se han podido volver a retomar tras el fin del confinamiento, tanto por parte de todos y todas las profesionales responsables de poner en funcionamiento esos espectáculos, como del público asistente, se ha dado un ejemplo de civismo admirable, con el riguroso cumplimiento de todas las normas de seguridad dictaminadas por las autoridades sanitarias. Así se explica la notable repercusión que ha adquirido el hashtag y el lema “La cultura es segura”.

No obstante, dentro de el tejido cultural, quizá en ocasiones tendemos a simplificar de modo erróneo y reduccionista asimilando a ese tejido solamente a los artistas, a los creadores, no teniendo en cuenta que una parte fundamental del hecho de que aún en circunstancias tan adversas como las que estamos sufriendo, las representaciones de teatro, danza, circo, los conciertos y recitales de música, es decir, la inmensa mayoría de los espectáculos culturales son posibles gracias al trabajo de los técnic@s de luz, sonido, conductores de transporte, montadores, etc. Lo cual ha propiciado que si el lema “La cultura es segura”, se haya instalado en gran parte de la mentalidad colectiva, otro lema se haya arraigado si cabe con igual fuerza: “Sin técnicos no hay cultura”.

Y este es un sector que se encuentra en una situación especialmente difícil dentro de la situación que estamos viviendo, que no está encontrando soluciones satisfactorias por parte de los poderes públicos a los problemas que la pandemia ha producido en el entorno laboral de la cultura. Por ello, desde este espacio queremos hacernos eco de la importante movilización en defensa de este sector se convoca para el día 17 de septiembre a nivel estatal por parte de la plataforma “Alerta Roja – Hacemos Eventos” exigiendo la aplicación de una serie de medidas urgentes que puedan paliar la situación, realmente comprometida de los trabajadores y trabajadoras de este sector y de sus familias.

“Alerta Roja – Hacemos Eventos” está compuesta por ahora por 37 organizaciones, unidas en torno al Movimiento Internacional de la Industria Cultural del Espectáculo y los Eventos, con los que están en permanente contacto, y al cual ya se han sumado por ahora plataformas similares de 7 países.

Tal y como se afirma en el Manifiesto de Medidas Urgentes para el sector elaborado por esta Plataforma, el sector del Espectáculo y los Eventos adolece de una fragilidad estructural y de una inseguridad jurídica realmente grave, que se está haciendo patente ahora más que nunca, tras años y años de malas prácticas generalizadas, lo cual pone de relieve la necesidad de una reglamentación homogeneizada, específica y adaptada a las especiales circunstancias y particularidades en las que se desarrolla la actividad, marcada por la estacionalidad e intermitencia. Esta reivindicación cobra una importancia capital, pues la inmensa mayoría de sus trabajadores no puede acogerse a las medidas que sobre estacionalidad e intermitencia recoge el Estatuto del Artista y del Trabajador de la Cultura, el cual contempla medidas para los casos de profesionales técnicos contratados por una compañía teatral o una agencia de management que les contrate para giras de conciertos, pero no para los FreeLancer, falsos autónomos o contratados por días, quienes constituyen el grueso fundamental de este colectivo.

El objetivo fundamental del 17-S es conseguir que el gobierno español, a través de los Ministerios de Trabajo, Hacienda, Economía, Cultura y Deporte, e Industria, tome una serie de medidas urgentes en las próximas semanas para garantizar la supervivencia del sector, además de crear de forma inmediata una mesa sectorial que defina las necesidades del mismo dando prioridad a la regulación a través de la negociación de un convenio colectivo sectorial de ámbito nacional.

Las medidas relevantes referidas de un modo más genérico al rescate del sector son principalmente que se reconozca al Sector del Espectáculo y los Eventos entre los sectores principalmente afectados por la pandemia de la Covid-19, por haberse visto obligado a cesar su actividad incluso con anterioridad a la declaración del estado de alarma, y que, al igual que el sector del turismo y por su carácter transversal al mismo, sea considerado por instituciones y administraciones públicas, un sector especialmente perjudicado y prioritario. Por otro lado, se exige igualmente la reactivación inmediata de las agendas culturales y de eventos de las administraciones públicas, en especial las de las entidades locales, bajo el estricto cumplimiento de todos los protocolos de seguridad sanitaria.

Dentro de las medidas más específicas para trabajadores autónomos, entre otras cabe destacar la prórroga de la prestación especial por cese de actividad, hasta su reactivación con una recuperación del 100% de aforos y el reconocimiento de cese de actividad Extraordinaria por fuerza mayor a las y los trabajadores autónomos con menos de 2 años de alta en el RETA.

Para quienes ejercen su actividad por cuenta ajena, se pide el reconocimiento de la actividad como intermitente y la adopción de medidas legislativas referentes al régimen de cotización y protección social, permitiéndose la obtención automática de prestaciones de desempleo en cada periodo de inactividad que sucede entre contrato y contrato de trabajo una vez alcanzadas un número de horas mínimas, en tanto que para las empresas, se pretende establecer la recuperación de los ERTE por fuerza mayor total con exención del 100% de las cotizaciones en seguridad social, hasta que sea posible trabajar con el 100% de los aforos y mantener la prestación de todo el personal afectado por un ERTE en el 70% de la Base Reguladora, la reducción del tipo impositivo del Impuesto de Sociedades para los ejercicios 2020 y 2021, así como diferentes exenciones fiscales relativas al IAE, impuesto sobre bienes inmuebles o tributos de carácter local.

Todo ello debe ir acompañado del establecimiento de ayudas directas a autónomos y empresas del sector que acrediten una disminución del volumen de ingresos superior al 50% en relación con el ejercicio anterior, aplicación del IVA reducido en los sectores vinculados a la Industria Cultural y una moratoria en créditos ICO hasta la reactivación de la actividad entendida como la recuperación del 100% de los aforos.

La movilización del 17 de septiembre supone un verdadero hito histórico por cuanto por primera vez logra reunir en torno a unas reivindicaciones que el sector planteaba desde hacía mucho tiempo y que hasta ahora nunca habían sido suficientemente visibilizadas a una amplísima mayoría de colectivos, organizaciones y asociaciones profesionales que quizá hasta ahora no habían encontrado el momento adecuado o el estímulo suficiente para dar este paso.

Alicante, Albacete, Badajoz, Barcelona, Bilbao, Córdoba, Girona, Granada, Ibiza, Las Palmas de Gran Canaria, Lleida, Logroño, Lugo, Madrid, Málaga, Murcia, Oviedo, Palma, Pamplona, Santiago de Compostela, Sevilla, Tarragona, Santa Cruz de Tenerife, Valencia, Valladolid, Vigo, Vitoria y Zaragoza serán las ciudades en donde tendrán lugar las movilizaciones. Toda la información está disponible en https://alertarojaeventos.com.

Ello además supone un avance de conciencia y organización en este ámbito que indudablemente va a mostrar como desde la unidad en la lucha, desde el trabajo en común, desde la organización, es posible convertir en resultados materiales efectivos ideas que parecían destinadas a no llevarse a la práctica nunca. Puede y debe dignificar el trabajo de los profesionales técnicos del mundo del espectáculo proporcionándoles unas condiciones económicas y laborales justas. Si se consigue ese objetivo, la cultura habrá dado un paso de gigante en esa recuperación de su valor social que quienes trabajamos en este ámbito ambicionamos.

Cuerpos y territorios

Desde Espacio Público nos complace informar de que El Instituto Equit junto con la Rede de Gênero e Comércio y GIFF (Grupo de Intervención Investigación Feminista), con el apoyo del Fondo de Mujeres del Sur, ha promovido el ciclo de debates feministas Conversas latino-americanas, que será abierto por dos importantes nombres del pensamiento crítico contra el devastador orden neoliberal: Silvia Federici y Sônia Guajajara. Moderará Graciela Rodríguez del Instituto Equit.

El debate será el 10 de septiembre, a las 22.30 hora española. Se podrá seguir en portugués y en español.

Transmisión en español. Canal youtube RGC:

https://www.youtube.com/channel/UCE-b7usnAsShdOxaR-JFFvw

Transmisión en portugués: Canal youtube Inst. Eqüit

https://www.youtube.com/channel/UCongSW4B9QmF2w0KwOMxnqg

Silvia Federici

Escritora, profesora y activista feminista desde hace más de 30 años. Autora, entre otros libros, de Calibán y la bruja: mujeres, cuerpo y acumulación originaria (2004); Revolución en punto cero: trabajo doméstico, reproducción y luchas feministas (2013); Reencantar el mundo. El feminismo y la política de los comunes (2020). Silvia Federici es un referente indiscutible del movimiento feminista mundial.

Sônia Guajajara

Sônia Guajajara nació entre los Guajajara en un pueblo de la selva amazónica en Maranhão. Estudió en una escuela de agricultura en Minas Gerais y continuó sus estudios en la Universidad Federal de Maranhão. Fue candidata del Partido Socialismo y Libertad a la vicepresidencia de Brasil en las elecciones generales de 2018 y es la líder de Articulação dos Povos Indígenas do Brasil.

Hay episodios de nuestras vidas que queremos olvidar porque duelen, pero no podemos olvidar algo que se vuelve consuetudinario, que repica diariamente y que es tan sangrante que es imposible soslayarlo, porque tampoco podemos desconocer actos de injusticia tan atroces…

Hace unos días releí el libro de Héctor Abad Faciolince El Olvido que seremos, que nos lleva a la historia de su padre Héctor Abad Gómez, un hombre que denunciaba las injusticias y las desigualdades estructurales de Colombia; estuvo comprometido con la justicia social, la defensa de los derechos humanos y de la vida, pero la oscuridad que cubre parte de nuestra población dirigente apagó esta luz que proyectaba alternativas a estos problemas.

Es una realidad que viví de cerca, porque aunque no han asesinado ningún familiar, si han asesinado y desaparecido amigxs y compañerxs cercanxs; así mismo he visto como el asesinato político y la desaparición forzada fueron utilizadas para que organizaciones políticas completas como la Unión Patriótica fueran aniquiladas; asesinando a más de 4.500 de sus integrantes, mientras otros huían para no terminar de la misma forma.

El asesinato de Héctor Abad Gómez es uno entre tantos asesinatos políticos en nuestra tierrita; pero su muerte causó un gran impacto porque no era una figura de ningún partido y en ningún momento enarbolaba la violencia como bandera, sino que denunciaba las situaciones de violencia, torturas, desapariciones forzadas y asesinatos.

Abad era un docente y médico comprometido y activista en el Comité para la defensa de los DDHH de Antioquia y podría simbolizar una persona que es padre, hermano, esposo, amigo y maestro de todxs. Porque son tan innumerables lxs asesinadxs que esta figura tan coherente podría representar todas esas víctimas de un conflicto interminable como el colombiano. Este personaje se ha configurado a través de lo que escribe su hijo en el libro El Olvido que seremos y que después reproducen en parte Daniela Abad y Miguel Salazar, en el documental Carta a una sombra. Fernando Trueba, también se ha hecho eco de esta historia con una película basada en el libro.

La práctica del asesinato como medio de eliminar tanto la denuncia de la injusticia y violación sistemática de los DDHH, así como cualquier oposición política y social no es de ahora. Podría decirse que las elites políticas y económicas, aliadas entre sí y utilizando las fuerza armadas legales (ejército, policía, servicios secretos…) e ilegales (paramilitares), han acabado con gran parte de esta oposición y siguen haciéndolo, siendo la impunidad su gran baza para seguir enseñoreadas y continuar en el poder y acumulando bienes y capitales  procedentes del saqueo y despojo de toda la población.

Pero hay una parte esencial del libro que es el amor, que saca a relucir en medio de tanta tragedia; el amor de este hijo hacia su padre y el de él hacia este hijo predilecto, pero también hacia toda la familia y ese amor hacia todo el entorno a donde llegaba con su práctica médica, conociendo las causas de la miseria, la desnutrición, la enfermedad y la muerte de esa población, que para las altas esferas valían más muerta que vivas. Esto me recuerda la filosofía de Camilo Torres, de su lucha amorosa con la teología de la liberación: “cuya revolución no consiste en otra cosa que en la pretensión de garantizar al ser humano las condiciones requeridas para vivir con dignidad”.

La lucha pacífica de Héctor Abad Gómez también fue fundamental en su concepción del mundo, de un mundo amoroso, solidario, para lo cual se debían garantizar condiciones de vida justa para toda la población y en la que la violencia estructural que es la miseria no tiene cabida.

Estos crímenes y en particular el de Héctor Abad Gómez representan un pedazo de la historia trágica de Colombia; pero no podemos caer en la desesperanza, y en honor a este personaje que era el paradigma de la alegría de vivir y de la confianza hacia gran parte de la humanidad, debemos seguir luchando porque si perdemos la fuerza y la esperanza ya tenemos las batallas perdidas.

Porque Colombia nos sigue doliendo, como nos duele nuestra historia, territorios expoliados y despojados, comunidades negras, indígenas, campesinas y las poblaciones marginadas; nuestras son las razones y las certezas de que la dignidad, la democracia y la paz con justicia social no nos la regalarán…

Porque como dice Héctor Abad Faciolince “los asesinos no han podido exterminarnos y no lo lograrán porque aquí hay un vínculo de fuerza y de alegría, y de amor a la tierra y a la vida que los asesinos no pudieron vencer. Además, de mi papá aprendí algo que los asesinos no saben hacer: a poner en palabras la verdad, para que ésta dure más que la mentira”.

“Los Estados con mejores resultados en PISA son aquellos que más horas dedican a la Educación Artística, porque lejos de favorecer la instrucción memorística, enseñan a sus niños a imaginar futuros posibles, y les dan las herramientas para lograrlo”.

Aprobada por el Congreso y en fase de enmiendas parciales una vez que se han rechazado las enmiendas a la totalidad presentadas por el PP, Ciudadanos y Vox, la Ley Orgánica de Modificación de la Ley Orgánica de Educación, conocida como LOMLOE o Ley Celáa, sigue su recorrido en el Congreso en la fase de presentación y debate de las enmiendas parciales.

La LOMLOE es una Ley que ha sido saludada y muy bien recibida por ámbitos muy diversos de la educación y la enseñanza pública, tanto por docentes como por estudiantes y por madres y padres.

Pero hay una laguna importante que ha provocado la protesta activa de miles de personas y asociaciones que reclaman una mayor presencia de la Educación Artística en todos los ciclos de la enseñanza. Por ello han constituido una plataforma: https://educacionnosinartes.wordpress.com/, que está difundiendo un manifiesto publicado en febrero de este año al que se han adherido miles de personas, así como un decálogo con 10 argumentos y han presentado nueve enmiendas concretas al proyecto de ley.

La petición principal es que la Educación Artística tenga una mayor presencia en la enseñanza en todo el Estado español.

A la iniciativa de este colectivo no solo se han sumado miles de personas, expresando su respaldo al manifiesto, sino que cuenta también con apoyo expreso de instituciones del prestigio del Comité Internacional de Educación y Acción Cultural (CECA) y el ICOM (International Council of Museums), así como InSEA (International Society for Education Through Art).

Para hablar de este tema conversamos con la catedrática de Educación Artística de la Facultad de Educación de la Universidad Complutense de Madrid, Marian López Fernandez Cao, una de las impulsoras de esta plataforma.

Espacio Crítico: Hace unos días afirmabas en un artículo que La ley de Educación que está en trámite, si busca realmente niñas, niños y adolescentes críticos, si busca una mirada afinada que renueve conductas y modelos visuales en este país, tildará abiertamente de ridículas y trasnochadas algunas imágenes, y no necesitará prohibir porque sus creadores las retirarán, corriendo, avergonzados. ¿Podrías resumirnos brevemente cuáles son las enmiendas que habéis presentado a la LOMLOE?

Pedimos al gobierno que recupere el espíritu de una de las mejores reformas educativas realizadas en España, la LOGSE, que modernizó el sistema educativo y consideraba la creación como un eje fundamental. Por ello, pedimos que el gobierno incluya en el 45-55% de los contenidos obligatorios a la creación artística y la alfabetización visual desde educación infantil y primaria hasta educación secundaria y el bachillerato, y que la incluya como materia troncal obligatoria y no la deje al arbitrio de las decisiones de las Comunidades autónomas. Al igual que hace con otras materias instrumentales la educación artística, la metodología creativa y la educación de la mirada –la competencia visual y artística– debe ser fundamental. Ello se traduce en cuanto a la Educación Primaria, establecer suficientes horas obligatorias semanales en Educación Primaria, que en algunas Comunidades Autónomas han desaparecido y la urgente creación de un especialista en Educación Artística y visual tal y como existe en Educación Musical y Educación Física. Aprender a mirar es esencial hoy en nuestra sociedad del conocimiento y la información. El aprendizaje metódico y cuidadoso de la mirada y la percepción es la base de algo tan importante como la observación científica, pero también de la empatía –elemento fundamental del ser humano y que cita la ley–, por ello es esencial para la formación, que debe ser dada por un especialista. Nos resulta inconcebible que un país como España no tenga esa figura y no comprendemos cómo la Ley no la contempla. ¿Por qué no hay especialista en Educación Artística en la Educación infantil y Primaria? ¿Por qué esa desigualdad?

Aprender a mirar es esencial hoy en nuestra sociedad del conocimiento y la información.

En cuanto a la Educación Secundaria, pedimos que se recuperen las horas que la  LOE y la LOMCE fueron eliminando paulatinamente, recuperar como señalamos el espíritu de la LOGSE donde existía como materia obligatoria en todos los cursos de la Educación Secundaria Obligatoria. Dejar a nuestros jóvenes, que están inmersos en un mundo visual, que llevan un dispositivo donde reciben y emiten mensajes visuales continuamente, sin una sólida formación en educación visual es una irresponsabilidad. Educar visualmente tiene que ver con saber y manejar los códigos visuales que hacen que aceptemos más o menos fácilmente determinados mensajes y conductas y sepamos defendernos ante ellos. Si esta ley, como señala en su preámbulo, quiere ser crítica e igualitaria, debe enseñar herramientas para una mirada crítica.

Pedimos también que en Bachillerato se refuercen las asignaturas que tienen que ver con la imagen no sólo desde el punto de vista de manejo de una herramienta, como usar una cámara o un programa de imagen, sino que enseñe qué significa mirar, ser mirado, componer una imagen y analizarla en términos de forma y contenido.

EC: Muy recientemente ha sido retirada de la campaña publicitaria de unos grandes almacenes una imagen que podía provocar una interpretación muy negativa de la infancia en los colegios, por lo que fue muy contestada en las redes sociales. Vivimos en un mundo en el que la imagen está presente en todo, ¿crees que existe una suficiente educación visual?

Hoy por hoy no hay educación visual alguna en la Educación Primaria y muy escasamente en Educación Secundaria –dejándolo al puro arbitrio de las Comunidades Autónomas y donde el profesorado de Educación Plástica y Visual hace lo que puede en las escasísimas horas que tiene– y Bachillerato. Justamente cuando se produce en el adolescente la construcción de la identidad, cuando los y las jóvenes están buscando definirse, y la imagen juega un papel determinante, es cuando más debemos ayudarles y dotarles de conocimientos para construir una mirada crítica, que les ayude a definir su propia imagen y les ayude a defenderse y deconstruir analíticamente los mensajes visuales y los estereotipos visuales que tienen que ver con sesgos excluyentes. Las imágenes que asocian violencia y masculinidad, así como las que asocian feminidad y pasividad son construcciones también y sobre todo son construcciones visuales que se asimilan de forma rápida e inconsciente. Cuando un o una joven sabe analizar y crear una imagen, puede separar creador, mensaje y receptor, forma y contenido; cuando reconoce los mensajes connotativos, cuando aplica la retórica visual, señala si una imagen ha sido tomada en picado o contrapicado y sabe, por ello, las simbología de determinados mensajes visuales relacionados con la jerarquía, está preparado para enfrentarse a nuestra cultura visual porque está educado. En esas edades, además, les interesa muy especialmente analizar y crear imágenes y es deber de la educación obligatoria darle las herramientas y ayudarles a ejercer esa mirada crítica.

De otro modo, muy al contrario de a lo que la ley quiere aspirar, deja a la adolescencia desprotegida, acrítica y vulnerable a los mensajes visuales que diariamente reciben de sí mismos y de los otros, en un espacio proclive al bullying, al estereotipo y a la repetición de conductas desiguales, que por decirlo en términos digestivos, engullen sin saber digerir.

EC: En un reciente artículo tuyo afirmas que “Crear es apostar por la vida” ¿Qué importancia adquiere esta afirmación en los tiempos de la robótica, en los que se venera al robot, a la máquina?

Es necesario recuperar las humanidades en la educación obligatoria, que no es otra cosa que aprender a pensar, reflexionar, conocernos y reconocernos. La creación artística nos descubre como humanos a través de nuestra capacidad simbólica para imaginar, construir y transformar, y nos liga con los otros. El proceso creador nos enfrenta al espacio vacío, a la duda, a la polisemia, a la simultaneidad de puntos de vista, a la necesidad de optar y equivocarse, al diálogo reflexivo con nosotros mismos y la comunidad. Nos obliga a escuchar la materia, a dialogar con ella, a admitir la frustración de las dificultades del proceso y a nuestras propias limitaciones. Crear nos sumerge en la pulsión de vida, porque nos conecta con nosotros mismos y el exterior, nos hace trascender y es una experiencia que une emoción y cognición, percepción y cuerpo –algo tan denostado en educación–, por ello el proceso de la creación artística es mucho más que copiar o hacer algo estético, sino que incluye la capacitación en recursos que posteriormente serán esenciales en la vida laboral y en nuestra vida fuera de las aulas.

La creación artística nos descubre como humanos a través de nuestra capacidad simbólica para imaginar, construir y transformar, y nos liga con los otros.

La ley educativa da importancia a la robótica, que quiere implantar incluso en Educación Primaria. Pero me gustaría recordar que la robótica, como todo instrumento creado por los humanos, parte de algo tan simple como imaginar soluciones a necesidades y conflictos. Y eso es lo que moviliza el proceso creador: enfrentarnos a la capacidad de pensar y proyectar algo que no existe, y verter en ello nuestra capacidad de imaginar y plasmarlo, sea con un papel, una madera, un ordenador o nuestro propio cuerpo. La robótica es un paso avanzado tras desarrollar en niños y niñas, la capacidad de imaginar, observar, pensar, repensar, proyectar, diseñar. No creo que saltándonos los procesos anteriores, lleguemos a los resultados. Creo que como mucho, enseñaremos a copiar, pero no seremos capaces de imaginar y aventurarnos a crear o transformar.

Me gustaría recordar por otro lado, que la educación artística además desarrolla nuestra mirada, nuestra atención y nuestra sensibilidad y ayuda a organizar y comprender nuestras emociones. La educación no consiste en transmitir información, para eso tenemos muchos otros modos, educar es acompañar en la experiencia de atrevernos a conocer y conocernos, nos permite comprendernos y comprender nuestro entorno en los momentos de crisis y nos acompaña en los períodos más difíciles de la vida, tanto íntimos como comunes. La educación debe tener eso en cuenta. Recuerdo que hace unos años reflexionamos sobre el alto índice de suicidios que se había producido en una empresa de tecnología francesa, en la época de la crisis anterior, donde jóvenes altamente formados en tecnología, de apenas 26 años, se precipitaban angustiados por las ventanas. Estoy convencida de que si la educación tuviera en cuenta y abordase el proceso creador, su plenitud y su horizonte, su capacidad de pensar más allá y su potencial en sostener la incertidumbre, la angustia, el límite y miedo, no sólo seríamos más capaces de afrontar las próximas crisis, sino que saldríamos más fortalecidos y más sabios. En noviembre de 2019, la Organización Mundial de la Salud publicó un exhaustivo informe basado en la evidencia donde se desgranaban los beneficios del arte y la cultura en la salud, y en ellos se hablaba de la autoestima, el bullying, entre muchos problemas a los que se enfrentan niñas, niños y adolescentes.

EC: Decís que los países que tienen mejores resultados en la enseñanza son los que dedican más horas a la Educación Artística, porque “enseñan a sus niños a imaginar futuros posibles y les dan herramientas para lograrlo. También ponéis como ejemplo el protocolo firmado por tres ministerios en Francia en 1993, por el que se reconoce la importancia de la función del arte en la educación obligatoria. ¿Puedes explicarnos algo más de este protocolo y de cómo está la enseñanza del Arte en Europa en la actualidad?

En el año 2000 los ministros de Cultura, Catherine Tasca, y de Educación, Jack Lang, pusieron en marcha un plan quinquenal para el desarrollo de las artes y la cultura en la escuela (Plan Lang-Tasca), que fue renovado en 2005 y condujo a la constitución de un Alto Consejo para la Educación Artística y Cultural. En 2012, la ministra socialista Aurélie Filippetti lanzó una consulta nacional que condujo al informe Pour un accès de tous les jeunes à l’art et à la culture (llamado «Informe Bouët-Desplechin»), entre cuyas recomendaciones se encontraba actualizar la definición de educación cultural y artística, reforzar la gobernanza territorial en este ámbito, reforzar la formación y la profesionalización de las acciones artísticas en entornos educativos y fomentar los espacios de intercambio entre los agentes que intervienen en el campo de la educación artística (Perrin et al., 2015: 95-96).

¿Por qué, en un país que se enorgullece de ser cuna y territorio de artistas y que atrae por su riqueza artística y cultural, no existe un Consejo para la Educación Artística y Cultural? ¿Por qué nos permitimos perder talentos creativos, y una sociedad educada en la observación, en la contemplación y en la apreciación y cuidado por nuestra cultura?

Un estudio realizado por la OCDE en 2014[1] señala que las habilidades de observación aprendidas observando pinturas y dibujando incrementan la habilidad de observación médica y cualquier actividad científica que implica la observación. Las habilidades relacionadas con el dominio artístico son muy cercanas a las habilidades evaluadas en el área científica: en ambos casos, la habilidad crítica consiste en mirar detenidamente y razonar sobre lo que se observa. Asimismo, el razonamiento espacial, tan necesario en ámbitos como la geometría y el razonamiento abstracto, son capacidades que desarrolla la educación artística.

Una magnífica tesis doctoral sobre el papel del arte en la adquisición de competencias educativas[2] señala que un país como Finlandia, con excelentes resultados en el informe PISA dedica el 80% de las horas lectivas a la educación artística (más de 300 horas por curso escolar), con un carácter muy innovador: el exceso de horas de educación artística no implica la reducción de horas lectivas en otras asignaturas. Esto se debe a que este país entiende el arte como vehículo en el estudio de todas las materias. Por tanto, se trata de un enfoque educativo a través de las artes  (enfoque integrador), no sólo una enseñanza y educación en las artes  (enfoque especializado tradicional).

España, lamentablemente y de modo opuesto, ha tomado una serie de decisiones desde una visión reduccionista, utilitarista y cortoplacista que no sólo ha sido contraria a la creación, sino a la educación de calidad. Debido a los malos resultados que se han ido obteniendo en las pruebas de conocimiento (a nivel autonómico, estatal y europeo) en las denominadas “Asignaturas Instrumentales” (Matemáticas, Literatura y Lengua Castellana), los sucesivos gobiernos y sus administraciones educativas han ido recortando las horas de docencia directa en Educación Artística en favor de las consideradas “más necesarias”, olvidándose de que “saber mirar, estructurar y dar forma a algo nuevo”, forma parte también de los saberes llamados instrumentales. Este recorte ha supuesto una merma no sólo de los conocimientos que adquiere el alumnado a lo largo de un curso académico, sino que provocan en la imagen y opinión pública una falta de importancia e interés, de manera que los conocimientos artísticos, estéticos y culturales pasan a estar en un segundo plano tanto educativo como político y social.

EC: Has escrito una carta al presidente del Gobierno, ¿has tenido alguna respuesta?

Las y los catedráticos de educación Artística de todas las universidades españolas escribimos a Pedro Sánchez una extensa carta apelando a su sensibilidad y a la necesidad de incorporar nuestras enmiendas a la ley. En ella le exponíamos, además de lo desarrollado en esta entrevista, la importancia de una educación sensible al patrimonio, la importancia de la industria naranja, la cultural, que es esencial en nuestro país, el papel que han tenido las artes en la historia de España. Le transmitimos la importancia de desarrollar una mirada crítica ante la cultura visual así como el potencial de cohesión social y humano que supone el arte y la creación, su rol en la comprensión universal e intercultural y en la relación con lo desconocido e imprevisto. Le transmitimos la importancia de la educación artística en el proceso creador, que ayuda a enfrentar lo impredecible y a sostener la incertidumbre, esencial en la formación para la vida y especialmente fundamental en este año que se ha revelado extraño y difícil de encarar.

Desafortunadamente recibimos una escueta respuesta de su gabinete señalando lacónicamente que la ley en proceso reconocía nuestra área así como los estudios especializados de grado medio y superior, mejorando su titulación, algo que no era objeto de nuestra petición ya que nos centrábamos en la importancia y presencia efectiva de la educación Artística con especialistas en la educación obligatoria. La respuesta señala asimismo que el gobierno de España respeta el margen competencial de las Comunidades Autónomas en la configuración del currículo, por lo que entendemos que el Ministerio de Educación renuncia a la consideración de la educación artística como materia troncal en la educación obligatoria en todo el territorio español. En la carta no señala la apertura a repensar ningún tipo de enmiendas en este sentido. Desalentador para el arte y la creación y sobre todo para los niños, niñas y adolescentes de este país.

EC: Por último, ¿cuáles son los próximos pasos que vais a dar?

Tenemos todavía esperanzas de que algunos partidos sensibles a la educación de la mirada, a la alfabetización visual y al desarrollo creativo y de la atención incorporen nuestras enmiendas y que el Parlamento las acepte. Desde finales de febrero estamos en contacto con los partidos políticos que han contestado a nuestras peticiones y varios de ellos han sido sensibles a las mismas.

Hemos recabado el apoyo de la práctica totalidad del mundo del arte y la cultura, de los museos, la academia y el patrimonio, que se echa las manos a la cabeza cuando le mostramos la ausencia de creación en la educación obligatoria, y la ausencia de una educación que fomente la capacidad visual, creando una desigualdad inexplicable en el acceso al mundo del arte y la cultura, dejando depender la competencia cultural a la capacidad adquisitiva de sus familias. Hemos recibido testimonios de apoyo de personalidades de la Academia de Bellas Artes, de Premios Nacionales de artes plásticas, Premios Velázquez, presidentes de asociaciones de arte y cultura, de cine y teatro, del ICOM, la mayor institución de museos a nivel internacional y de INSEA, la Sociedad Internacional de Educación por el Arte, que no comprenden la postura española. Con todo este apoyo nacional e internacional no descartamos movilizaciones específicas tanto en el área educativa como cultural.

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Notas:

*Todas las fotografías son obra de Marian López Fernández Cao

[1] ¿El arte por el arte? La influencia de la educación artística.

[2] El papel del arte en la adquisición de competencia para el modelo de enseñanza-aprendizaje del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES) Ana Hernández Revuelta, UCM, 2012.

Yo quería ser Marsé – Cristina Fallarás*

Yo me fui a vivir a Barcelona por Juan Marsé. Así es. Corría 1986, tenía 18 años y llevaba desde que me acuerdo sentándome en el murete del malecón de Calafell, frente a l’Espineta, la taberna marinera de los Barral. Era lectora compulsiva y quería ser escritora, lo del periodismo ya vino después, y también tuvo que ver con él.

Me sentaba en el murete porque allí, en las mesas de fuera, estaban los escritores, las escritoras. El editor y escritor Carlos Barral me impresionaba, y Jaime Gil de Biedma, Rosa Regàs, Anna Maria Moix, Alfredo Bryce Echenique. Todos por allí. Pero el que a mí me fascinaba era Marsé. Después leí todos sus libros y encontré la palabra: Compacto. Aquel hombre de manos camperas y cara labrada, su serenidad, su falta de impostura, estaban luego en su obra. Pero antes yo había pasado mi adolescencia y mi primera juventud contemplándolo, sentía que ya lo había visto. Compacto.

He leído bastantes textos sobre él publicados en las últimas 24 horas, desde su fallecimiento este domingo pasado. No es cierto que fuera un macarra. No es poca la gente que tiende a describirlo como tal o como el día después de un chuleta de barrio, seguramente porque resulta cómodo echar mano del Pijoaparte. Era un hombre serio y tímido al que no le gustaba andarse con tonterías. Serio y muy divertido. Los serios divertidos son los mejores.

En una profesión, la de escritor, repleta de petulantes y relamidos, él no fingía, no había impostura en su forma de contar historias, ni en su forma de sentarse, de opinar sin piedad, él no templaba gaitas.

Así que un día, tras años mirando escritores, tras haberme enamorado de Últimas tardes con Teresa, Ronda del Guinardó, Un día volveré y Si te dicen que caí, me largué a estudiar a Barcelona. Elegí periodismo (entonces Ciencias de la Información) desde luego sin ninguna de esas tremendas vocaciones que aseguran haber sentido muchos de mis colegas. Yo no quería ser periodista, yo quería ser Marsé, qué barbaridad, qué idiota.

Sin embargo, ya que tenía lo del periodismo a mano, decidí aprovecharlo. Junto a un puñado de jóvenes acabábamos de montar un periódico gratuito de barrio en Nou Barris, zona obrera. A la primera que pude, por supuesto, me hice con el teléfono de Marsé. “Hola, me llamo Cristina Fallarás, trabajo en un periódico de barrio y quiero entrevistarle”. No han sido pocas las excusas recibidas al principio de mi carrera de llamémoslo “prensa alternativa”. Sin embargo, su invitación fue inmediata, fui a su casa, le entrevisté y seguí entrevistándole después en la SER y más tarde en El Mundo y aún en algunas ocasiones más. Sin duda es la persona a la que más veces he entrevistado en mi vida.

Un día, siendo un chaval, mató un pajarillo con una escopeta de balines. El horror que le produjo ese acto fue tal que ya mayor seguía contándolo. Era un hombre bueno y le repugnaban la idiotez y la crueldad.

Yo quería ser Juan Marsé porque a su alrededor, y con él en el centro, existía un mundo culto pero no fatuo, una forma de andar descalzo por la orilla, de escribir sin hacer alarde de un magisterio ante el que cualquier creador o creadora honesta suspira y sonríe, conversaciones junto al mar, noches largas y, en su caso, una austeridad compacta, una honestidad compacta, un compacto respeto por sí mismo y por su trabajo.

Además, claro, era el suyo un universo político. Por las referencias a la Guerra Civil, por supuesto, por el retrato de una clase obrera también, por todas esas cosas que ha contado. Sin embargo, después de observarlo durante tantos años, creo que lo más político de Juan Marsé estaba en un compromiso íntimo por no pactar con el engaño, con el relato que construye el engaño, el propio y el histórico.

“Yo solo escribo historias”, decía. Y sí, en eso consiste. La Literatura permanece y lanza hacia el futuro aquello que somos, que fuimos. Lo escrito retrata un mundo y ese mundo está en el mundo. Cuando mañana, los hijos de los hijos de mis hijos se interesen por la posguerra española, porque sobre el pasado se construye, sin duda los libros de Marsé les serán mucho más útiles que cualquier tratado de Historia. E inconmensurablemente más bellos, más ricos, más certeros. Compactos.

Tengo la fea sensación de que con la muerte de Juan Marsé desaparece un mundo que no ha encontrado recambio. Y desde luego una enorme parte del mío propio. Hace décadas de dejé de querer ser Juan Marsé, en un sentido amplio. Nadie puede ser Juan Marsé, ni parecérsele de lejos.

Notas:

* Artículo publicado el 21 de julio de 2020 en Público: https://blogs.publico.es/cristina-fallaras/2020/07/21/yo-queria-ser-marse/

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Maldita sea. Ha muerto Juan Marsé – Manuel Garí

Así de acertado fue el tuit de Maruja Torres. Así supe la mala noticia y así, de inmediato, me invadió la misma rabia. Ella le conocía, yo no. Pero como si le hubiera tratado. Desde los años sesenta formaba parte de ese mundo entre real e irreal que forman las lecturas que le acompañan a cada cual. Marsé nacido Faneca -como aquel anarquista- hablaba de hombres y mujeres, de ricos y pobres, de trabajadores y maleantes: de la sociedad humana. Como, por cierto, también hizo en los mismos años otro grande y con otro lenguaje, Jean-Marie Straub el cineasta comunista heterodoxo, autor de la inolvidable “Sicilia!”, nacido el mismo día exactamente que Marsé y del que se declaró asiduo lector.

Marsé ha sido demasiado creativo, inconformista e inclasificable como para que sea material de uso en las banderías españolistas versus convergentes o viceversa. Fue un currante nato -de lo contrario es incomprensible su producción- que debía pensar como Baudelaire, otro inclasificable, inconformista y creativo cuando afirmó la boutade de que “para trabajar basta estar convencido de una cosa: que trabajar es menos aburrido que divertirse”. Me interesa lo que escribió, lo mucho que escribió, no la minucia.

Poco antes del famoso 14 de marzo del Estado de alarma por el Covid-19[1] tuve que preparar unas lecturas para un público muy especial, ávidos lectores, lectoras y escuchantes de menos de 8 años. Y, qué casualidad, les leí en dos tardes seguidas dos Marsé muy refrescantes “El detective Lucas Borsalino” y “La fuga de río Lobo”. Fue un éxito de crítica que se tradujo en petición de ambos en papel para leerlos por su cuenta antes de dormir. ¿Fue una casualidad la elección? Probablemente no, jugaba a valor seguro.

El mismo que había reconocido en «La oscura historia de la prima Montse» que como en “El amante bilingüe” se da una polarización entre dos seres, hombre y mujer, complejos. Conflicto que también asoma en “La muchacha de las bragas de oro” entre ella y el ex franquista reciclado, pero sobre todo se hace evidente en “Últimas tardes con Teresa” entre el buscavidas Pijoaparte y la burguesita Serrat del barrio de los Pujol (entre delincuentes anda el juego). Entre las gentes de los barrios obreros -tal cual son con sus potencialidades y miserias- y las gentes de las “torres” de Sant Gervasi. Entre gentes que desean lo que el otro es. Y que no se mienten llamándole amor a lo que es sexo. Y dónde exuda el conflicto de clases, la desigualdad, la inviabilidad de esa sociedad. Marsé presenta todo ello incardinado en la vida de una ciudad, Barcelona. Precisamente porque profundiza la pequeña historia de las personas dentro de la historia su comunidad con una mirada entre realista e irónica y pegada a unas calles y unas plazas concretas, su obra alberga temas de fondo con dimensión universal.

Esta noche volveré a abrir “El embrujo de Shanghái” después de volver a ver la peli de Trueba. No me aburro nunca ni de una ni de la otra. Que la tierra le sea leve.

Notas:

[1] Me niego usar el femenino con el virus porque lo digan Arturo Pérez-Reverte y sus secuaces de la rancia RAE. No busquen motivo ideológico alguno, simplemente porque no me da la gana cambiar de artículo porque lo digan.

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Tratemos a Juan Marsé como se merece – Marià de Delàs

La agenda de narraciones y ensayos pendientes de lectura crece sin parar. Es imposible dar abasto con todas aquellas obras que uno se propone leer y, para colmo, en nuestras estanterías tenemos almacenados, e incluso ordenados, por puro romanticismo, un montón de libros que han marcado de alguna manera nuestras vidas y que merecen relectura. Entre ellos se encuentran, claro está, los de Marsé. Creo que no tengo ningún amigo, salvo aquel que toma ejemplo del detective Carvalho, que no guarde celosamente en su casa al menos una de las historias que nos ha dejado el enorme escritor catalán. Un personaje que no se prodigaba casi nada en los medios.

Apenas se dejó entrevistar, y a pesar de ello, su presencia en la vida pública es y será muchísimo mayor que la de otras celebridades que matarían por aparecer en alguna pantalla.

Un escritor que dio visibilidad a la Barcelona ignorada, la de los barrios, la de su gente de verdad, sus niñas y niños, la vida clandestina, el miedo, la pobreza, los señoritos, la imprescindible delincuencia, los policías…

Marsé militó durante unos pocos años, cuentan, pero en su narrativa a menudo estaba presente el compromiso político, aunque fuera en forma de fantasía.

Los escenarios que describió son los de su ciudad -el del bar Delicias, el cine, los patios, el terrado, los barrancos que ya no existen, el almacén- pero sus historias han llegado a todas partes.

Fue una “figura incómoda para algunos”, quizás porque tal como lo define nuestra compañera Lidia Penelo, “era un insobornable”.

Sus personajes, Teresa, el Pijoaparte, Jan Julibert, Balbina, David y su perro flaco, el escritor falangista y su sobrina Mariana… son ya universales, pero están estrechamente vinculados a tiempos y recuerdos muy concretos, también incómodos y necesarios.

Morirse tiene el inconveniente de que impide hablar y escribir, pero se utiliza mucho a los difuntos, en cualquier sentido. Hay que recordar bien lo que dijeron y escribieron. Conviene releer a Marsé y a las personas que él admiró, para no maltratar su memoria.

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La literatura más generosa – Fernando Ruiz-Goseascoechea

Como una gran parte de los españoles de mi edad, el proceso de iniciación literaria se produce a través de la cultura popular, especialmente el cine, los tebeos y la música. Pero también a través de los libros, aunque mi despertar social, una vez pasada la fiebre de Defoe, Verne y Salgari (mentira, eso nunca pasa) no fue como pretendían en los colegios, a través de insignes escritores del Siglo de Oro, o de gigantes de la literatura francesa o inglesa. Mas bien, fue todo lo contrario.

El ejemplo paradigmático es mi bautizo como apasionado lector, que se realiza a través de los tebeos de El capitán Trueno. Eso sí, y aquí viene lo interesante, tardé años en saber que Víctor Mora, la mano que daba vida a mi héroe era comunista y estaba afiliado al PSUC; ningún censor pudo nunca intuir que el más célebre héroe del cómic hispano dedicaba todo su empeño a derrocar tiranos y a colocar en su lugar consejos de ancianos, “que era lo más parecido que se me antojaba a una república”, como diría su creador años más tarde.

Mis futuras inclinaciones literarias jamás las mencionaron en el colegio, bien por desconocimiento o por mala fe. Yo, ávido lector, estaba abierto a todo, por supuesto, pero había algo en aquella Barcelona de los años 70 que me empujaba hacia terrenos extraños y heterodoxos. Estoy hablando de Francisco Candel, Marce Rodoreda, Aurora Bertrana, los Goytisolo, Carlos Barral, Jaime Gil de Biedma, María Aurelia Capmany, Alfonso Costafreda…

La Generación del 50, también conocida como la Generación de los Niños de la Guerra, está marcada por la Guerra Civil y por unos valores perfectamente definidos: educación religiosa, represión sexual, nacionalismo españolista, anti-comunismo, autoritarismo, ley y orden social, importancia de la familia, etc. ¡pero con muchas ganas de vivir!

Descubrí en sus lecturas, en especial la de los integrantes de la sección catalana de la generación, la Escuela de Barcelona, un estilo por mí desconocido, aparentemente menos literario pero, a la vez, más sincero. Me hacía sentir bien ese espíritu fuera de los cánones tradicionales y esa mano de procedencia multidisciplinar y autodidacta. Son autores y personajes que donde mejor se desenvuelven es en la calle, y su fuerza reside en el dominio de la ironía y la evocación de la memoria; y eso marca una distancia con la generación anterior, la del 36. Sin embargo, enlaza armoniosamente con muchos de los integrantes de la generación del 27.

Efectivamente, regresa la luz y el color, aunque las historias sean desgarradoras y estremecedoras. La tristeza ya no les inmoviliza, sino todo lo contrario. Hablan de familias rotas, de mujeres maltratadas y humilladas, de niños abandonados, de enfermos desahuciados, pero abordan de frente el amor, el deseo y hasta la muerte. Narran sus historias, fusionando el escritor y el personaje, y con sus historias y su pasado crean un proceso por el que se afirman así mismas.

Mi primera lectura comprometida vino, cuando tenía 16 años, de la mano de Francisco Candel, un hombre que escribía sobre su barrio, Can Tunis, en la ladera de Montjuic, el epicentro de la inmigración barcelonesa en los años 50, y los problemas de adaptación de ésta. Candel, vecino del barrio al que llegó con 2 años, hizo suyas estas preocupaciones, convirtiéndolas en materia literaria, y provocó la censura o la prohibición de muchas de sus obras. Curiosamente, el primer libro de Candel me lo recomendó mi madre, se llamaba Dios, la que se armó, un libro en el que contaba las reacciones sorprendentes que tuvo su novela (crónica en tono anovelado) más exitosa Dónde la ciudad cambia su nombre. 

Tanta fue mi devoción por Candel que es el único autor por el que he formado cola en El Corte Inglés para que me dedique un libro y, por supuesto, conservo todos sus títulos. Candel mantuvo también una actividad destacada en el mundo de la política, fue miembro del PSUC, senador en las filas del partido Entesa dels Catalans, y concejal de cultura del Ayuntamiento de L’hospitalet de Llobregat.

Fue más o menos en ese tiempo cuando caí rendido ante la obra de Mercé Rodoreda, que había nacido no muy lejos de mi casa, en Sant Gervasi, pero en 1908. La menciono aquí, porque esta mujer que su padre no le permitió ir apenas al colegio, llevo una vida agitada con diversos trabajos (se dedicó a la costura, pintura, periodismo, poesía, literatura juvenil…), compromisos, escritura, exilios, amistades y romances (entre ellos Andreu Nin, dirigente del POUM) pero no tuvo auténtico reconocimiento hasta los años 60, especialmente a partir del éxito de La plaza del Diamente.

Traigo también a colación a Rodoreda, porque me gusta imaginarla como puente natural entre su generación y la Escuela de Barcelona. Tiene todos los componentes de narración visual que tuvo la generación del 50.  Influenciada por su compañero Armand Obiols y por Josep Carner, pero también por Marcel Proust, Thomas Mann y Virginia Wolf. Otras escritoras singulares y cercanas de alguna manera a lo que luego fue la Escuela de Barcelona fueron Aurora Bertrana, viajera incansable y creadora de la orquesta Jazz Women, la primera jazz band formada íntegramente por mujeres en Europa, y también  Anna Murià y  María Teresa Vernet…

Con la muerte de Juan Marsé no sólo la literatura se queda huérfana, sino la calle también, a pesar de esa desescalada alocada y a trompicones que los españoles practican hoy en busca de la cerveza y el abrazo. Y es que con la despedida de Marsé nos estamos quedando sin literatos a los que las calles corran por sus venas. Algunos lo intentaron por el camino del postureo señoritingo como Umbral y otros con la minuciosidad y el estudio de laboratorio como Carlos Ruiz Zafón.

Los autores como Marsé son fugitivos de una Barcelona despersonalizada de los años 60, una ciudad a la que el régimen trataba por todos los medios de desdibujar sus rasgos identitarios. Marsé y cuatro más salieron a la calle y disputaron casa a casa, bar a bar, oficina a oficina, plantando cara insolente a la Barcelona inhóspita y triste, marcada por la derrota, y transformada por el fenómeno creciente de la inmigración.

Marsé ha sido del pelotón de los que no se contentó con el flaneo y las noches de bohemia, que también las tuvo, por supuesto. Él fue un currante de las letras, un artesano del relato y un esmerado joyero para diseñar complicados engarces amorosos y vivenciales. Ha sido un moderno, en el mejor sentido de la palabra. De los que empezaron a escribir cuando se acabaron las cartillas de racionamiento y apostaron por una escritura despegada de los rigores de la poesía social, y que se compromete con la resistencia antifranquista, desde su casa, la discoteca y las redacciones de periódicos y revistas. Pero conservan una manera de escribir nueva, más estética y más intimista.

La escritura de Juan Marsé tiene un fuerte componente visual que se deriva principalmente del hecho de que el autor parte de imágenes, no de ideas, a la hora de concebir su creación literaria. Marsé investiga en «Si te dicen que caí», como si fuese un redactor de sucesos, y llega a entrevistarse con el asesino de Carmen Broto, la infeliz protagonista de la novela. Cuenta como si fuese su piel como los charnegos quieren ligar con las niñas pijas de la ciudad; o idealiza al antihéroe perdedor en «Un día volveré», a través de la mirada de un niño muy parecido a él. Y todo eso, mientras ejerce el cargo de jefe de redacción de la revista Por Favor y de la revista Bocaccio, símbolo de la gauche divine, grupo al que Marsé pertenecía pese a su condición de obrero y al que ridiculizó en Noches de Bocaccio.

Pero no todo era Bocaccio; el grupo de Barcelona se crea a partir de la revista Laye, dedicada a promocionar la conciencia civil de un grupo de universitarios de Barcelona, entre los que se encuentran Josep M. Castellet, Jaime Gil de Biedma, Juan y José Agustín Goytisolo, Gabriel Ferrater y Joan Ferraté.

Y la dirige, ni más ni menos que Manuel Sacristán, un comprometido comunista, fundador de las Comisiones Obreras de la Enseñanza, miembro del Comité Antinuclear de Cataluña y fundador de las revistas Materiales, y Mientras tanto.

Más tarde llegan Manuel Vázquez Montalbán, Eduardo Mendoza y Terenci Moix; y los más jóvenes Jaume Cabré, Miguel Ángel Riera, Biel Mesquida, Montserrat Roig, Quim Monzó…Una generación nueva muy relacionada con la resistencia al franquismo crepuscular pero que en sus últimos estertores aún tiene las cárceles llenas y el país sin derechos ni libertades. Un tiempo que se agota y se despide igual que como llegó porque no conoce otra manera de hacer las cosas: estados de excepción, fusilamientos y garrote vil. Es en ese marco cuando yo sigo leyendo a los autores que me interesan. A los generosos que transmiten imágenes, antes que ideas.

La 16ª edición del Festival Ellas Crean vuelve este fin de semana con la programación que tuvo que ser aplazada por la pandemia del coronavirus.

Su directora, Concha Hernández, explica para Espacio Público qué es este Festival: Ellas Crean es un festival multidisciplinar, nacido hace 16 años al calor de la celebración del 8 de marzo, día internacional de las mujeres, organizado por el Instituto de la Mujer y para la Igualdad de Oportunidades, que cuenta con la colaboración del Ministerio de Cultura y de la Comunidad de Madrid.

Su propósito es mostrar la enorme creatividad de las mujeres y reivindicar su presencia en las programaciones culturales, porque las estadísticas muestran y demuestran una persistente desigualdad con respecto a los hombres. También quiere ser una plataforma para descubrir nuevos talentos.

El propósito de Ellas Crean es mostrar la enorme creatividad de las mujeres y reivindicar su presencia en las programaciones culturales, porque las estadísticas muestran y demuestran una persistente desigualdad con respecto a los hombres. También quiere ser una plataforma para descubrir nuevos talentos.

Programado en un principio para el 5 de marzo, este año tuvo que ser aplazado por la situación creada por la pandemia Covid-19: Presentamos el festival el 4 de marzo, y diez días después estábamos confinados, solo pudimos realizar un 20% de la programación. Hubo mucho desconcierto, miedo a la cancelación… Había mucho trabajo previo hecho, muchos trabajos ya realizados, muchos ensayos, obras por encargo, que solo podrían ser cobradas si se realizaba la actividad… pequeñas empresas, autónomos… Por descontado, mucha, mucha ilusión. Nuestro empeño estuvo en que se pospusieran las actividades. He de decir que tanto el Instituto de la Mujer como el Ministerio de Cultura optaron por esta opción y nos apoyaron en todo momento. Y ese momento ha llegado ahora en julio y continuará en septiembre. Estamos muy satisfechas. Va a ser muy emocionante el encuentro con el público en el Museo del Prado el próximo viernes 17 de julio. Será con Rafaela Carrasco, ella y Muriel Romero en el Museo Arqueológico Nacional al día siguiente, sábado 18, serán las encargadas de abrir esta segunda parte de Ellas Crean, nos dice Concha

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A pesar de los momentos de perplejidad, miedo e inseguridad que vive no solo la escena cultural, sino la sociedad en general, Concha Hernández lanza un mensaje de ilusión y esperanza: No hay que tirar la toalla, hay que seguir trabajando para que la cultura continúe. En momentos de crisis como este, desde las instituciones públicas tenemos la obligación moral de seguir apostando por nuestras artistas, esto es, poner todos los medios posibles para que el hecho cultural siga siendo posible. Tenemos que ser capaces de que nuestros artistas puedan vivir de su trabajo. Que la cultura sea considerada como uno de los pilares básicos de nuestra sociedad, como lo son la educación y la sanidad. Esto es, un Derecho Fundamental. Y, por supuesto, que se respete la Ley de Igualdad y que haya una presencia equilibrada de mujeres y de hombres. Que un día no sean necesarios festivales como Ellas Crean, porque la igualdad sea una realidad. 

Cecilia Bartoli, Jane Birkin, Mariza, Marianne Faithfull, Juliette Greco, Katia y Marielle Labèque, Alicia Alonso, María Pagés, Tamara Rojo, Luz Casal, Carmen Linares, Ana María Matute, Ángeles Caso, María Dueñas, Icíar Bollain, Isabel Coixet o Inés París, entre otras muchas más, son algunas de las artistas y creadoras que ya forman parte de la memoria viva de Ellas Crean.

La programación de este año, a pesar de todas las dificultades, no se queda atrás y podremos ver desde el viernes 17 de julio a la Compañía Rafaela Carrasco en la Sala de las Musas del Museo Nacional del Prado, donde presentará su coreografía Ariadna. Al hilo del mito. El Instituto Stocos de Muriel Romero y Pablo Palacio mostrarán al día siguiente, sábado 18, Oecumene, versión site specific en el salón de actos del Museo Arqueológico Nacional. Y el fin de semana se completará con la representación de la pieza El cuerpo va al museo, de la compañía Somosdanza de las coreógrafas Cristina Henríquez y Lucía Bernardo, en el Museo de América.

Tras las vacaciones de agosto, el Festival retomará su programación el 19 de septiembre con la coreografía Tálamo de Mónica Iglesias, que se presentará en el Museo del Romanticismo. El 23 de septiembre podremos ver un doble espectáculo de danza y poesía: el Museo Cerralbo acogerá la obra Picnic on the moon, de las coreógrafas Júlia Godino y Alexa Moya. Y por la tarde, en la Biblioteca Nacional de España, tendrá lugar el encuentro poético La herida que nos nombra, con la participación de las poetas Rosana Acquaroni y Cecilia Quílez.

En momentos de crisis como este, desde las instituciones públicas tenemos la obligación moral de seguir apostando por nuestras artistas, esto es, poner todos los medios posibles para que el hecho cultural siga siendo posible.

La música será la protagonista de las actividades del 26 de septiembre. En el Museo Arqueológico Nacional Ellas Crean presentará un trabajo musical concebido expresamente para el festival, un concierto de música contemporánea perfilado por Teresa Catalán (Premio Nacional de Composición Musical) con la colaboración de la Asociación Mujeres en la Música (AMM). Cinco obras para percusión, estrenos absolutos, interpretados también por mujeres, junto con la primicia de la intervención poética, también creada específicamente para este evento, por Nuria Ruiz de Viñaspre. Compositoras: Alicia Díaz de la Fuente, Laura Vega, Carmen Verdú, Raquel Quiaro y Carme Fernández Vidal. Intérpretes (percusionistas): María Berenguer, Irene Chamorro y Celia Berlinches. Poeta: Nuria Ruiz de Viñaspre.

Esta 16ª edición concluirá el 28 de septiembre en el Museo Sorolla, con la grabación de la representación de la pieza Las sillas, de Blanca Arrieta, que será difundida posteriormente en el canal de YouTube de Ellas Crean, para seguidores de todo el mundo.

Y no será esta la única cita digital de Ellas Crean: también serán emitidas on line las piezas Llŏkke, de Olatz de Andrés, y Boceto efímero #9, de Mónica Runde e Inés Narváez Arróspide, grabadas en los museos Thyssen-Bornemisza y el Lázaro Galdiano, respectivamente. Asimismo, también habrá online un debate sobre la situación de las mujeres en las artes escénicas y la música, que contará con la participación de las principales asociaciones de mujeres de estos sectores. Clásicas y Modernas, LMPT, Mujeres en la Música, MIM y AMCE.

Ellas crean 2020, Muriel Romero:

El 7 de abril comenzábamos en Espacio Público la publicación de una serie de artículos “Artistas en defensa de la sanidad Pública” en cuyo manifiesto fundacional SALVA LO PÚBLICO se dice: “Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla”.

Durante más de un mes hemos reproducido las obras que nos han ido enviando. Y lo que empezó siendo un manifiesto firmado por 35 personas ha crecido hasta tener ahora más de 400 adhesiones.

En Salva lo Público han puesto su ingenio, su mente, su creatividad y sus herramientas al servicio de las personas que trabajan en la sanidad, residencias, servicios de limpieza, en los diferentes servicios públicos, que se han visto castigados por recortes y privatizaciones, y cuyos profesionales son quienes cuidan y salvan vidas, al tiempo que han sufrido las peores consecuencia de la pandemia.

Un compromiso, Salva lo Público, que no se ha quedado en los talleres y mesas de dibujo. Y se les ha podido ver en la calle al lado de l@s sanitari@ necesari@s o apoyando la huelga de MIR.

Los servicios públicos son un patrimonio colectivo que nos protege por igual. Dinero de todos para bien común.

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Hoy hablamos con Carmen, Raúl, Gaspar, Ignacio, Mónica, Alberto, Isabel, Mariana, Emilio y Carlos, promotores de esta iniciativa.

No han podido estar en esta conversación, aunque sí son muy activos en Salva Lo Público Sonia Díaz y Gabriel Martínez, diseñadores gráficos y profesores en la Escuela de Arte 10, creadores de Un Mundo feliz (1999), un proyecto dirigido a crear y catalogar elementos de diseño reutilizables para formular un vocabulario común para el activismo visual. Representantes de un nuevo activismo, estrechamente emparentado con la acción cultural directa, su aportación a Salva Lo Público se ha realizado través del diseño de plantillas para estarcidos y cartelería. 

“Desde los primeros días del confinamiento, cuando nació Salva lo Público, nuestro trabajo se centró en manifestar nuestro apoyo y solidaridad con la sanidad pública que afrontaba en unas condiciones extremas y muy difíciles, la defensa de la salud de todos.

La exigencia de una sanidad 100 x 100 pública, universal y de calidad encarnó entonces, de manera urgente, nuestra aspiración a movilizar a los artistas visuales sobre todo, a nuestro personal sanitario: médic@s, enfermer@s, auxiliares, técnic@s de laboratorio, celadores, servicios de limpieza y también a todos, no los podemos olvidar, l@s trabajador@s del transporte, de la alimentación, de la limpieza y desinfección de nuestras calles… personas anónimas que arriesgaban su salud y la de sus familiares por proteger la nuestra. Una lección de compromiso social y humano que no olvidaremos jamás”, nos dice el pintor, escritor y artista polifacético Carlos García-Alix.

Por su parte, Emilio Gallego -artista, comisario y adjunto a coordinación de AVVAC- incide en que “desde el inicio de la pandemia se ha extendido en toda la sociedad una gran incertidumbre y sensación de vulnerabilidad. De pronto, ha quedado patente para todo el mundo que las políticas de recortes y privatización de los servicios públicos de la etapa anterior nos han debilitado y que desde el punto de vista del bien común, es un gran error que hay que corregir […] #Salvalopúblico está demostrando que las y los artistas podemos aportar nuestras propias herramientas de manera muy positiva, que están sirviendo para apoyar un importante movimiento de defensa de lo público contribuyendo a fortalecerlo. Hay que estar de enhorabuena por este despertar que esperemos que se consolide”.

Mónica Alberola, arquitecta, profesora de enseñanza pública y artista plástica, destaca que “la gravedad de la situación sanitaria que hemos vivido durante el confinamiento, sin duda nos puso delante un espejo que nos empujó a reflexionar sobre cómo podíamos ayudar, la oportunidad vino de Carlos García-Alix y su grupo con la iniciativa de Salva lo Público; fue como abrir una ventana de aire fresco, y sentir que podías expresar un sentimiento común a través del arte, un compromiso político y de responsabilidad social. Proteger los servicios públicos es proteger a las personas y a sus necesidades como un logro social, no como una rentabilidad económica. Su fracaso, es decir su privatización, nos habla de una sociedad infectada que no trabaja por un bien común y que no garantiza la igualdad y la solidaridad social.

En la importancia de los servicios públicos insiste el pintor Alberto Pina: “Desde hace ya muchos años era notorio el mal estado de los servicios sanitarios en Madrid, las malas condiciones laborales, la falta de personal suficiente, las interminables listas de espera, las derivaciones a clínicas privadas, la reducción de camas en los hospitales. Pero las condiciones dramáticas en las que hemos visto como los y las trabajadoras de la Sanidad han tenido que afrontar la pandemia del COVID19, sin medios de protección dignos, sin respiradores, sin camas UCI suficientes, doblando turnos hasta la extenuación y bajo el abandono, cuando no la incapacidad y la vileza, de los cargos políticos responsables, nos obligaba como ciudadanos a alzar la voz, gritar y expresar nuestra indignación.

Los servicios públicos son esenciales. Son una conquista de la sociedad en su conjunto. Son la forma más eficiente de garantizar la igualdad y las condiciones de vida digna para toda una sociedad y evidentemente no pueden estar sometidas a la búsqueda del beneficio económico de unos pocos. Son en definitiva la garantía de que los derechos humanos no son un papel mojado. La sanidad, la educación y la cultura, el cuidado de las personas mayores y de la infancia, el transporte, el acceso al agua y también a los alimentos, deben o deberían estar garantizados y por lo tanto, deben estar planificados y organizados colectiva y democráticamente por el conjunto de una sociedad.

La misma opinión comparte Ignacio Valencia músico, cantante y compositor, que formó parte de La Dama se Esconde y es quien pone la música en los videoclips y material de difusión de SLP: “Durante los últimos años hemos asistido a un continuo y creciente saqueo de los recursos públicos, concretamente en el ámbito de la sanidad. Los responsables del despojo –que, por supuesto ha favorecido los intereses privados y especuladores de grupos financieros próximos al poder– han tratado de disimular con eufemismos como “gestión externalizada”, “eficiencia sanitaria”, “racionalización de los recursos hospitalarios”, “sostenibilidad del modelo” lo que no era sino un auténtico expolio del patrimonio de la sociedad, y han llamado “reorganización” o “ajustes” a lo que no eran sino durísimos recortes que nos han llevado, como sociedad, a una situación de vulnerabilidad sin precedentes y que se ha revelado con toda su crudeza sumiéndonos en el espanto durante la pandemia provocada por la COVID-19.

Como hija de médico y descendiente de una larga saga de doctores, hermana de científica y como ciudadana, siento la obligación de aportar algo en esta lucha. Es mi agradecimiento a la Sanidad Pública.

Y Mariana Laín, pintora, ilustradora y grabadora nos dice: Como hija de médico y descendiente de una larga saga de doctores, hermana de científica y como ciudadana, siento la obligación de aportar algo en esta lucha. Es mi agradecimiento a la Sanidad Pública. Para dar visibilidad a la necesidad de proteger lo público de las privatizaciones. Fundamentalmente en la Sanidad y en la Educación. También para dar apoyo a los que están en primera fila. Es mi agradecimiento a la Sanidad Pública”.

Para Gaspar García, su colaboración con Salva lo Público “es un compromiso ineludible, ya que hay de por medio amistad, compromiso y solidaridad. En una situación dramática, imprevista, saturada de información pública pero que individualmente aísla, necesitas expresarte y comunicarte más que nunca, conocer y entender, colaborar con las personas más próximas, asistir a las más desdichadas… No hay otro modo más humano de comportamiento. Y los servicios públicos “son un patrimonio colectivo que nos protege por igual. Dinero de todos para bien común. En realidad, tienen que ver con la búsqueda incesante del progreso individual y colectivo. Toda persona, por el hecho de serlo, tiene derecho a vivir una vida digna y a participar en una sociedad mejor. Son la materialización de Derechos Humanos”.
 

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“La difusión a través de Espacio Público del manifiesto y las obras solidarias de estos artistas llevó al Instituto Cervantes de Bruselas a acoger en su espacio virtual, durante la semana del 27 de abril al 3 de mayo, a siete artistas de SalvaLoPublico – Carlos García-Alix, Mariana Laín, Javier Pagola, Carlos Baonza, Teresa Tomas, Enrique Flores y Laura Alvarez Keller- siendo el inicio de una colaboración que ha cristalizado en una exposición virtual y en un catálogo”, nos dicen Carmen Dalmau y Raúl Domingo, encargados de la difusión y comunicación de Salva lo Publico, tarea en la que también colabora Isabel de las Casas.

Esta exposición, que comienza el 15 de julio y permanecerá hasta el 15 de octubre es Salva Lo Público – Lo Público Salva, nos dicen Carmen y Raúl, “una exposición virtual en la que hemos buscado destacar la rica y ecléctica heterodoxia que se ha ido generando en este movimiento y en la que tienen cabida todos los lenguajes y todas las técnicas expresivas dentro de las artes plásticas y visuales. Constituyendo un coro fecundo, rico en timbres, vibraciones y matices.

La apertura es uno de los carteles de Oscar Mariné, que luego sirven para que marcar las pausas y silencios. A continuación tres notas negras de Greta Chicherri y tres blancas de Leticia Zarza que culminan en un tríptico de Un Mundo Feliz (Sonia Díaz y Gabriel Martínez). Un silencio seguido de unas notas sostenidas de Pierre Gonnord, un tríptico de Fanette Escallier hasta el redoble de César Fernández Arias y el cierre del tercer cartel que nos advierte contra el olvido.

Por último, sin excepción, todos coinciden en la necesidad de seguir trabajando en esta plataforma, que está sirviendo de unión y compromiso a estos artistas visuales que ponen su talento y su trabajo al servicio de la defensa de lo público https://www.salvalopublico.es/.

Begoña Méndez (Palma, 1976) ha escrito un texto que es una mezcla de lección erudita, historia de la cultura y confesión descarnada. Los ensayos ganan profundidad cuando se incorpora, junto a la exposición del tema objeto del libro, la experiencia personal del que lo escribe. Esto ocurre en Heridas abiertas, un texto que explora los diarios íntimos de diez autoras y los espacios existenciales de represión, depresión y libertad artística que transitaron.

Incorporar la experiencia del ensayista en el ensayo quiere decir que el texto se construye desde la propia experiencia de la lectura, una experiencia misteriosa, pero en que el ser íntimo del lector se proyecta y se corresponde con el ser de aquello que está leyendo. Méndez insiste mucho en esta idea: recorrer las páginas de estos diarios y escribir un ensayo sobre ellos no es solo como leer en voz alta ante un auditorio lleno de gente, sino también establecer una comunicación silenciosa en que las experiencias y demonios de la ensayista se relacionan con aquellos otros de los diarios. No se trata de una técnica muy usual. Solo la he encontrado en otro deslumbrante ensayo publicado hace unos años: Gos, una biografía de Rilke escrita por el poeta y profesor de retórica Albert Roig.

Las diez mujeres que centran este ensayo son Santa Teresa, Soledad Acosta, Zenobia Camprubí, Teresa Wilms Montt, Lily Íñiguez, Marga Gil Roësset, Idea Vilariño, Susan Sontag, Alejandra Pizarnik y Mariana Eva Pérez. Si bien corresponde al posible lector el internarse en cada poética, es importante señalar que, desde un punto de vista global, nos encontramos con diez vidas muy distintas que atraviesan más de quinientos años, que el punto de cesura está situado en el siglo XX y que es interesante comprobar como los diarios, que comenzaron (y continuaron) siendo herramientas de control familiares (padre, madre y marido), acabaron por transformarse en espacios de libertad en que las autoras pudieron construir una identidad propia, una identidad como artistas.

He encontrado particularmente sugestivos los capítulos dedicados a Pizarnik, Wilms Montt y Sontag. En ellos se consigue alcanzar la interioridad de estas autoras con una claridad intelectual y una sensibilidad que, al mismo tiempo que emocionan profundamente al lector, desnudan ante sus ojos ideas complejas y extrañas como el suicidio, el sufrimiento y la voluntad de escribir contra viento y marea. Esto último, el compromiso con lo que uno sabe y siente que debe ser es lo que más me ha impresionado. Una lección universal para todos los artistas y que todos los artistas realmente buenos han pronunciado: si tienes que crear, hazlo.

En el caso de las autoras que conforman este ensayo extrajeron de sus tribulaciones y su marginalidad una fuerza para navegar la tragedia y alzarse como artistas de pleno derecho. Individuos plenos, personalidades únicas y extraordinarias, escritoras imaginativas y penetrantes a las que debemos (re)leer. Heridas abiertas es un ensayo por el que cualquier lector culto debería interesarse, un cahier que son unos ojos oscuros y lúcidos sobre los que podemos colocar nuestros propios ojos de lector. Para ver mejor. Para leer mejor.

Vamos al teatro, a la ópera, a la zarzuela. Nos gustan los textos y libretos, la música, el espacio escénico, la interpretación, la dirección artística, la dirección, el vestuario… Eso es lo que vemos, pero detrás de todo ello hay mucho más: personas que son las que convierten en realidad lo que empieza siendo una idea plasmada en un papel.

Dentro de esas personas, algunas de las menos conocidas y menos visibles  son las que se encargan de la realización del vestuario en un taller específico para este fin, de su organización y mantenimiento una vez llega al teatro, y de la asistencia a escena durante las funciones: ayudarles a vestirse o desvestirse, moverlo por el escenario…. Y un elemento que las hace más invisibles es que la mayoría son mujeres.  

Como ha ocurrido en muchas redes vecinales, que han nacido por solidaridad con la gente que más lo necesita, estas mujeres han puesto su granito de arena y han dado lo que mejor saben hacer: mascarillas cosidas a mano.

Karmen Abarca (KA) es una de estas mujeres con las que tenemos el placer de conversar hoy en Espacio Crítico (EC).

Tengo el móvil lleno de fotos de gente con nuestras mascarillas, de mensajes de amor, de vida… Ese es el reconocimiento que nos ha alimentado y sostenido estos meses.

Karmen es licenciada en Escenografía por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y completó su formación en el Centro de Tecnología del Espectáculo. Es miembro de la Asociación de Artistas Plásticos Escénicos de España (AAPEE). Su experiencia profesional abarca las áreas de escenografía, iluminación y vestuario, tanto en su vertiente técnica como en el área artística. Como directora técnica de distintas compañías ha realizado giras por España, distintos países europeos y Estados Unidos.

EC: ¿Cómo habéis vivido la situación de confinamiento con la actividad laboral parada?

KA: Hemos constatado que la cultura en este país es frágil. El sector cultural fue de los primeros en cerrar y está siendo de los últimos en activarse. La situación del ecosistema cultural en España, tiene, además mala prensa. No parece que se le reconozca que nos ha ayudado a sostenernos emocionalmente durante la pandemia. Parece como si los libros, las series, la música, el contenido digital estuvieran ahí por generación espontánea.

Detrás hay toda una industria que suspendió actividad y sigue prácticamente suspendida.

El sector de las artes escénicas, por centrarnos, ha quedado devastado. Y la sastrería teatral es un eslabón débil dentro del sector. La actividad quedó paralizada completamente en todas sus modalidades: Los talleres de realización de vestuario, los teatros y las compañías de teatro.

Y me temo que, siendo una labor minusvalorada, la sastrería teatral tardará bastante en recuperar su actividad.

EC: Explícanos cómo es vuestro trabajo. Antes de la pandemia, ¿habéis sufrido la precariedad que padecen otros sectores laborales?

KA: Los oficios teatrales sufren históricamente la discontinuidad, poca estabilidad habitual en el sector. Por ejemplo, en una gira sólo cotizas los días que hay función, sólo cobras el día que cotizas; sin embargo, el trabajo asociado a una función se desarrolla a lo largo de varios días. Por ejemplo, hace años, se cotizaban 3 días por un bolo si la función sucedía fuera de tu cuidad: el viaje de ida, el día de la función, y el viaje de vuelta. Ahora sólo se cotiza el día de la función. El tiempo que inviertes en el traslado, corre de tu cuenta. Además, en el caso concreto de la sastrería, entre bolo y bolo, el vestuario necesita limpieza y reparación, y raras veces se contempla económicamente.

La sastrería escénica gira en torno a la indumentaria del espectáculo. Desde su realización a partir de un diseño, la adaptación de vestuario existente, su transformación, atrezarlo, pasando por su organización y mantenimiento dentro de un teatro o en gira, hasta la asistencia en escena cubriendo las necesidades de la producción y del elenco durante las funciones. Si necesitan ayuda para vestirse y desvestirse, si tienen cambios rápidos de vestuario, mover el vestuario durante la función…

La magia del teatro. Imagina una actriz, su personaje aparece en escena caracterizada y vestida de época. En la siguiente escena, inmediatamente después, aparece en camisón. Imagina lo que ha pasado detrás del escenario.

Si hablamos del trabajo en un taller de realización de vestuario, es un trabajo muy especializado, es sastrería a medida con diseños fantásticos/ fantasiosos, de época, a veces con materiales poco habituales que requieren de conocimientos técnicos específicos. Además, puede que el vestuario incorpore técnicas de estampación, pintura a mano, envejecimiento… Sin embargo, no se nos valora económicamente de acuerdo con la formación que se nos exige.

La asistencia en escena: La magia del teatro. Imagina una actriz, su personaje aparece en escena caracterizada y vestida de época. En la siguiente escena, inmediatamente después, aparece en camisón. Imagina lo que ha pasado detrás del escenario: Varias sastras le han ayudado a quitarse el vestido de época en cuestión de segundos y le han puesto el camisón, mientras peluquería le quita la peluca y le revuelve el pelo. Y mientras la actriz hace su escena en camisón, las sastras recogen el vestuario de época, lo llevan a otra parte del escenario donde, después, la actriz, vuelve a ponérselo. Trepidante y apasionante.

Hablo en femenino porque son trabajos históricamente feminizados, debido a la división sexual del trabajo.

EC: Habéis denunciado dos veces la brecha salarial, la discriminación que sufrís por ser mujeres. ¿Qué respuesta habéis tenido?

KA: La sastrería es una parte del equipo técnico, que es una parte del equipo que hace posible un espectáculo. Todas las piezas hacen posible llegar al resultado final.

Sin embargo, como sucede con la mayoría de las profesiones feminizadas, la sastrería, peluquería y caracterización son secciones minusvaloradas. Con mucho sesgo de género.

Eso pasaba hace años, y sigue pasando y se puede analizar por muchos indicadores. No estamos convocadas a reuniones de equipo, no se nos consultan las necesidades de la sección, se da por hecho que resolveremos cualquier incidencia sin generar problemas, el tiempo que invertimos en realizar nuestro trabajo suele ser más alto que el que se nos suele planificar.

El más visible es la brecha salarial que sufrimos en relación a las secciones masculinizadas del equipo. Cobramos menos que un compañero de iluminación o sonido, siendo la misma categoría profesional.

Y lo más llamativo, es que eso sucede abiertamente en la administración pública, en los teatros de INAEM, del Ministerio de Cultura. Es difícil de calcular, porque es difícil comparar nóminas, pero hemos calculado que, al año, viene a ser una paga extra menos lo que cobramos las secciones de sastrería, peluquería, maquillaje y regiduría. Las secciones históricamente feminizadas.

Pues se ha demandado en dos ocasiones. La primera, allá por 2001, se denunció por la brecha salarial de género y la jueza, según me dicen, sentenció que habiendo técnicos sastres, técnicos maquilladores y técnicas de luces y técnicas de maquinaria no se daba el sesgo de género. A mi entender, sin tener memoria de género y cubriéndolo todo con el velo de la igualdad.

La segunda vez que se demandó, se hizo a través de sindicatos y se puso sobre la mesa la brecha salarial dentro de la misma categoría profesional. Y lo que vino a decir la sentencia, es que la brecha viene de arrastrar convenios diferentes, en los que se producía la brecha salarial de género, por cierto, y que se deberían unificar convenios para equiparar los salarios. Eso fue en 2012. Y ahí seguimos. Por cierto, y como sucede en las guerras, se nos ha utilizado como moneda de cambio, prometiendo desde el ministerio la equiparación laboral un 8M y negándola por movilizarnos en la lucha contra la fusión del Teatro de la Zarzuela y el Teatro Real.

EC: Durante el confinamiento, y a pesar de la situación tan precaria en la que vivís algunas de vosotras os habéis dedicado a hacer mascarillas, solidarizándoos con la gente a través de lo que mejor sabéis hacer. ¿Cómo surgió esta iniciativa?

KA: Surge de la necesidad de material sanitario que se dio en las primeras semanas de marzo. Cuando se paralizó toda la actividad cultural quisimos colaborar dentro de las posibilidades y medios de cada una. La mayoría tenemos en casa la maquinaria necesaria, debido a la precariedad laboral que sufrimos, tenemos máquina de coser, retales… y nos pusimos a ello, creando una red de voluntarias, colaborativa en la que cada una aportó desde su lugar en el mundo, generando un funcionamiento de trabajo horizontal. Pusimos la vida en el centro.

Como dice Amaia Pérez Orozco “Cuidar de nuestras vecinas en tiempos de coronavirus es una de las formas de desobedecer el mandato individualista neoliberal y heteropatriarcal”. El trabajo de cuidados invisibilizado, los trabajos esenciales, la productividad son viejos conocidos para nosotras. Teníamos claro que íbamos a cuidar, sólo tuvimos que decidir cómo.

EC: ¿Cómo y dónde las habéis repartido?

Generamos una red de voluntarias: unas confeccionaban las mascarillas, otras hacían rutas de entrega de material textil en los domicilios, recogida y reparto de mascarillas… los materiales que cada una tenía en su casa se fue agotando. Yo me encargaba de buscar donantes de material textil, y organizar las rutas. Recordemos que no podíamos salir de casa, y había que buscar salvoconductos para las conductoras.

No compramos, no desechamos. Reciclamos, reutilizamos y reusamos.

Hemos repartido unas 15.000 mascarillas. Al principio iban casi todas a manos de sanitarias de hospitales y residencias. Asociaciones que trabajan con colectivos en riesgo de exclusión social o directamente excluidos. A las despensas solidarias, las colas del hambre. Personal de sectores que no pararon como la construcción, el transporte, atención al público en comercio…

EC: ¿Habéis recibido ayuda de otros estamentos del teatro?

KA: Hemos recibido donaciones de material textil, tela y polipropileno, goma y acetato para las mascarillas que permiten la lectura de labios para las personas con sordera, de empresas relacionadas con la sastrería teatral, la venta de tejidos y algunas asociaciones a las que donamos mascarillas.

EC: ¿Habéis tenido algún tipo de reconocimiento por parte del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid?

KA: Nos ofrecimos a la CAM para lo que se nos necesitara, tanto para trabajar desde casa como desde los talleres de sastrería escénica como en fábricas textiles. No recibimos respuesta, así que nos organizamos nosotras.

No hemos recibido noticias de ninguna institución, ningún reconocimiento. Hemos trabajado duro sin remuneración, intentando conciliar la vida personal y familiar con la confección de las mascarillas. Para muchas ha sido muy complicado, debían hacer de maestras de sus peques en casa.

Lo que si hemos recibido son los agradecimientos de las personas que recibían las mascarillas. Tengo el móvil lleno de fotos de gente con nuestras mascarillas, de mensajes de amor, de vida… Ese es el reconocimiento que nos ha alimentado y sostenido estos meses.

EC: Evidentemente formáis parte de la cultura y os afecta también la situación económica y social que ha creado la pandemia. ¿Cómo ves la reconstrucción? ¿Cómo os afectan las medidas de reconstrucción?

La reconstrucción la veo difícil si seguimos apostando por los errores del pasado. Tengo la sensación de que hay unos grupos de poder que lo ejercen pase lo que pase. Aunque caiga en el tópico, no entiendo muy bien que se pueda ir en el metro como sardinas en lata, pero tengamos que mantener un 75% de aforo en los teatros. Parece que la Cultura sigue sin contar para el plano político. Teníamos una oportunidad magnífica para cambiar el paradigma y proponer otros estilos de vida que no estuvieran marcados únicamente por lo económico. Con protocolos claros y una política en clave social y cultural podríamos haber dado un paso de gigante. La cultura aporta al PIB el 3,6% aproximadamente. De ese porcentaje solo recibimos a través de subvenciones y ayudas el 0,06% del propio PIB. Somos el cuarto motor económico del país y nuestra actividad afecta a otras muchas industrias. La Cultura genera riqueza en clave social, humana y económica. Solo hay que atreverse. ¿Qué pasaría si se invirtiera de verdad en cultura? El retorno sería enorme. Si con el 0,06% ponemos en la mesa el 3,6% del PIB, ¿qué haríamos con el 5%? Tenemos que intentar luchar por cambiar esa idea de ser unos subvencionados. Necesitamos que se entienda que la inversión en cultura da más de lo que pierde. Generamos trabajo y generamos crecimiento personal y también, por qué no, hacemos olvidar a las personas sus problemas cotidianos: generamos ocio. En esta pandemia se ha visto más claro que nunca. Todos los contenidos que han visto en streaming, por plataforma o por internet, son contenidos creativos de personas como mis compañeras y como yo, que nos dedicamos a que la vida de los demás sea un poquito mejor. 

Pero parece que hemos vuelto a perder. Se han impuesto las tesis del movimiento financiero antes que el crecimiento social. Por eso también tenemos miedo, porque da la impresión que nos hemos precipitado y ese rebrote está más cerca que lejos. Una segunda ola a la medida de la anterior sí que sería desastrosa para todas, así que esperemos que seamos responsables individualmente y no la tengamos que sufrir en colectivo.

Muchas gracias, Karmen. A partir de ahora cuando vayamos al teatro, la ópera, la zarzuela, de alguna forma también os estaremos viendo.

¡Espero que no nos veáis! ¡Se rompería la magia del teatro… ja jajá!!!

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El tema del personaje escindido de sí mismo, que observa el mundo y las cosas que lo componen como objetos muertos con los que es imposible comunicarse es, en cierta forma, recurrente en la literatura más actual. Su plasmación más importante se encuentra en La náusea de Sartre. El libro de Daniela Alcívar Bellolio (Guayaquil, 1982) profundiza en la idea de que el mundo es el perfecto escenario para el sufrimiento y que este nos va convirtiendo en seres aislados para quien la naturaleza y el resto de las personas permanecen mudas, por mucho que nos hablen y gesticulen.

Abundan las descripciones de paisajes yermos y cielos multicolores. La belleza expresiva, una escritura delicada, barroca en muchas ocasiones (“una montaña es un cuerpo, es una arruga en un cuerpo vasto sin cabeza” o “destellaba con precisión cirujana la luz violeta que cortaba la cerrada oscuridad por unos segundos y luego volvía a apagarse, dejando todo otra vez negro”) en que el personaje protagonista va tomando forma en una combinación, extraña, de exuberancia verbal y vacío existencial. Digo extraña porque la forma en que este tipo de personajes se han presentado ha sido la contraria a la que aquí se utiliza. En El extranjero de Albert Camus, por ejemplo, se opta por frases cortas, ausencia de subordinadas y nexos adverbiales, que producen en el lector la sensación de frialdad y distancia que siente el personaje respecto al mundo.

Una madre pierde a su hijo nada más nacer y el vacío es tan grande que el mundo y su propia persona se oscurecen, abriendo paso a la nada, que ocupa todo el espacio, dejando tan solo una existencia desnuda en que el recuerdo y el alcohol son lo único que prolongan la supervivencia de un individuo esclavo de las penas. Nos encontramos también con una reflexión sobre la vida sexual y sentimental de la protagonista. Hay cierta frivolidad en todo ello. La pena del hijo que nace muerte, sin embargo, hace que la realidad se transforme con una violencia y una realidad inusitadas e irreversibles.

La escritora ha tratado de crear una atmósfera poética, en que lo verbal construya los sentimientos y no se ocupa tanto de estructurar la acción y los hechos que constituyen la novela. El único personaje que no queda desdibujado por esta nebulosa de la pena y el lenguaje poético es la propia protagonista, a la que, a pesar de todo, solo podemos conocer fragmentariamente. El mundo en el que ella vive, en realidad, también se ha vuelto fragmentario, además de autónomo: “la fuerza que solo pueden tener las cosas sin alma y sin voluntad, las cosas que existen más allá del propósito, con la belleza de la pura materia sin conciencia, eterna, cadencial, impetuosa”.

Esta descripción (casi fenomenológica) podría estar escrita por Sartre si adelgazáramos la lista de adjetivos. En este fragmento, además, se percibe que el vacío existencial, cuando se quiere expresar, es barroco y se describe a partir de la acumulación de metáforas y palabras. Esto no debería ser una contradicción. Al fin y al cabo, la literatura más exuberante y adornada pertenece al periodo en que más conciencia se tomó del trágico destino del individuo, esto es, el Barroco.

Un hermoso libro, bien escrito, sensible, que representa ese dolor en muchos tramos del texto de manera imaginativa y eficaz. Otra buena lectura que, como nos tiene acostumbrados, nos propone la editorial Candaya.

Proyecciones de obras de artistas de Salva Lo Público y Sanitarios necesarios en el Hospital La Paz.

Anoche en La Paz . #SalvaLoPublico pic.twitter.com/BYnrrfsFIk

— SalvaLoPúblico (@publico_lo) June 10, 2020

Durante los primeros días del confinamiento, un pequeño grupo de artistas plásticos y visuales acordamos suscribir un Manifiesto en defensa de lo Público. Lo hicimos para expresar, con los medios que nos son propios, nuestro apoyo y solidaridad con la Sanidad Pública y con todos aquellos que en primera línea luchan contra la pandemia y arriesgaban su salud y su vida en defensa de la nuestra.

Con el paso de los días, más y más artistas de toda España siguen uniéndose a Salva lo Público y al tiempo nos envían obras creadas expresamente por ellos para ser difundidas manifestando su compromiso con la defensa de lo Público.

Desde el inicio, Espacio-Público (diario Público) nos ofreció su casa contribuyendo con ello a un mayor conocimiento y difusión de la iniciativa.

Y así ha sido a lo largo y ancho de la cuarentena. Gracias a su generosidad hemos podido llegar más lejos, hacer más nítido nuestro mensaje e incorporar a nuevos artistas.

Espacio-Publico ha sido para nosotros, mucho más que un apoyo, ha sido un hogar acogedor y solidario, y deseamos desde aquí agradecérselo y reconocer su trabajo y su esfuerzo.

Por nuestra parte vamos a continuar en el empeño de fortalecer y ampliar esta iniciativa.

Hoy, cincuenta días después de lanzar el Manifiesto, alcanzamos ya la cifra de 200 artistas agrupados en Salva lo Público. Y todos los días se suman nuevas firmas y nuevas obras.

Así mismo, todos los días, desde esta plataforma, nos reafirmamos en nuestro compromiso de continuar nuestra lucha en la defensa de lo Público, de aquello que pagamos entre todos y que es de todos y para todos. Es nuestra mejor garantía para una sociedad más justa y más libre.

Y nada mejor para continuar que la extraordinaria fotografía que nos ha enviado el gran fotógrafo Pierre Gonnord, al que le agradecemos su colaboración con esta iniciativa.

MANIFIESTO SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix –  Samuel Alarcón –  Chechu Álava –  Beatriz Alegre –  Mónica Arberola –  Eduardo Alonso –  Fría Aguilar –  Marie Geneviève Alquier –  Elvira Amor –  Belén Álvarez González –  Irma Álvarez Laviada –  Laura Álvarez Keller –  Tono Areán –  Luis Argeo –  Illán Argüello –  Izaskun Arrieta –  Rocío Asensi –  Estela Ballorini –  Frédérique Bangerter –  Carlos Baonza –  Enric Bardera –  Carlos Bell Ower –  Sebastián Bellón –  Carlos Bloch –  Tony Blom –  Alejandro Bombín –  Antonia Borrás –  Manuel Bouzo –  Rocío Bueno Royo –  Amelia Burke –  Ricardo Cadenas –  Ana Campos Barón –  Sergio Campos –  María Cantero –  Vari Caramés –  Gonzalo de las Casas –  Paloma Castellanos –  Alejandro Castellote –  Mara Catalán –  Greta Chicheri –  Anto Chozas –  Octavio Colís –  Nicolás Combarro –  Víctor Coyote –  María Cuadrado –  Juan Cuéllar –  Esther Cuesta –  Belén Cueto –  Carmen Dalmau –  Elena Delgado Corral –  Miguel Delgado –  Sonia Díaz y Gabriel Martínez (Un mundo feliz) –  Adamo Dimitriadis –  Mónica Dixon –  Javier Esteban –  Ignacio Evangelista –  Leticia Felgueroso –  Kiko Feria –  César Fernández Arias –  Enrique Fernández –  Sara Ferrer –  Tristán Ferrer –  Dora Ferrero Melgar –  José Ferrero –  Damián Flores –  Enrique Flores –  Marcos Flórez –  Belén Franco –  Marcelo Fuentes –  Sara Fuentes –  Miguel Galano –  Miguel Gallardo –  Emilio Gallego –  Joaquín Gallego –  Alberto García-Alix –  Jorge García-Alix –  Gaspar García –  Ignacio García Noblejas –  Alberto García Salazar –  Ana García Taboada –  Oliver García –  Soledad Gil Nagel –  Fernando Gimeno Agost –  Concha Gómez–Acebo –  Pierre Gonnord –  Hugo González Aroca –  Íñigo González Churruca –  Raquel González de Lara –  Amaia GraziaAzqueta –  Elena Goñi –  Gabriela Grech –  Rocío Gutiérrez –  Ángel Haro –  Julieta de Haro –  Artur Heras –  Eduardo Hermida –  José Higuera –  Juan Higueras –  Paco Ibáñez Bernabé –  José Ramón Iglesias –  Lila Insúa Lintridis –  Miguel Ángel Invarato –  Marta James –  Javier de Juan –  Erik Kirksaether –  Mariana Laín –  Álvaro Laíz –  José de León –  Javier Lerín –  Alberto Letamendi –  QuecaLevenfeld –  LGC –  Eduardo López –  los díez –  Susana Loureda –  AnneLouyot –  Juan Luis de No –  Sean Mackaoui –  Chema Madoz –  Oscar Mariné –  Rafa Martín –  Fernando Martín Godoy –  Laura Martínez Lombardía –  José Antonio Martínez Porras –  Cristina Mata Arenas –  Ana Matías –  Pepe Medina –  Héctor Melchor –  Toño Merinero –  Roberto Mollá –  Beatriz Montes –  Demian Morass –  Lucía Morate Benito –  Teresa Moro –  Olga Muñoz Blasco –  Ana Musma –  Nathalie –  Ana Navarro –  Navina Neverla –  Javier Olivares –  Lucía Osuna –  Javier Pagola –  Alberto Pecharromán –  Consuelo Peciña –  Fidel Pena –  Consuelo Peña –  Chus Pereda –  Luis Pérez Ortiz (LPO) –  Alberto Pina –  Natalia Pintado –  Miguel Pla –  Nacho Plaza –  Elena Plaza Mata –  Pollobarba –  Javier Puértolas –  Javier Pulido –  José Quintanilla –  Sara Quintero –  Ángela Raya –  Sandra Rein –  Arturo Revuelta –  Pedro Ricardo Timón –  Julia Rico Ortega –  Rafael Roca –  Belén Rodríguez –  Oliver Roma –  María Jesús Rodríguez –  Ramón Rodríguez –  Patricia Rodríguez Gutiérrez –  Gerardo Rodríguez Velarde –  Silvia Roiss –  Antonio Rojas –  Raúl Romanillos –  José Luis Romero –  José Luis Santalla –  Carlos Tejeda –  Miguel Sánchez Lindo –  Claudio Sánchez Pellegata –  Andrea Santolaya –  Miluca Sanz –  Sergio Sanz –  Raquel Sanz Vázquez –  Antonio Segura León –  Mireia Sentís –  Iker Serrano –  Fernanda Staude –  Carlos Suárez –  Pablo Sycet –  Florentina de Tita –  Teresa Tomás –  Paco de la Torre –  Ignacio Valencia de Assas –  Valentín Vallhonrat –  Teo Vázquez –  Fernando Vicente –  Javier Victorero –  Susana Villanueva –  Antonio Yesa  y Leticia Zarza.

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Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix –  Samuel Alarcón –  Chechu Álava –  Beatriz Alegre –  Mónica Arberola –  Eduardo Alonso –  Fría Aguilar –  Marie Geneviève Alquier –  Elvira Amor –  Belén Álvarez González –  Irma Álvarez Laviada –  Laura Álvarez Keller –  Tono Areán –  Luis Argeo –  Illán Argüello –  Izaskun Arrieta –  Rocío Asensi –  Estela Ballorini –  Frédérique Bangerter –  Carlos Baonza –  Enric Bardera –  Carlos Bell Ower –  Sebastián Bellón –  Carlos Bloch –  Tony Blom –  Alejandro Bombín –  Antonia Borrás –  Manuel Bouzo –  Rocío Bueno Royo –  Amelia Burke –  Ricardo Cadenas –  Ana Campos Barón –  Sergio Campos –  María Cantero –  Vari Caramés –  Gonzalo de las Casas –  Paloma Castellanos –  Alejandro Castellote –  Mara Catalán –  Greta Chicheri –  Anto Chozas –  Octavio Colís –  Nicolás Combarro –  Víctor Coyote –  María Cuadrado –  Juan Cuéllar –  Esther Cuesta –  Belén Cueto –  Carmen Dalmau –  Elena Delgado Corral –  Miguel Delgado –  Sonia Díaz y Gabriel Martínez (Un mundo feliz) –  Adamo Dimitriadis –  Mónica Dixon –  Javier Esteban –  Ignacio Evangelista –  Leticia Felgueroso –  Kiko Feria –  César Fernández Arias –  Enrique Fernández –  Sara Ferrer –  Tristán Ferrer –  Dora Ferrero Melgar –  José Ferrero –  Damián Flores –  Enrique Flores –  Marcos Flórez –  Belén Franco –  Marcelo Fuentes –  Sara Fuentes –  Miguel Galano –  Miguel Gallardo –  Emilio Gallego –  Joaquín Gallego –  Alberto García-Alix –  Jorge García-Alix –  Gaspar García –  Ignacio García Noblejas –  Alberto García Salazar –  Ana García Taboada –  Oliver García –  Soledad Gil Nagel –  Fernando Gimeno Agost –  Concha Gómez–Acebo –  Pierre Gonnord –  Hugo González Aroca –  Íñigo González Churruca –  Raquel González de Lara –  Amaia GraziaAzqueta –  Elena Goñi –  Gabriela Grech –  Rocío Gutiérrez –  Ángel Haro –  Julieta de Haro –  Artur Heras –  Eduardo Hermida –  José Higuera –  Juan Higueras –  Paco Ibáñez Bernabé –  José Ramón Iglesias –  Lila Insúa Lintridis –  Miguel Ángel Invarato –  Marta James –  Javier de Juan –  Erik Kirksaether –  Mariana Laín –  Álvaro Laíz –  José de León –  Javier Lerín –  Alberto Letamendi –  QuecaLevenfeld –  LGC –  Eduardo López –  los díez –  Susana Loureda –  AnneLouyot –  Juan Luis de No –  Sean Mackaoui –  Chema Madoz –  Oscar Mariné –  Rafa Martín –  Fernando Martín Godoy –  Laura Martínez Lombardía –  José Antonio Martínez Porras –  Cristina Mata Arenas –  Ana Matías –  Pepe Medina –  Héctor Melchor –  Toño Merinero –  Roberto Mollá –  Beatriz Montes –  Demian Morass –  Lucía Morate Benito –  Teresa Moro –  Olga Muñoz Blasco –  Ana Musma –  Nathalie –  Ana Navarro –  Navina Neverla –  Javier Olivares –  Lucía Osuna –  Javier Pagola –  Alberto Pecharromán –  Consuelo Peciña –  Fidel Pena –  Consuelo Peña –  Chus Pereda –  Luis Pérez Ortiz (LPO) –  Alberto Pina –  Natalia Pintado –  Miguel Pla –  Nacho Plaza –  Elena Plaza Mata –  Pollobarba –  Javier Puértolas –  Javier Pulido –  José Quintanilla –  Sara Quintero –  Ángela Raya –  Sandra Rein –  Arturo Revuelta –  Pedro Ricardo Timón –  Julia Rico Ortega –  Rafael Roca –  Belén Rodríguez –  Oliver Roma –  María Jesús Rodríguez –  Ramón Rodríguez –  Patricia Rodríguez Gutiérrez –  Gerardo Rodríguez Velarde –  Silvia Roiss –  Antonio Rojas –  Raúl Romanillos –  José Luis Romero –  José Luis Santalla –  Carlos Tejeda –  Miguel Sánchez Lindo –  Claudio Sánchez Pellegata –  Andrea Santolaya –  Miluca Sanz –  Sergio Sanz –  Raquel Sanz Vázquez –  Antonio Segura León –  Mireia Sentís –  Iker Serrano –  Fernanda Staude –  Carlos Suárez –  Pablo Sycet –  Florentina de Tita –  Teresa Tomás –  Paco de la Torre –  Ignacio Valencia de Assas –  Valentín Vallhonrat –  Teo Vázquez –  Fernando Vicente –  Javier Victorero –  Susana Villanueva –  Antonio Yesa  y Leticia Zarza.

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima novena entrega.

Iñaki y Frenchi

Iñaki & Frenchy es el venturoso resultado de nuestro compromiso, que surge de la amistad entre dos vecinos de Tarazona de la Mancha (Albacete). Compaginamos la pedagogía en el aula con nuestra fe en la fuerza activa del dibujo, una alternativa al “es muy fuerte”, al “no tengo palabras” o al “no hay nada que hacer”.

http://xn--iakiyfrenchy-9gb.com/

Rafa Roca

Me llamo Rafael Roca, soy mayor, arquitecto y jubilado, y me ha dado por dibujar y pintar en vez de mirar obras en construcción, ir a casinos o ir de viaje en crucero o avión a sitios repletos, además eso hoy es prácticamente imposible. Mejor tengo un Ipad y varios cuadernos y pinceles y colores y lo utilizo todo compulsivamente. Salvemos lo Público.

Javier Pagola

Estudió Arquitectura en Madrid entre 1974 y 1978, y ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas desde 1977. Su obra está representada en varios museos españoles y en la Fundación de Menil de Houston, Texas.

Antón Chozas

Arquitecto por la E.T.S. de Madrid. Participa en los Talleres de Arte Actual “Taller Luis Gordillo” en el Círculo de Bellas Artes. Desde 1997 aparece Pedrero, un alter ego, que trabaja con carácter propio.

http://antochozas.com/?page_id=7

https://www.salvalopublico.es/

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín – Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor – Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Irma Álvarez Laviada – Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro – Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas – Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez – Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías – Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito – Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet – Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat – Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral – Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León – Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel – Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca – Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez – Beatriz Alegre – Andrea Santolaya – Raul Romanillos – Enrique Flores – Rafa Martín – Chema Madoz – Navina Neverla – Ignacio Valencia de Assas – Sara Fuentes – Aguilar Fría – Luis Pérez Ortiz – Javier Victorero – Miguel Gallardo – Mónica Dixon – Toni Blom – Raquel Sanz Vázquez – Rocío Bueno – Miguel Ángel Invarato –Elena Plaza Mata – Elvira Amor – Esteban Villalta – Susana Villanueva – Miguel Sánchez Lindo – Carlos Suárez – Estela Bellorini – José Pantaleón – Octavio Colís – Sonia Díaz – Gabriel Martínez – Antón Chozas – Óscar Mariné…

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima octava entrega.

Oscar Mariné

Premio Nacional de Diseño 2010, Oscar Mariné es diseñador, ilustrador, experto tipógrafo y uno de los principales comunicadores de la era posfranquista. Su obra está reconocida internacionalmente y ha trabajado para importantes directores de cine, músicos, medios de comunicación y marcas.

http://oscarmarine.com/

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín – Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor – Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro – Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas – Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez – Teresa Moro – Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito – Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso – Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet – Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León – Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel – Javier Olivares – Ana Campos Barón – Rafa Roca – Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez – Beatriz Alegre – Andrea Santolaya – Raul Romanillos – Enrique Flores – Rafa Martín – Chema Madoz – Navina Neverla – Ignacio Valencia de Assas – Sara Fuentes – Aguilar Fría – Luis Pérez Ortiz – Javier Victorero – Miguel Gallardo – Mónica Dixon – Toni Blom – Raquel Sanz Vázquez – Rocío Bueno – Miguel Ángel Invarato – Elena Plaza Mata – Elvira Amor – Esteban Villalta – Susana Villanueva – Miguel Sánchez Lindo – Carlos Suárez – Estela Bellorini – José Pantaleón – Octavio Colís – Sonia Díaz – Gabriel Martínez – Antón Chozas..

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima séptima entrega.

Oscar Mariné

Premio Nacional de Diseño 2010, Oscar Mariné es diseñador, ilustrador, experto tipógrafo y uno de los principales comunicadores de la era posfranquista. Su obra está reconocida internacionalmente y ha trabajado para importantes directores de cine, músicos, medios de comunicación y marcas.

http://oscarmarine.com/

Javier Pulido

Artista plástico madrileño, su especialidad es la búsqueda de la sombra escultórica de la pintura, situando así su trabajo en el espacio fronterizo entre la pintura y la escultura. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en España.

https://www.javierpulido.com/

Ignacio Evangelista

Valenciano Licenciado en Psicología por la Universidad de Valencia, su especialidad artística es la fotografía. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto dentro como fuera de España.

www.ignacioevangelista.com

Enrique Flores

Estudia Bellas Artes en la UCM y Diseño Gráfico en la Central Saint Martin’s School of Art and Design de Londres. Su trabajo como ilustrador abarca desde el mundo infantil, al cómic, la novela gráfica, dibujos para revistas, y viñetas para periódicos. Su obra retrata las ciudades y las gentes de los muchos países por los que ha viajado.

Enric Bardera

Artista polifacético, ha realizado estudios de Arquitectura Técnica en la Universidad Politécnica de Madrid, Fotografía y Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Comunicación, Imagen y Sonido (CEV), Experto en Arte Contemporáneo en la UNED, ha recibido numerosos premios por su obra gráfica.

http://www.enricbardera.com/

Carlos Baonza

Pintor, grabador y escultor. Estudió pedagogía y psicología… Expuso por primera vez en 1979 en la Universidad de Comillas (Madrid). Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, performances e instalaciones en España, Austria, Alemania e Italia.

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel –  Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca –  Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez  –  Beatriz Alegre  –  Andrea Santolaya  –  Raul Romanillos  –  Enrique Flores  –  Rafa Martín  –  Chema Madoz  –  Navina Neverla  –  Ignacio Valencia de Assas  –  Sara Fuentes – Aguilar Fría–  Luis Pérez Ortiz – Javier Victorero – Miguel Gallardo – Mónica Dixon – Toni Blom – Raquel Sanz Vázquez – Rocío Bueno – Miguel Ángel Invarato –Elena Plaza Mata – Elvira Amor – Esteban Villalta – Susana Villanueva – Miguel Sánchez Lindo – Carlos Suárez – Estela Bellorini – José Pantaleón – Octavio Colís – Sonia Díaz – Gabriel Martínez – Antón Chozas…

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima sexta entrega.

Gabriel Martínez

Profesor de la Escuela Superior de Diseño de Madrid, diseñador gráfico y activista cultural. Tiene estudios de filosofía. Doctor por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Ha impartido docencia en la Escuela Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, EAE Business School de Madrid, Istituto Europeo de Design, Escuelas de Arte nº10 y 12 de Madrid.

Raquel Sanz Vázquez

Artista plástico. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y ha obtenido varios premios, entre otros, el Premio Ciudad de Badajoz de pintura en 2017.

Enric Bardera

Artista polifacético, ha realizado estudios de Arquitectura Técnica en la Universidad Politécnica de Madrid, Fotografía y Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Comunicación, Imagen y Sonido (CEV), Experto en Arte Contemporáneo en la UNED, ha recibido numerosos premios por su obra gráfica.

http://www.enricbardera.com/

Miguel Sánchez Lindo

Ilustrador y diseñador gráfico madrileño. Estudió Diseño Gráfico en el Istituto Europeo di Design y se especializó en diseño editorial. Ha trabajado como portadista para numerosas editoriales y revistas. Es también director de arte de Círculo de Tiza y de Ediciones el Salmón.

https://www.arteinformado.com/guia/f/miguel-sanchez-lindo-183737

Laura Álvarez Keller

Pintora de origen suizo y residente en Salou. Imparte clases de pinturas a personas de todas las edades. Ha participado en diversas exposiciones.

Mariana Laín

Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, se dedica a la pintura, la ilustración y el grabado. Ha participado en diferentes ferias de arte y exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional.

http://www.marianalain.com/

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel –  Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca –  Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez  –  Beatriz Alegre  –  Andrea Santolaya  –  Raul Romanillos  –  Enrique Flores  –  Rafa Martín  –  Chema Madoz  –  Navina Neverla  –  Ignacio Valencia de Assas  –  Sara Fuentes – Aguilar Fría–  Luis Pérez Ortiz – Javier Victorero – Miguel Gallardo – Mónica Dixon – Toni Blom – Raquel Sanz Vázquez – Rocío Bueno – Miguel Ángel Invarato –Elena Plaza Mata – Elvira Amor – Esteban Villalta – Susana Villanueva – Miguel Sánchez Lindo – Carlos Suárez – Estela Bellorini – José Pantaleón – Octavio Colís …

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima quinta entrega.

Enrique Flores

Estudia Bellas Artes en la UCM y Diseño Gráfico en la Central Saint Martin’s School of Art and Design de Londres. Su trabajo como ilustrador abarca desde el mundo infantil, al cómic, la novela gráfica, dibujos para revistas, y viñetas para periódicos. Su obra retrata las ciudades y las gentes de los muchos países por los que ha viajado.

Rafa Roca

Me llamo Rafael Roca, soy mayor, arquitecto y jubilado, y me ha dado por dibujar y pintar en vez de mirar obras en construcción, ir a casinos o ir de viaje en crucero o avión a sitios repletos, además eso hoy es prácticamente imposible. Mejor tengo un Ipad y varios cuadernos y pinceles y colores y lo utilizo todo compulsivamente. Salvemos lo Público.

LPO Luis Pérez Ortiz

Ilustrador, historietista y novelista. Licenciado en Bellas Artes y en Filosofía, ha publicado numerosas ilustraciones para revistas y diarios. Es autor, además, de tres novelas.

http://www.luisperezortiz.com/

Antón Chozas

Arquitecto por la E.T.S. de Madrid. Participa en los Talleres de Arte Actual “Taller Luis Gordillo” en el Círculo de Bellas Artes. Desde 1997 aparece Pedrero, un alter ego, que trabaja con carácter propio.

http://antochozas.com/?page_id=7

Ana Cecilia

Gallega, residente en Madrid. Activista en todas las causas justas. Fotógrafa aficionada.

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel –  Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca –  Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez  –  Beatriz Alegre  –  Andrea Santolaya  –  Raul Romanillos  –  Enrique Flores  –  Rafa Martín  –  Chema Madoz  –  Navina Neverla  –  Ignacio Valencia de Assas  –  Sara Fuentes – Aguilar Fría–  Luis Pérez Ortiz – Javier Victorero – Miguel Gallardo – Mónica Dixon – Toni Blom – Raquel Sanz Vázquez – Rocío Bueno – Miguel Ángel Invarato –Elena Plaza Mata – Elvira Amor – Esteban Villalta – Susana Villanueva – Miguel Sánchez Lindo – Carlos Suárez – Estela Bellorini – José Pantaleón – Octavio Colís …

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima cuarta entrega.

Carlos Bloch

Antes de ver hacia donde apunta hay que mirar el dedo. La espíritu sopla donde y cuando quiere. O tal vez sea azar. ¿Será este multiverso una carcajada, un canto, del vacío, o de lo vacío?

¡Oh ignorancia!

Laura Martínez Lombardía

Fotógrafa. Licenciada en Ciencias de la Información. Máster EFTI en fotografía documental. Máster Photoespaña en fotografía y proyectos artísticos. Editora y co-directora de proyectos en Control P. Lab. Desde hace 20 años desarrolla su trabajo profesional y artístico en Madrid.

http://lauramartinezlombardia.com/bio/

Antón Chozas

Arquitecto por la E.T.S. de Madrid. Participa en los Talleres de Arte Actual “Taller Luis Gordillo” en el Círculo de Bellas Artes. Desde 1997 aparece Pedrero, un alter ego, que trabaja con carácter propio.

http://antochozas.com/?page_id=7

Carlos Baonza

Pintor, grabador y escultor. Estudió pedagogía y psicología… Expuso por primera vez en 1979 en la Universidad de Comillas (Madrid). Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, performances e instalaciones en España, Austria, Alemania e Italia.

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel –  Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca –  Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez  –  Beatriz Alegre  –  Andrea Santolaya  –  Raul Romanillos  –  Enrique Flores  –  Rafa Martín  –  Chema Madoz  –  Navina Neverla  –  Ignacio Valencia de Assas  –  Sara Fuentes – Aguilar Fría–  Luis Pérez Ortiz – Javier Victorero – Miguel Gallardo – Mónica Dixon – Toni Blom – Raquel Sanz Vázquez…

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima tercera entrega.

LPO – Luis Pérez Ortiz

Ilustrador, historietista y novelista. Licenciado en Bellas Artes y en Filosofía, ha publicado numerosas ilustraciones para revistas y diarios.  Es autor, además, de tres novelas.

http://www.luisperezortiz.com/

Greta Chicheri

Nacida en La Coruña y residente en Fuertevetura, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Europea de Madrid. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Ha recibido diversos premios y menciones.

https://www.gretachicheri.com/

Toni Blom

Economista y fotógrafo amateur. Ha viajado por todo el mundo y las diferentes culturas que ha visto han sido plasmadas en sus fotografías. Ha expuesto en España, Holanda, Alemania y Estados Unidos.

https://tonyblom.portfoliobox.net/

Miguel Gallardo

Dibujante. Estudió en la Escuela Massana de Artes y Oficios de Barcelona. Es uno de los autores de Makoki, personaje icono del underground. Colabora en importantes medios de ámbito nacional e internacional, entre ellos, el Herald Tribune, The New York Times y The New Yorker. Ha ganado varios premios, como el Salón del Cómic de Barcelona (2014). En 2007 publicó la novela María gráfica María y yo, protagonizada por su hija María, autista. Por ella recibió el Premi Nacional Catalunya de Còmic.

http://miguel-gallardo.com/es/

Pablo Sycet

Gibraleón, Huelva, 1953. Artista polifacético, pintor, comisario de exposiciones, editor, diseñador gráfico, compositor musical. Una de las figuras de mayor relevancia de la escena artística y cultural madrileña desde los años 80.

https://www.pablosycet.com/

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel –  Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca –  Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez  –  Beatriz Alegre  –  Andrea Santolaya  –  Raul Romanillos  –  Enrique Flores  –  Rafa Martín  –  Chema Madoz  –  Navina Neverla  –  Ignacio Valencia de Assas  –  Sara Fuentes – Aguilar Fría–  Luis Pérez Ortiz – Javier Victorero – Miguel Gallardo – Mónica Dixon – Toni Blom – Raquel Sanz Vázquez…

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la duodécima.

Miguel Gallardo

Dibujante. Estudió en la Escuela Massana de Artes y Oficios de Barcelona. Es uno de los autores de Makoki, personaje icono del underground. Colabora en importantes medios de ámbito nacional e internacional, entre ellos, el Herald Tribune, The New York Times y The New Yorker. Ha ganado varios premios, como el Salón del Cómic de Barcelona (2014). En 2007 publicó la novela gráfica María y yo, protagonizada por su hija María, autista. Por ella recibió el Premi Nacional Catalunya de Còmic.

http://miguel-gallardo.com/es/

Roberto Mollá

Licenciado por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos. Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de Pintura, expone en Tokio desde hace más de veitincinco años. Posteriormente ha expuesto asiduamente en Estados Unidos. En España ha participado en más de 50 exposiciones individuales y colectivas. Su obra se encuentra en colecciones institucionales y privadas.

https://www.arteinformado.com/guia/f/roberto-moll-2072

Enrique Flores

Estudia Bellas Artes en la UCM y Diseño Gráfico en la Central Saint Martin’s School of Art and Design de Londres. Su trabajo como ilustrador abarca desde el mundo infantil, al cómic, la novela gráfica, dibujos para revistas, y viñetas para periódicos. Su obra retrata las ciudades y las gentes de los muchos países por los que ha viajado.

Enrique Flores: ilustración, acuarela y Movimiento 15M

Aguilar Fría

Ilustradora y animadora sociocultural. Estudió Arte y Decoración en Santander. Su obra abarca la ilustración, el collage y la estampación textil.

https://www.domestika.org/es/fria_aguilar/portfolio

Sara Fuentes

Diseñadora y pintora cántabra. Creó el personaje de Amara para La historia de Amara, un audiovisual sobre el cáncer infantil visto desde los ojos de una niña para concienciar a la población sobre esta enfermedad.

https://www.salvalopublico.es/

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel –  Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca –  Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez  –  Beatriz Alegre  –  Andrea Santolaya  –  Raul Romanillos  –  Enrique Flores  –  Rafa Martín  –  Chema Madoz  –  Navina Neverla  –  Ignacio Valencia de Assas …

En Espacio Público continuamos publicando las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la undécima.

Javier Pagola

Estudió Arquitectura en Madrid entre 1974 y 1978, y ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas desde 1977. Su obra está representada en varios museos españoles y en la Fundación de Menil de Houston, Texas.

Mariana Laín

Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, se dedica a la pintura, la ilustración y el grabado. Ha participado en diferentes ferias de arte y exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional.

Carlos Baonza

Pintor, grabador y escultor. Estudió pedagogía y psicología… Expuso por primera vez en 1979 en la Universidad de Comillas (Madrid). Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, performances e instalaciones en España, Austria, Alemania e Italia.

Javier Olivares

Ilustrador. Comienza su carrera profesional en la década de 1980. Combina los cómics con colaboraciones en revistas y periódicos. Ha trabajado en la ilustración de libros y ha obtenido varios premios, entre ellos el Premio Nacional del Cómic en 2015.

http://javierolivaresblog.blogspot.com/

Sole Gil-Nagel

Estudiante de diseño gráfico en Madrid, con el que persigue la justicia y la igualdad social. 

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch – Alejandro Bombín – Sergio Campos – Juan Higueras – Alberto Letamendi – Soledad Gil-Nagel –  Javier Olivares –  Ana Campos Barón – Rafa Roca –  Alejandro Castellote – Navina Neverla – Teo Vázquez  –  Beatriz Alegre

Y seguimos en Espacio Público publicando esta entrega de las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la décima.

Alberto Letamendi

Escultor y pintor, nacido en Ordizia (Guipuzcoa). Ha realizado numerosas exposiciones individuales y ha participado en numerosas colectivas, así como en Ferias de Arte. Ha sido galardonado con diversos premios y su obra se encuentra en instituciones y en colecciones privadas de España, Japón, Francia, Italia, Suiza, Luxemburgo, Austria, San Francisco y Nueva York.

https://www.albertoletamendi.com/

Antonio Rojas

Nacido en Tarifa (Cádiz), de formación autodidacta, en este “Pintor del Estrecho”, lo fronterizo forma parte de su vida y de su obra. Ha realizado numerosas exposiciones en galerías dentro y fuera de España, y ha ganado muchos premios importantes.

http://www.antoniorojas.com/

Susana Loureda

Artista coruñesa, ha desarrollado su trabajo en torno a la sombrerería, que considera “una forma expresión y que tiene una parte de escultura, otra de estética, otra de pintura; pero también otra de música, ya que el resultado tiene que ser armónico”. Sus sombreros han sido fotografiados por Alberto García-Alix desde mediados de los ochenta. 

https://www.instagram.com/politahats/?hl=es

Illán Arguello

Pintor de clara inspiración neo-metafísica desde sus primeras exposiciones. Utiliza la arquitectura como temática principal de sus trabajos. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y su obra se encuentra en diferentes colecciones públicas y privadas.

http://www.illanarguello.es/

Miluca Sanz

Artista plástica e ilustradora, licenciada en Historia por la UCM, cursó el doctorado y el DEA en la Facultad de Bellas Artes de la misma Universidad. Desde 1980 viene realizando exposiciones individuales y participando en muestras colectivas. Ha participado en ferias nacionales e internacionales y ha obtenido varios premios y becas.

http://www.milucasanz.com/

Héctor Melchor

Dibujante, profesor, diseñador gráfico en ISCE (Instituto Superior de Comunicación y Eventos), su trabajo se entra en el diseño gráfico, el montaje audiovisual y la gestión de plataformas virtuales.

Los Fanzines también son cultura

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León Leticia Felgueroso – Gerardo Rodríguez Velarde– Chechu Álava – Íñigo González Churruca – Carmen Bejarano –  Anamusma – Carlos Bloch

Y seguimos en Espacio Público publicando esta entrega de las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO. Aquí va la novena.

Anamusma

Graduada en Bellas Artes por la UCM, Técnico Superior en Artes Aplicadas de la Escultura. Escuela de Arte “La Palma”, Madrid. Ceramista (enseñanza estructurada). Escuela Madrileña de Cerámica de La Moncloa. Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas, y en Ferias de Arte.

https://www.anamusma.com/

José de León

Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, autodidacta con influencias de los surrealistas. Viaja y reside en Nueva York, Roma, París, India, Berlín. Se autodefine como artista independiente y libre.

http://www.josedeleon.org/jose-de-leon-galeria

Sean Mackaoui

Artista de origen anglo-libanés, afincado en España. Su arte es el mundo del collage. Es autor de portadas de libros, ha diseñado camisetas, carteles y collages animados, ha participado en exposiciones individuales y colectivas. Su obra ha quedado plasmada en numerosas publicaciones.

mackaoui

Enric Bardera

Artista polifacético, ha realizado estudios de Arquitectura Técnica en la Universidad Politécnica de Madrid, Fotografía y Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Comunicación, Imagen y Sonido (CEV), Experto en Arte Contemporáneo en la UNED, ha recibido numerosos premios por su obra gráfica.

http://www.enricbardera.com/

Antón Chozas

Arquitecto por la E.T.S. de Madrid. Participa en los Talleres de Arte Actual “Taller Luis Gordillo” en el Círculo de Bellas Artes. Desde 1997 aparece Pedrero, un alter ego, que trabaja con carácter propio.

http://antochozas.com/?page_id=7

Una familia del País Valencià brinda una sorprendente contribución cultural a la comunicación entre personas en estos tiempos de confinamiento.

Se trata de Anna Franco Lluch, Andreu Garcia Garcia y Miquel Garcia Franco, que han compuesto desde su casa “Les panaeres del coronavirus”, que entroncan con una tradición de música popular de trabajo, vinculada a la jota. Una música y un ritmo enraizados en diferentes lugares, particularmente en Castilla y León.

Anna, Andreu i Miquel dedican estas ‘panaeres’ de raíz mediterránea, cargadas de ironía, sentido del humor y espíritu solidario, a quienes han padecido la pérdida de alguna persona, pero también a quienes “teniendo las de perder, no han perdido, sino que han encontrado”.

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González – Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos – Gabriela Grech – Elena Delgado Corral –Marie Genevieve Alquier –Antonio Segura León

Y vamos ya en Espacio Público publicando la octava entrega de las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO.

Elena Goñi

Artista navarra. Licenciada en bellas Artes por la Universidad de Salamanca, ha participado en numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas. Su obra se encuentra en museos y en colecciones individuales y públicas.

Elena Goñi Bibliografía

Adamo Dimitriadis

Pintor y artista cuya vocación vino determinada por una visita a una exposición de René Magritte. Sus dibujos y diseños han evolucionado hacia un realismo científico. Ha realizado varias exposiciones individuales.

http://adamodimitriadis.com/

Javier Lerín

Diseñador gráfico, ha plasmado sus obras en logos, libros, catálogos, folletos…

https://javier-lerin.tumblr.com/

Alberto Pina

Nacido en Atenas, en la actualidad vive en Madrid. Licenciado en Bellas artes por Universidad Complutense, ha pasado por la Academia de Roma y ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

http://www.albertopina.com/

Gonzalo de las Casas

Pintor e ilustrador. Ha cursado estudios en la facultad de Bellas Artes de la UCM. Ha colaborado con diferentes colectivos y talleres plásticos desde los primeros años 80, ha colaborado como ilustrador en diferentes medios de prensa y revistas y ha realizado diferentes exposiciones de sus pinturas en muestras colectivas e individuales.

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza – Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín–Alberto Pina –Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor– Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola –  Juan Luis de No –Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada –  Víctor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro– Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas– Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego – Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro– Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías– Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito– Eduardo Hermida – Toño Merinero –Juan Cuéllar – Sandra Rein – Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso –Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano – Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy –José Ferrero – Pablo Sycet– Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas – Florentina de Tita – Paco de la Torre –Manuel Bouzo – Kiko Feria – Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz – Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez –Laura Álvarez Keller – Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández –Javier Pulido –  Rocío Gutiérrez – Carla Redares – Luis Paniego –Enrique Fernández – Javier Pulido – Rocío Gutiérrez – Greta Chicheri – Paloma Castellanos – Julieta de Haro – Javier de Juan – Belén Álvarez González –Carlos Bell Ower – Valentín Vallhonrat –  Adamo Dimitriadis – Oliver Roma – Ángel Haro – Rocío Asensi – Tono Areán – llán Argüello – «Los Díez» – Paloma Castellanos.

Seguimos hoy en Espacio Público publicando en esta séptima entrega las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO.

Paco de la Torre

Doctor en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Profesor del Departamento de Pintura de la UPV. Miembro del Centro de Investigación Arte y Entorno (CIAE) de la UPV. Desde el año 1994 está representado por la Galería My Name’s Lolita Art. Madrid. Exposiciones individuales y colectivas.

http://www.pacodelatorre.net/index.php/es/

Marcelo Fuentes

Pintor valenciano, comenzó a dedicarse a la pintura en los años 70 del siglo XX. Ha colaborado con e lfotógrafo Bernard Plossu y ha expuesto en diversas galerías y ferias de arte nacionales e internacionales.

http://masdearte.com/artistas/fuentes-marcelo/

Miguel Sarró «Mutis»

Mutis (1968) ha dibujado, escrito y fotografiado. Ha sido documentalista, librero, cartero y amante de los reposapiés.

http://miguelsarro.blogspot.com/

Fernando Vicente

Pintor e ilustrador español de formación autodidacta. Inicialmente, sus primeros trabajos como ilustrador aparecieron en la primera mitad de la década de los ochenta. Ha participado en multitud de exposiciones, tanto colectivas como individuales.

Inicio

Sergio Sanz

Pintor y dibujante ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Ha obtenido el Premio Ojo Crítico de Radio Nacional de España y el XXXVI Grand Prix International d’Art Contemporain de Monte-Carlo (Grand Prix de S.A.S. LE PRINCE RAINIER III). Fondation Prince Pierre de Mónaco.

https://www.arteinformado.com/guia/f/sergio-sanz-4417

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix  – César Fernández Arias – Carlos Baonza

Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín

Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor

Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola

Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada

Victor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro

Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas

Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego

Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez –Teresa Moro

Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías

Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito

Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein

Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso

Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano

Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet

Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas

Florentina de Tita – Paco de la Torre – Manuel Bouzo – Kiko Feria

Mara Catalán – Erik Kirksaether – Marcelo Fuentes – Sergio Sanz

Jorge García-Alix – Elena Goñi – Marcos Flórez – Laura Álvarez Keller

Luis Argeo – Luis Paniego – Enrique Fernández – Javier Pulido

Rocío Gutiérrez – Carla Redares

Seguimos hoy en Espacio Público publicando en esta sexta entrega las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO.

Antón Chozas

Arquitecto por la E.T.S. de Madrid. Participa en los Talleres de Arte Actual “Taller Luis Gordillo” en el Círculo de Bellas Artes. Desde 1997 aparece Pedrero, un alter ego, que trabaja con carácter propio.

http://antochozas.com/?page_id=7

Teresa Tomás

Licenciada en Bellas Artes en la Facultad de San Carlos, Valencia. Pintora, diseñadora gráfica y multimedia. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

http://www.teresatomas.com/

Damián Flores

Pintor e ilustrador, es uno de los representantes de la pintura figurativa española reciente, y son conocidos sus paisajes urbanos. Ha realizado diversas exposiciones individuales y su obra se encuentra en varias colecciones privadas y de museos.

https://www.damianflores.com/

Marta James

Fotógrafa, trabajó durante cinco años junto a Alberto García-Alix. Autora de Oneri, carpeta de 6 fotograbados editada recientemente por Cristal del tiempo.

https://www.albedomedia.com/cultura/marta-james-el-rostro-de-la-mascara/

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix – César Fernández Arias – Carlos Baonza

Alberto García-Alix – Mariana Laín – Leticia Zarza – Javier Lerín

Alberto Pina – Susana Loureda – Enric Bardera – Héctor Melchor

Gonzalo de las Casas – Frédérique Bangerter – Javier Pagola

Juan Luis de No – Gonzalo de las Casas – Irma Álvarez Laviada

Victor Coyote – Jose Antonio Martínez Porras – Nicolás Combarro

Damián Flores – Susana Loureda – Emilio Gallego – Ricardo Cadenas

Sean Mackaoui – Miguel Sarro «Mutis» – Roberto Mollá – Joaquín Gallego

Marta James – Pepe Medina – Nathalie F. – Belén Rodríguez – Teresa Moro

Ignacio García Noblejas – Arturo Revuelta – Ana Matías

Hugo Gonzalez Aroca – Leticia Felgueroso – Lucía Morate Benito

Eduardo Hermida – Toño Merinero – Juan Cuéllar – Sandra Rein

Concha Gómez Acebo – Ignacio Evangelista – Eduardo Alonso

Lucía Osuna – Miluca Sanz – Miguel Delgado – Miguel Galano

Mireia Sentís – Fernando Martín Godoy – José Ferrero – Pablo Sycet

Fernando Vicente – Gaspar García – Queca Levenfeld – Antonio Rojas

Seguimos hoy en Espacio Público publicando en esta quinta entrega las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO.

Hugo González Aroca

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense, pintor y fotógrafo, ha realizado diversas exposiciones personales y recibido varios premios.

Home

Ana Matías

Pintora, grabadora y dibujante, estudió y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid especializándose en retrato a través de la fotografía, la pintura y la estampación.

http://www.anamatias.com/portfolio/

Toño Merinero

Cursó estudios en el Centro Español de Nuevas Profesiones de Madrid. Posteriormente trabajó durante algunos años por cuenta propia como diseñador gráfico. Se convirtió en un experto en producción gráfica durante los diez años en los que trabajó para compañías de diseño, publicidad e imagen corporativa estadounidenses y británicas radicadas en Madrid.

http://antoniomerinero.com/

Joaquín Gallego

Editor y diseñador gráfico. Ha desarrollado su trabajo en diferentes editoriales: Espasa, Trota, Abada, Sexto Piso… Editor y fundador de La Oficina de Arte y Ediciones y director de Arte del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Fundador de las revistas: Sileno, Sibiyla y Creación.

Irma Álvarez Laviada

Pintora y escultora, ha realizado numerosas exposiciones personales y colectivas. Ha recibido premios y galardone su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas.

https://www.irmaalvarezlaviada.com/

Arturo Revuelta

Escultor, comparte su profesión de artista plástico con su trabajo en la industria del cine, en el departamento de la decoración.

Javier Lerín

Diseñador gráfico, ha plasmado sus obras en logos, libros, catálogos, folletos…

https://javier-lerin.tumblr.com/

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix 

César Fernández Arias

Carlos Baonza

Alberto García-Alix

Mariana Laín

Leticia Zarza

Javier Lerín

Alberto Pina

Susana Loureda

Enric Bardera

Héctor Melchor

Gonzalo de las Casas

Frédérique Bangerter

Javier Pagola

Juan Luis de No

Gonzalo de las Casas

Irma Álvarez Laviada

Victor Coyote 

Jose Antonio Martínez Porras

Nicolás Combarro

Damián Flores

Susana Loureda

Emilio Gallego

Ricardo Cadenas

Sean Mackaoui

Miguel Sarro «Mutis»

Roberto Mollá

Joaquín Gallego

Marta James

Pepe Medina

Nathalie F.

Belén Rodríguez

Teresa Moro

Ignacio García Noblejas

Arturo Revuelta

Ana Matías

Hugo Gonzalez Aroca

Leticia Felgueroso

Lucía Morate Benito

Eduardo Hermida

Toño Merinero

Juan Cuéllar

Sandra Rein

Concha Gómez Acebo

Javier Olivares 

Ignacio Evangelista

Eduardo Alonso

Lucía Osuna

Miluca sanz

Miguel Delgado

Mireia Sentis

Seguimos hoy en Espacio Público la cuarta entrega de la publicación de las obras de artistas plásticos que han suscrito el manifiesto SALVA LO PÚBLICO.

Alberto García-Alix

Uno de los fotógrafos más importantes de España. Premio Nacional de Fotografía 1999, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, además de otros muchos premios y galardones. Su obra está en grandes colecciones de museos tanto nacionales como internacionales.

Obras

Frédérique Bangerter

Fotógrafa suiza, especialización en crítica de la fotografía, fotografía de eventos y técnicas antiguas de revelado. 2011 Creación de la editorial Cabeza de Chorlito junto con Alberto García-Alix.

http://www.frederiquebangerter.com/

Mariana Laín

Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, se dedica a la pintura, la ilustración y el grabado. Ha participado en diferentes ferias de arte y exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional.

http://www.marianalain.com/

Alberto Pina

Nacido en Atenas, en la actualidad vive en Madrid. Licenciado en Bellas artes por Universidad Complutense, ha pasado por la Academia de Roma y ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

http://www.albertopina.com/

Víctor Coyote

También conocido como Víctor Aparicio y Víctor Abundancia, es músico, diseñador gráfico, pintor, autor de cómic, ilustrador, escritor, realizador de documentales y videoclips y, ocasionalmente, actor. 

https://www.victorcoyoteaparicio.org/      

https://www.instagram.com/p/B-rbZQ5Ku70/

Juan Cuéllar

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. En 2007 cofunda con Roberto Mollá, Encapsulados, una plataforma para el arte portátil.

www.encapsulados.info

http://www.juancuellarcosta.com/

Manifiesto Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix 

Cesar Fernández Arias

Carlos Baonza

Alberto García-Alix

Mariana Laín

Leticia Zarza

Javier Lerín

Alberto Pina

Susana Loureda

Enric Bardera

Hector Melchor

Gonzalo de las Casas

Frederique Bangerter

Javier Pagola

Juan Luis de No

Gonzalo de las Casas

Irma Álvarez Laviada

Leticia Zarza

Victor Coyote 

Jose Antonio Martínez Porras

Nicolás Combarro

Damián Flores

Susana Loureda

Emilio Gallego

Ricardo Cadenas

Sean Mackaoui

Miguel Sarro «Mutis»

Roberto Mollá

Joaquín Gallego

Marta James

Pepe Medina

Nathalie F.

Belén Rodríguez

Teresa Moro

Ignacio García Noblejas

Algo está quedando muy claro durante estos días: la solidaridad, el apoyo y la simpatía que toda la población siente hacia las personas que trabajan en la sanidad, cuyo trabajo “heroico” ha sido reconocido por la propia Organización Mundial de la Salud. Los aplausos vespertinos son la muestra más papable de lo valiosa que es la sanidad pública y la gran importancia que tiene un buen sistema público que proteja la salud de todas las personas.

Y frente a aquel lamentable ¡Viva la muerte! de Millán-Astray, que parecen seguir quienes en las redes sociales vomitan odio hoy día, la inmensa mayoría de la población grita ¡Viva la vida! y a quienes la protegen.

Entre esas muestras de solidaridad que están brotando por todas partes, nos complace especialmente difundir el manifiesto SALVA LO PÚBLICO y recoger los estupendos trabajos de varios artistas plásticos, que han plasmado en sus dibujos, grabados y pinturas su respaldo a la vida y a la sanidad pública.

Seguimos hoy en Espacio Público la publicación de estas obras que continuaremos difundiendo en días sucesivos.

Federico Granel

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialidad de Diseño y Audiovisuales, y formado luego en Milán y Roma, la pintura ha sido su medio de expresión más habitual. También ha trabajado en los campos de la escultura, la fotografía, el dibujo, el grabado o la videoinstalación.

https://masdearte.com/especiales/federico-granell/

Enric Bardera

Artista polifacético, ha realizado estudios de Arquitectura Técnica en la Universidad Politécnica de Madrid, Fotografía y Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Comunicación, Imagen y Sonido (CEV), Experto en Arte Contemporáneo en la UNED, ha recibido numerosos premios por su obra gráfica.

http://www.enricbardera.com/

Ricardo Cadenas

Estudia Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, y desde 1987 es profesor de Dibujo en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Pintor, con exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera de España. Su obra se encuentra en varias colecciones corporativas y museos de arte contemporáneo.

http://www.ricardocadenas.es/

Pepe Medina

Artista e ilustrador. Su trabajo puede ser visto en portadas de libros y de prensa así como en diferentes magazines y suplementos de prensa. Es parte del colectivo El cartel y ha editado varios proyectos personales. El último de ellos, titulado «Travelling» fue premio 2018 de las Ayudas a la Producción Artística de Vegap.

Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix 

Cesar Fernández Arias

Carlos Baonza

Alberto García-Alix

Mariana Laín

Leticia Zarza

Javier Lerín

Alberto Pina

Susana Loureda

Enric Bardera

Hector Melchor

Gonzalo de las Casas

Frederique Bangerter

Javier Pagola

Juan Luis de No

Gonzalo de las Casas

Irma Álvarez Laviada

Leticia Zarza

Victor Coyote 

Jose Antonio Martínez Porras

Nicolás Combarro

Damián Flores

Susana Loureda

Emilio Gallego

Ricardo Cadenas

Sean Mackaoui

Miguel Sarro «Mutis»

Roberto Mollá

Joaquín Gallego

Marta James

Pepe Medina

Nathalie F.

Belén Rodríguez

Teresa Moro

Ignacio García Noblejas

Algo está quedando muy claro durante estos días: la solidaridad, el apoyo y la simpatía que toda la población siente hacia las personas que trabajan en la sanidad, cuyo trabajo “heroico” ha sido reconocido por la propia Organización Mundial de la Salud. Los aplausos vespertinos son la muestra más papable de lo valiosa que es la sanidad pública y la gran importancia que tiene un buen sistema público que proteja la salud de todas las personas.

Y frente a aquel lamentable ¡Viva la muerte! de Millán-Astray, que parecen seguir quienes en las redes sociales vomitan odio hoy día, la inmensa mayoría de la población grita ¡Viva la vida! y a quienes la protegen.

Entre esas muestras de solidaridad que están brotando por todas partes, nos complace especialmente difundir el manifiesto SALVA LO PÚBLICO y recoger los estupendos trabajos de varios artistas plásticos, que han plasmado en sus dibujos, grabados y pinturas su respaldo a la vida y a la sanidad pública.

Seguimos hoy en Espacio Público la publicación de estas obras que continuaremos difundiendo en días sucesivos.

Javier Pagola

Estudió Arquitectura en Madrid entre 1974 y 1978, y ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas desde 1977. Su obra está representada en varios museos españoles y en la Fundación de Menil de Houston, Texas.

Carlos Baonza

Pintor, grabador y escultor. Estudió pedagogía y psicología… Expuso por primera vez en 1979 en la Universidad de Comillas (Madrid). Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, performances e instalaciones en España, Austria, Alemania e Italia.

Salva lo Público

SALVA LO PÚBLICO

Si existe una lección primordial de esta peste que estamos padeciendo y que tanto nos daña hoy y nos dañará en el futuro inmediato, es que salvar lo Público, lo que es de todos y para todos, como la sanidad o la educación, es una empresa en la que nadie con un mínimo de conciencia social y humana puede regatear su esfuerzo. Y más cuando las políticas dominantes, en casi todo el planeta, están orientadas a debilitarlo, destruirlo y sobre sus ruinas hacer negocio y engrosar sus beneficios.

Nosotros, artistas plásticos de todo pelaje y condición: dibujantes pintores, fotógrafos, diseñadores, pintores, escultores, grabadores… tenemos que arrimar el hombro en esta lucha por salvar lo público con nuestras mejores armas: nuestro talento y nuestro trabajo.

Este espacio, libre y abierto para todos, quiere ser una pequeña barricada en esta lucha y quiere ser también un espacio de solidaridad con todos aquellos que hoy forman en la primera línea de la defensa de lo Público. Lo haremos con nuestras humildes armas, lápices, pinceles, colores, tintas, buriles… y estamos seguros de que ganaremos la batalla.

Carlos García-Alix 

Cesar Fernández Arias

Carlos Baonza

Alberto García-Alix

Mariana Laín

Leticia Zarza

Javier Lerín

Alberto Pina

Susana Loureda

Enric Bardera

Hector Melchor

Gonzalo de las Casas

Frederique Bangerter

Javier Pagola

Juan Luis de No

Gonzalo de las Casas

Irma Álvarez Laviada

Leticia Zarza

Victor Coyote 

Jose Antonio Martínez Porras

Nicolás Combarro

Damián Flores

Susana Loureda

Emilio Gallego

Ricardo Cadenas

Sean Mackaoui

Miguel Sarro «Mutis»

Roberto Mollá

Joaquín Gallego

Marta James

Pepe Medina

Nathalie F.

Belén Rodríguez

Teresa Moro

Ignacio García Noblejas

Algo está quedando muy claro durante estos días: la solidaridad, el apoyo y la simpatía que toda la población siente hacia las personas que trabajan en la sanidad, cuyo trabajo “heroico” ha sido reconocido por la propia Organización Mundial de la Salud. Los aplausos vespertinos son la muestra más papable de lo valiosa que es la sanidad pública y la gran importancia que tiene un buen sistema público que proteja la salud de todas las personas.

Y frente a aquel lamentable ¡Viva la muerte! de Millán-Astray, que parecen seguir quienes en las redes sociales vomitan odio hoy día, la inmensa mayoría de la población grita ¡Viva la vida! y a quienes la protegen.

Entre esas muestras de solidaridad que están brotando por todas partes, nos complace especialmente difundir el manifiesto SALVA LO PÚBLICO y recoger los estupendos trabajos de varios artistas plásticos, que han plasmado en sus dibujos, grabados y pinturas su respaldo a la vida y a la sanidad pública.

Iniciamos hoy en Espacio Público la publicación de una parte de estas obras que continuaremos difundiendo en días sucesivos.

Carlos García-Alix

Escritor, pintor y cineasta español, en 2004 creó junto a su hermano Alberto García-Alix y el también fotógrafo Nicolás Combarro la productora “No hay penas”.

https://carlosgarcialix.es/

Leticia Zarza

Diseñadora gráfica, desarrolla su actividad profesional en los campos de la Creación Artística, la Educación y la Gestión Cultural.

Estudio de Arte Mirasierra Arroyo del Fresno Madrid

César Fernández Arias

Pintor, ilustrador, dibujante y escultor. Además de su polifacética labor como artista, ha dirigido multitud de talleres de arte para niños.

www.cesarfernandezarias.com

¿Por qué un artículo sobre BadBunny? Porque actualmente es una de las expresiones culturales más populares de nuestra sociedad.

El arte popular actual es una mezcla de moda, imagen y música. No solo la música, por lo tanto. Una canción que cuenta con videoclip tendrá muchas posibilidades más de obtener un número mayor de reproducciones. El tipo de arte que más gente sigue es una conjugación de un vídeo en el que hay muchas imágenes que cambian cada pocos segundos (el ejemplo más claro de esto son los videoclips de El mal querer que realizó la productora Kanada para Rosalía, sobre todo la canción de Malamente) y en el que la moda no solo viste a los que intervienen en el videoclip, sino que configura una escenografía propia que determina el contexto en el que ocurre. La moda, por lo tanto, aparece no solo en la ropa, sino en todos los elementos que lo componen. La riqueza conceptual de este tipo de arte suele aparecer en la moda y las imágenes. La música, aunque suene paradójico, es más un acompañamiento. Los jóvenes que escuchan a BadBunny seguramente se ven más influenciados por su forma de vestir y todo lo que aparece en sus videoclips que por la letra de sus canciones.

¿Por qué un artículo sobre BadBunny? Porque actualmente es una de las expresiones culturales más populares de nuestra sociedad. No solo su música, sino todo él. Podríamos detenernos a hablar sobre cómo hoy en día un artista no es solo su obra, sino también la forma en que se expone al público: declaraciones, stories, imágenes de Instagram. Me he dado cuenta de que, en los últimos días, los comentaristas de su nuevo disco (si es que tiene algún sentido hablar de disco en la actualidad; yo creo que no, que valdría más hablar de trabajo, y por decir algo, ya que no existe una palabra que describa la nueva forma que tienen los músicos de presentar sus canciones: las cuelgan una detrás de otra en su cuenta de youtube: ¿es esto un disco?) han estado de acuerdo en presentar a BadBunny como alguien que ha injertado conciencia de género en el reggaetón (algunas de sus gafas de diseñoson lilas). Esto es cierto, pero, desde mi punto de vista, no es lo más interesante de sus nuevas canciones.

Hay dos elementos que me han llamado la atención y ambos tienen que ver con la forma en que consumimos cultura y que están representados en la música del puertorriqueño. Son la ironía y la disociación. Ambos conceptos representados en la manifestación artística más representativa de nuestros gustos culturales: el videoclip. Elegiré una canción: “La difícil”. En el momento en el que escribo este artículo lleva ya 19 millones de reproducciones. Recomiendo escucharla y verla (las canciones, ahora, se ven).

La imagen y la música parecen ir en direcciones opuestas, pero, igualmente, no podemos evitar que nuestra mente las interprete al mismo tiempo. Esto es perturbador. Como una película en la que estamos contemplando una escena de terror y violencia y la música que la acompaña es ridícula, como de serie de humor en formato de veinte minutos. La chaqueta metálica con la música de Friends. Es aquí donde ocurre la disociación: nuestras orejas y nuestros ojos captan cosas distintas al mismo tiempo. Esto, si se piensa bien, es algo muy extraño. Entonces, lo que vemos y escuchamos es lo siguiente: una canción que habla sobre una chica a la que todo el mundo desea y que quiere acostarse con el cantante de la canción (¿es Bad Bunny? Ahora veremos que no), pero que, en realidad, pues eso, se hace la difícil.

Ahora estamos viendo el videoclip y lo que vemos no tiene nada que ver con lo que se dice en la canción. Asistimos a la vida de una modelo. Tiene una hija, a la que quiere y con la que no se lo podría pasar mejor. Trabaja de modelo en muchos eventos. Su vida es melancólica. Se nos muestra la forma en que está sexualizada: baila en un cásting y uno de los hombres encargados de darle el visto bueno se la mira de arriba abajo. Vemos una fila de modelos y luego (las imágenes relampaguean las unas detrás de las otras) una fila de cabezas de maniquíes con peluca. No es tanto lo que son esas mujeres, como lo que la industria de la música hace con ellas. Vemos que se está grabando un videoclip (todo lo meta es representativo de nuestra cultura) y que Bad Bunny está presente en el rodaje. Se felicita con los contoneos de la artista, se ríe como una hiena. Lo que vemos es a Bad Bunny cantando una canción al mismo tiempo que se interpreta a sí mismo (aquí viene la ironía: toma de distancia respecto a la propia posición, vernos como si fuéramos otros).

Creo que la canción que escuchamos se corresponde con este segundo videoclip (el que representa que están grabando dentro del videoclip) y no con el primero. Es una crítica a su propia forma de hacer música, a la estética imperante que reduce a las mujeres a maniquíes. Quien canta es el otro, el personaje de este videoclip, que a su vez es él mismo, ya que es capaz de reconocerse. Pero más allá de esto, revela que nuestra forma de comportarnos respecto al arte consiste en dividir nuestros sentidos (que ya no captan un mensaje unificado) y en sentir que podemos vernos a nosotros mismos como quien mira a otra persona. Extraña cultura barroca. 

Conversación de Lourdes Lucía con Marisa Manchado Torres

Marisa Manchado Torres no es sólo compositora de música clásica y profesora. Es también un referente indiscutible en la musicología.  Infatigable en su preocupación por difundir la casi nula visibilidad de las mujeres en la música, en 1998 realizó la edición del libro Música y mujeres. Género y poder, una compilación de textos y ensayos con el feminismo como elemento de estudio dentro del campo de la musicología, una obra que se ha convertido en un clásico y en un estudio imprescindible para todas aquellas personas interesadas en la historia de la música, en el papel de las mujeres en la cultura y en el feminismo en general.

Más de 20 años después de la publicación de este ensayo, la editorial Ménades lo ha recuperado y actualizado.

Con la excusa de este libro hoy hablamos con Marisa Manchado Torres de música y mujeres.

EC: Han pasado 20 años desde que este libro fue publicado por primera vez. Además del prólogo de Ángel Medina Álvarez, ¿Cuáles son las novedades más importantes de esta nueva edición?

MM: Ya solamente el prólogo del Catedrático Medina es suficientemente novedoso e importante para esta nueva edición, pero además la encuesta a las compositoras (mis colegas) ha sido actualizada, es decir ellas mismas han puesto al día (2019) sus respuestas, algunas han coincidido con lo que dijeron hace 20 años y ahora, y otras han actualizado, explayándose en ocasiones, pero se mantienen ambas para observar si ha habido o no diferencias sustanciales. Es interesante, porque constatamos que no ha habido tantos cambios.

Además, yo misma me he permitido introducir un artículo nuevo, sobre musicología y feminismo, el estado de la cuestión, que he titulado “Declaración de intenciones: hacia una musicología feminista” y que aparece justo detrás del prólogo a esta nueva edición (incluimos también el prólogo a la primera edición en 1998). Es decir, hay una perspectiva histórica de los 21 años transcurridos en nuestro país.

Aparte, todas las colaboradoras han tenido la posibilidad de actualizar sus escritos y subsanar erratas de la edición anterior, que por cierto llevaba fuera de catálogo años y esta nueva edición ha llegado como agua caída del cielo, creo que pronto empezarán con la segunda edición de esta nueva.

EC: Hace unos años afirmabas en una entrevista que “La gran mayoría de mujeres dedicadas a la música ha sido silenciada por el sistema patriarcal. Entendí que teníamos una importante cuenta pendiente con la Historia”. ¿Ha cambiado algo en estos 20 años?

MM: Pues lamentablemente No. Las programaciones de los conciertos, siguen silenciándolas. Las historias de la música, también. Los conservatorios, ¡naturalmente!, no han incluido en sus programaciones el repertorio ¡inmenso y soberbio! de las mujeres a lo largo de la Historia, y la universidad, más de lo mismo; finalmente, un organismo público y dedicado a la música académica como es Radio Clásica, de Radio Nacional de España, se centra en el canon y no ve, ni va, ni escucha, ni oye, más allá; como ejemplo, todavía estoy esperando respuesta de su director (al cual escribí hace casi dos años) proponiéndole retomar el programa icónico “Mujeres en la Música”, al cual Amelia Díe dedica un capítulo en el libro. Y abundando en la gravedad del tema y en especial de los organismos públicos, algunos, que dependen directamente del Ministerio de Cultura, es decir del Estado Español, incumplen sistemáticamente la Ley de Igualdad…y nadie hace nada… por más que las asociaciones protesten o profesionales individualmente lo hagamos. En este caso concreto me pregunto ¿Qué hace el observatorio de Igualdad de Género en el ámbito de la Cultura?

En cualquier caso mi reflexión es, que esto sucede en nuestro sector profesional, porque no existe un tejido social lo suficientemente amplio y compacto como para exigir el cumplimiento de la Ley de Igualdad, es un sector con poco movimiento asociativo y muy pobre desde el punto de vista de las reivindicaciones.

EC: Joaquina Labajo habla en su capítulo del libro de la educación musical femenina, ¿Cuando hablamos de mujeres, está reservada esta educación a las familias acomodadas?

MM: En el caso del siglo XIX pues parece que sí, Labajo realiza un estupendo estudio al respecto.

EC: “Como ejemplo, y tal y como veremos más adelante, se pueden referir dos casos del siglo XIX: el mal no estaba en que Fanny Mendelssohn Hensel compusiera música, sino en que ganase dinero con ella; el mal no estaba en que Clara Schumann fuese una muy apreciada concertista, estaba en que pretendiese dedicarse a la actividad abstracta e intelectualizada y, por lo tanto, masculinizada, de la composición”, dice Teresa Cascudo cuando habla de musicología y feminismo. ¿Por qué se nos ha negado a las mujeres  históricamente la capacidad de creación intelectual?

MM: Las mujeres hemos sido el segundo sexo, como Beauvoir muy bien apellidó: hemos dependido de nuestro padre, nuestro hermano, nuestro marido y si no, de nuestro tío o del varón que más cerca estuviera, ¡y todo ello legislado! Este régimen de dependencia y esclavitud emocional (a veces también física) y desde luego intelectual, conllevaba una prohibición expresa de independencia económica, de autonomía financiera, por eso escandaliza que Fanny Mendelssohn quiera “profesionalizarse” y en el caso de Clara, que mantenía económicamente a un marido enfermo (Robert Schumann) y a sus 7 hijas e hijos, el “genio” es él, el marido Robert Schumann, aunque ella dirija sus obras, las interprete al piano por toda Europa y las corrija para las ediciones impresas; pero componer (y ella compuso mucho y bien) “es cosa de hombres”, componer es la actividad superior de un músico, especialmente en el Romanticismo, es estar en contacto con lo divino, con Dios, y ya se sabe que Dios es Hombre. En el caso de Clara y Robert disponemos de sus diarios en común, que son un documento de valor incalculable, pues en ellos constatamos las dificultades personales (emocionales) de Clara cuando componía, lamentándose muchas veces de pretender algo vedado a las mujeres, cito la más famosa:

«Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?»

EC: Más adelante, Amelia Die Goyanes nos recuerda algunos casos como el de Alma Schindler, esposa de Mahler, quien le prohibió expresamente componer a su esposa o el de Anna María Scarlatti, hermana de Alessandro, que sufrió graves problemas por ser compositora. Pero la mayoría de las músicas han permanecido en el anonimato. Como mucho a las mujeres se le ha atribuido un tipo de música como las nanas, cantos plañideros y otras composiciones relacionadas con el papel que siempre se les ha atribuido a las mujeres: madres, esposas… ¿Es la música un vehículo de transmisión de ideologías?

MM: Esta pregunta me parece magnífica, me obliga a reflexionar, porque un lenguaje absolutamente abstracto, sin significado concreto de ningún tipo ¿de qué manera transmite ideología? Quizá por las funciones a las que esta expresión se adscribe, por los ritos a los que se asocia: por eso las nanas o las plañideras, nacimiento y muerte, lo irrenunciablemente terrenal, es femenino… y las misas de coronación o grandes oratorios litúrgicos, son mayoritariamente masculinos, como las óperas, el espectáculo total por excelencia.

EC: Carmen Cecilia habla de las compositoras en América Latina y Alicia Valdés específicamente en Cuba. ¿Es muy diferente su situación a la que han tenido y tienen en España?

MM: Bueno, el Patriarcado creo que es un sistema generalizado de construcción social, aquí, en el planeta Tierra… Cuba, por lo que yo he visto y vivido, ha hecho un intento de construcción de la igualdad entre razas, mujeres y hombres, clases sociales… pero eso, intento…

No, no creo que haya grandes diferencias, en todo caso nosotras ahora tenemos una estupenda Ley de Igualdad, que por cierto habrá que mejorar en el sentido de obligar a su cumplimiento en todos los ámbitos sociales, obligar a la Paridad, tal y como está redactada es fácil caer en la ambigüedad.

EC: En otros capítulos del libro Pilar Ramos analiza el protagonismo que alcanzaron las mujeres en el teatro musical del Siglo de Oro, en el que solían interpretar papeles de hombre, y Josemi Lorenzo Arribas trata de las ausencias y presencias de las mujeres en la historia de la música. Ana Vega Toscano traza un breve recorrido histórico de las compositoras españolas, comenzando por las juglaresas árabes.

Lamentablemente todo esto es casi desconocido por la mayoría de la gente. ¿No debería formar parte de la educación general la historia de las mujeres en la música?

MM: ¡Naturalmente! Pero volvemos a lo mismo, sin leyes que obliguen a rescatar a la mitad de la Humanidad del Silencio y del Olvido creo que va a ser muy complicado, largo y difícil.

EC: Ángeles Sancho Velázquez nos recuerda a la Salomé de Strauss y el mito de la mujer fatal, ¿cuál es el papel que generalmente representan las mujeres en las óperas?

MM: El tema de las protagonistas femeninas de las óperas es lo suficientemente rico y amplio que ocuparía varias tesis doctorales, de hecho alguna ya hay, fuera de España. Dicho en breve, las mujeres en el repertorio operístico o son tontas o son mártires, o son locas o son “fatales”, no encuentras una mujer autónoma, responsable e inteligente… salvo en autoras feministas, por supuesto, o excepciones gloriosas en el Barroco y el Clasicismo.

EC: Por último, la asociación Clásicas y Modernas, en colaboración con la Fundación SGAE Mujeres en la Música y Mujeres Creadoras de Música en España, publicó el año pasado el estudio ¿Dónde están las mujeres en la música sinfónica? Los datos que refleja este ensayo son estremecedores: solo el 1% de las obras programadas por las orquestas sinfónicas españolas en la temporada 2016-2017 corresponden a mujeres. Y en el caso de obras de autoría española el porcentaje es del 2%. Y en este periodo sólo el 5% de los directores de orquesta son mujeres. ¿Hay algún estudio similar sobre el papel que juegan las mujeres en la música moderna: industria musical, composición, festivales, etcétera?

MM: Supongo, que por música moderna te refieres a la música popular, pues precisamente AMCE (Asociación Mujeres Creadoras de Música en España) que aglutina a compositoras sinfónicas y modernas, ha participado en el estudio que mencionas y además, el próximo jueves 13 de febrero, presentará una exposición (fotografías y vídeos) con los testimonios de muchas de estas protagonistas en el Centro Cultural Conde Duque, en su Biblioteca Musical.

Será por la tarde y confío en que asistan muchas de estas creadoras con sus testimonios, que a menudo son bastante escandalosos; todo es mucho más descarado que en los medios profesionales de la música académica, donde como ya he dicho las mujeres a lo largo de la Historia, ni siquiera existimos, seguimos sin referentes femeninos, seguimos enseñando composición a nuestras alumnas bajo el canon exclusivamente masculino y así es difícil que ellas quieran seguir adelante con la profesión, eso por un lado, y por el otro las compositoras, en la actualidad, seguimos siendo la excepción… que confirma la regla.

https://www.marisamanchadotorres.com/

El próximo 30 de marzo a las 19.00 horas este libro será presentado en la Sala Gayarre, del Teatro Real, en un acto en el que intervendrán Begoña Lolo, Catedrática de la UAM y Académica de Bellas Artes de San Fernando, Juan Ángel Vela del Campo, crítico musical y colaborador de El País y Amelia Valcárcel, Catedrática de la UNED, Consejera de Estado.

Leyendo a Katchadjian tenemos la certeza de que se puede escribir una novela que no lo parezca, pero que, a pesar de todo, lo siga siendo

Acertijo:
– Alberto es una momia.
– A Lenin lo momificaron.
– Lenin escribió ¿Qué hacer?
– Alberto me va a decir qué hacer
Solución: Alberto es una momia.

Salvo que, más allá de este juego de correspondencias, no hay solución al acertijo de esta novela, que presenta el interrogante de su título un tanto atenuado, como si la pregunta se disipara al leerla.

Qué hacer (sin interrogantes y sin Lenin de por medio) se escribió en 2006 y lo primero que se piensa cuando llevamos un par de capítulos leídos, lo que no equivale a más de cinco páginas, es que nos encontramos ante un juego. Después, a medida que avanzamos, descubrimos que lo lúdico teje una red de referencias sobre las que se sustenta un relato de trapo, un trapo viejo que en ocasiones deja entrever la tramoya de la escenificación. Luego, nos adentramos en la reflexión.

Dejaré una cita:

“Alberto me dice: todo está ahí pero sólo puede verse la mitad. (…) ¿Cómo podría saberse que lo que se ve es la mitad de algo, es decir, que no es simplemente algo completo que tiene apariencia de mitad de algo? (…) La conclusión a la que llegamos es la siguiente: sean mitades de algo o cosas completas, el hecho de que se presenten como mitades hace que la otra mitad cobre existencia”.

Leyendo a Katchadjian tenemos la certeza de que se puede escribir una novela que no lo parezca, pero que, a pesar de todo, lo siga siendo. Lo que une su narración son los referentes que traviesan cualquier texto de ficción y que unen el argumento. Muchas veces, en general en las novelas, no se ven, ocupan la categoría de símbolos o incluso son utilizados de manera efectista por el escritor para suscitar algún afecto (no efecto) que se desvanece tan pronto como pasamos a la siguiente página.

Las frases son rápidas, las acciones se suceden y transportan al lector y a los personajes de un espacio a otro de manera trepidante; la clave, en esta novela de poco más de cien páginas, es la acumulación y la repetición. Su estructura es musical: un mismo motivo, o una misma nota, que se va repitiendo, produciendo un ruido distinto y similar en el oído del lector, que reconoce los elementos y los vuelve a absorber. Su memoria es trastocada. No se sabe a dónde se dirige la narración hasta que se alcanza la idea de que ha tomado una trayectoria circular, pero un círculo que se va ampliando en su movimiento, hasta que la fuerza centrífuga es tan fuerte que lector se ve arrastrado a su interior y, al acabar, se da cuenta de que está en el ojo del huracán.

Alberto y el narrador son profesores de una universidad inglesa. Un alumno les hace una pregunta que no saben contestar. Después, el alumno trata de devorarlos. El alumno es muy alto. Huele a trapo. Hay ochocientos bebedores. Alberto es una momia.

Y así sigue.

Los lectores de este libro podrían reproducir fragmentos parecidos a este. Katchadjian nos enseña un lenguaje y luego nosotros, los lectores, podemos hablarlo. Podría escribirse una tesis entera sobre este libro. Se trataría del diccionario que nos ayudaría a movernos por sus páginas. Leerlo, sin embargo, y hasta aprenderlo de memoria, solo nos ayudaría a comunicarnos mediante fragmentos. Un fragmento tras otro y ni rastro de la totalidad. Dar vueltas en torno a la pregunta de qué hacer y llegar a la conclusión de que no lo sabemos, de que, si existe una mitad invisible, habrá que imaginársela, vivir como lo hacen estos personajes. Y Alberto y el narrador son centauros: medio cuerpo fantástico y medio cuerpo mundano. Y esta novela no es nada más que eso: un ejercicio de imaginación dividido también en dos partes: la del escritor y la del lector. Dos centauros.

Qué hacer
Pablo Katchadjian
Barcelona, Hurtado & Ortega Editores, 2019

“La novela recorre la periferia. Quiero demostrar que en los polígonos pasan cosas”

Conversación de la autora con Queralt C. Cerezuela

La periodista y escritora Anna Ballbona (Montmeló, Vallès Oriental, 1980) acaba de ganar el 5º Premio Llibres Anagrama de novela, de literatura en catalán, con No soc aquí. La entrevistamos cuando apenas se había anunciado la concesión del galardón.

No soc aquí es una historia sobre los lenguajes familiares, aquellos automatismos de los cuales bebemos cada día y que nos construyen y nos destruyen a partes iguales como seres humanos. Se trata de una novela construida a partir de la voz de Mila y sus circunstancias personales concretas. Una vida que se muestra a partir de unos lenguajes familiares aprendidos. «Un artefacto literario que funciona de una manera exacta y perfecta», destacó el jurado del premio Anagrama.

El escenario puede ser cualquiera: un pueblo a media hora de Barcelona, encajonado entre la autopista y los polígonos industriales. «Ahora que espera una criatura, Mila intenta entenderlos motivos de la extrañeza que la ha acompañado desde siempre, un estar y no estar, una cierta perplejidad ante los mismos orígenes», se puede leer en el resumen de la novela, que también trata sobre la distancia social y la necesidad de aceptar y entender los lugares de origen. A partir de una mirada irónica, Ballbona construye y deconstruye una Mila en momento de revisión. La escritora y periodista se dio a conocer con Joyce i les gallines (Anagrama) y también ha cultivado la poesía.

¿De dónde surge No soc aqui? Dice que la acción podría tener lugar en su Montmeló natal, pero eso no ocurre. Y tampoco es una autoficción. 

La novela versa sobre la extrañeza en relación a la herencia familiar; la extrañeza de alguien hacia el mundo del que procede y de los propios orígenes. El personaje principal anda con esta extrañeza, que le acompaña en todo momento. La cuestión de la extrañeza y qué hacemos con aquello que nos han legado ha sido una de mis obsesiones desde siempre. La idea de esta novela surgió en 2014, cuando participé en una estancia en una residencia de escritores en Estados Unidos. Allí pude conversar con diferentes autores, dramaturgos y traductores sobre el tema de la familia; me di cuenta que todo el mundo hacía lo que podía, con aquellos legados familiares, aquellas herencias que nos quedan. Cada persona las gestiona como puede. Me di cuenta de que quería y que tenía que escribir sobre esta cuestión y que era importante confrontar el mundo de Mila, un mundo hecho de mundos que rechinan y de unas maneras de hacer muy anteriores en el tiempo, con otras extrañezas.

¿Por qué dice que en la novela ha intentado salir de los estereotipos de los extrarradios?

Es importante recalcar que los barrios, los polígonos y los pueblos de No soc aquí no tienen nombre, no están ubicados en ningún lugar en concreto. Quiero que el lector se fije en aquello que le estoy describiendo y que no llegue a esta periferia con una idea preconcebida. Quiero demostrar que en los polígonos, que existen de muchos tipos, pasan cosas y que forman parte del entramado urbano.

Mila, la protagonista de la novela, es la primera universitaria de su familia. ¿Tiene la voluntad de abordar el elemento de clase en el libro?

Sí, el desclasamiento es un elemento importante de la novela, que se ve sobre todo en la segunda mitad del libro, cuando Mila va a la universidad y hace un Erasmus en París. Es cuando ella se da cuenta del desclasamiento y de la distancia social que existe entre aquellas personas que vienen de familias universitarias y ella misma. Es cuando toma conciencia de la distancia social y como esto la ha condicionado a lo largo de su vida. Sin embargo, Mila también intenta encontrar el valor y la fuerza del mundo del que viene, un mundo modesto y pequeño. La novela es un viaje para darse cuenta de la fuerza que tienen aquellos orígenes y de las cosas buenas que le han dado.

¿Cómo ha hecho para huir del mundo de los clichés, de esta periferia a menudo maltratada a base de estereotipos?

El mundo particular de Mila hace que no te aproximes con clichés, puesto que todo su bagaje familiar ya escapa del cliché. Además, se recorre la periferia a partir de su mirada, con lo cual los espacios quedan naturalizados. Mila explica la memoria personal e íntima que guarda del polígono y de otros espacios. Esto es importante, porque el lector hace suyo el espacio a través de las vivencias de la protagonista.

En el libro utiliza mucho la ironía. ¿Qué imagen transmite del mundo rural?

Pienso que la ironía pertenece a una manera de mirar de la cual no siempre soy consciente. Hay cosas que no he escrito de manera irónica, pero se han interpretado como tales. En el libro realizo una mirada muy poco romántica del mundo rural porque lo he conocido de cerca. Mi protagonista ha conocido un mundo rural indómito y sin manías; un mundo pragmático e incluso retrógrado. No se idealiza, pero quiere huir del lugar común, romper con él y lo he intentado hacer desde el respeto y el viaje de la protagonista.

Hace cuatro años quedó finalista del Premio Anagrama y finalmente esta vez ha ganado el galardón Premio Llibres. ¿Era importante para usted ganarlo?

Este premio es importante, sí. Hace cuatro años, el hecho de ser finalista me permitió publicar mi primera novela. Es un premio con cinco años y un jurado potente detrás. Con una casa -una editorial- que me da mucha confianza. También estoy contenta de que la novela se haya leído como yo pretendía que se leyera, que esto a veces no pasa.

Una parte del libro lo ha escrito en l’Acadèmia de les Bones Lletres, gracias a la Beca Montserrat Roig. ¿De qué manera ha influido esto en el proceso de creación de la novela?

Ha sido fundamental poderme encerrar durante un tiempo a escribir, estar conectada con aquello que quería decir. En esta novela en concreto, hay muchas cuestiones de lengua, por lo tanto necesitaba tener en todo momento toda la novela en la cabeza. Esto te lo permite un encierro como ese.

Nota: esta entrevista ha sido publicada previamente en Públic.

Y ya estamos en la nueva década, nuevo año y nuevo invierno. Tanta novedad se ve reflejada en la oferta cultural, expositiva, que fluye a lo largo y ancho de la península y las islas.

No hemos prestado mucha atención últimamente a la Comunidad de Aragón. Vamos a intentar quitarnos “la espina” recomendando una exposición de la artista Teresa Ramón en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura “Pablo Serrano” de Zaragoza.

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TERESA RAMÓN. La jaula se ha vuelto pájaro
Del 6 de noviembre de 2019 al 29 de marzo de 2020
IAACC PABLO SERRANO martes a sábados 10:00 a 14:00 h y de 17:00 a 21:00 h
Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 h, Lunes Cerrado
ZARAGOZA

Premio Aragón Goya 2015, Teresa Ramón hace referencia en esta muestra a la lucha continua de las mujeres que, como ella, siguen rompiendo su jaula, y que, como artista y mujer, son obligadas a demostrar su valía día a día.

La exposición de la artista oscense abarca su creación desde los años 2015 a 2019. Los cambios personales durante este período quedan reflejados en su obra, como testimonio emocional de los mismos.

Comienza el recorrido con obras de gran formato donde el laberinto es el hilo conductor. Un laberinto que recorre el personaje de una mujer rodeado de figuras antropomorfas. Esta obra titulada “Petra K”, pintada hace ya 20 años, sigue mostrando una rabiosa actualidad. Una sociedad cuyas contradicciones sociales y políticas se han incrementado en la última década, con especial énfasis en el proceso de liberación femenino. La búsqueda de una salida de ese laberinto es una invitación a la esperanza.

A lo largo del recorrido expositivo se pasa de formatos grandes a otros más pequeños e intimistas. Entre estos está la obra titulada “Proceso de una resurrección”. A raíz de un momento muy crítico familiar, su proceso de realización fue todo un ejercicio de superación del dolor.

Tras “Crónicas de un laberinto”, la exposición finaliza con un inmenso mural cuyas dimensiones impresionan tanto como su título, en francés: “Le Jeu de Vivre” (“El Juego de Vivir”).

Una vez más el arte creado con intensidad y cercanía emocional nos hace más humanos.

Si pasan por Zaragoza hagan lo posible por pasar a ver la obra de Teresa Ramón.

Anudar el espacio. Donación Aurèlia Muñoz
Del 24 de octubre de 2019 a abril de 2020
Museu Nacional D’Art de Catalunya Sala 76 (Art Modern II)

Hablando de arte, hagámoslo del arte textil. Aurèlia Muñoz (Barcelona 1926-2011) fue una especialista en llevar el trabajo con los textiles y tapices a la categoría de lenguaje artístico.

La familia de la artista acaba de donar al MNAC siete obras textiles y una colección de dibujos que están siendo exhibidas en el museo desde el pasado mes de octubre.

Casi al mismo tiempo de inaugurarse “Anudar el espacio” en el MNAC, en el tercer piso del Museo de Arte Moderno de Nueva York, MOMA, se exponen dos piezas de la artista adquiridas hace un año a su familia. «Esfera y Plomos» de 1969 y “Ente Social” de 1976 han dado el salto más internacional de Muñoz al ser reconocidas como obras de arte extraordinarias en un formato que, gracias al tesón y maestría de Aurèlia,  hoy brilla con luz propia en la Meca del Arte Contemporáneo.

Señalar que la pieza realizada en textil y yute denominada “La Fuente de la Vida” de 1966, y que también está en la exposición, está siendo objeto de un proceso de Crowfunding para poder quedarse en el Museo y ser propiedad pública. Esto nos testimonia el reconocimiento y cercanía de la obra de Aurèlia Muñoz, una artista polifacética (macramé, Patchwork, tapices) que ha elevado el lenguaje textil a la categoría de arte de vanguardia.

Antonio Saura: Mentira y sueño de Franco
Fecha: 19.02.2020 > 17.05.2020
Círculo de Bellas Artes de Madrid - Sala Goya 
Horario: Martes a domingos 11:00 > 14:00 17:00 > 21:00 Lunes cerrado

Antonio Saura (1930-1998), cofundador del grupo El Paso (1957-1959) junto con otros relevantes artistas de la Vanguardia de Posguerra, durante el periodo 1958-1962 realiza una serie de dibujos que denominó “Mentira y sueño de Franco: una parábola moderna” de clara inspiración en los aguafuertes que Picasso creó para ser vendidos, durante la Exposición Universal de 1937, en el Pabellón de la República. Asimismo, estos 41 dibujos se emparentan con “Los Desastres de la Guerra”, algunos de los cuales están siendo mostrados en la magnífica, y extensa, exposición de los dibujos de Goya, en el Museo del Prado hasta el 16 de febrero.

Era obvio que dada la cronología de la realización de la obra, ya que al dictador le quedaban unos 15 años de vida y mando, ésta estuvo aparcada en un cajón hasta algunas décadas posteriores.

Por primera vez se exponen los 41 dibujos en un único continuo. 

La temática, como es de imaginar dado su exilio en cajones profundos (fue encontrada la carpeta que los albergaba por sus familiares, en su estudio de París), hubiera provocado un terremoto en el mundo de la cultura cuyas consecuencias para el autor eran, dramáticamente, predecibles. De todos ellos, ácidos y mordaces sin límites, la representación de las fosas comunes donde descansan los muertos del bando derrotado, de triste actualidad por su constante bloqueo para poder llevar a cabo su exhumación, impone por su simbolismo sin censura.

Con múltiples referencias de la época, los dibujos nos confirman la huella que en los artistas del interior dejó todo lo que se vivía y sentía durante la posguerra. Ese “Tiempo de Silencio” en medio de un erial social.

Y recuerden que podrán disfrutar de la Exposición de las dos pintoras “Sofonisba Anguisola y Lavinia Fontana” en el Museo del Prado de Madrid hasta el 2 de Febrero.

Que ustedes lo disfruten.

Hay momentos sublimes, noches de fuego, campos inmensos, la confirmación de que para transmitir el miedo y la nada a la que debían enfrentarse los soldados basta con un espacio devastado en que abundan el silencio y el vacío.

1918 marca un punto de ruptura en Europa, es la fecha del comienzo de la decadencia moral y espiritual de una cultura entera que desde entonces tratará de reconstruirse en una operación casi de cirugía estética similar a las que se realizaban a algunos soldados después de esa fecha, a los que se reconstruía el rostro y se colocaban prótesis en el lugar de los miembros amputados. Es también el final de lo que Eric Hobsbawm llamó siglo largo, que culminó en una guerra que partió en pedazos nuestra cultura.

Un año antes de esta fecha, en 1917, que es también el título de la película, dos soldados británicos reciben la misión de alcanzar a un destacamento de 1600 hombres que está a punto de caer en una trampa planeada por los alemanes y que acabará en masacre y carnicería. En abril de ese año, es plena primavera, las flores de los cerezos cubren el suelo como si se tratara de una nieve suave y colorida, y los soldados continúan esperando “La Gran Ofensiva”, ese momento de ruptura que les permita ganar la guerra y volver a tiempo a casa para celebrar la Navidad.

El triunfo de la película en los Globos de Oro ha sido notable, y viendo la película se comprende la razón de este éxito. Las interpretaciones son admirables, así como los escenarios. Más allá del rigor histórico y una historia que mantiene en vilo al espectador hasta el final, hay momentos sublimes, noches de fuego, campos inmensos, la confirmación de que para transmitir el miedo y la nada a la que debían enfrentarse los soldados basta con un espacio devastado en que abundan el silencio y el vacío. Como la imagen que tomó Roger Fenton en la guerra de Crimea (1853-1855) en que, para resumir una batalla, y debido a lo trabajoso de transportar todo el equipo fotográfico de la época, decide fotografiar un cráter que había abierto la artillería.                  

El argumento está bien trenzado, pero los diálogos a veces caen en una épica un tanto fingida que complementa el mensaje patriótico anglosajón al que estamos acostumbrados en este tipo de películas. Sin embargo, hay también momentos en los que los personajes dialogan sobre aspectos que, en un primer momento, parecen no tener importancia, incluso poéticos, pero que acaban siendo los que mejor explican la naturaleza de su aventura y del conflicto. Este efecto es completo en lo que atañe a los escenarios y las imágenes más potentes. No se ve ninguna bandera, pero la recreación del paisaje bélico y humano es perfecta. A esto se suma el uso del punto de vista, que consigue que el espectador descubra el espacio que lo rodea al mismo tiempo que los personajes.

Por último, hay que poner el foco de atención en el doblaje de la película, francamente deficiente. Hay ocasiones en los que los dos protagonistas están de espaldas y no se sabe quien habla, ya que las voces son tan impersonales que cualquiera de ellas valdría para cualquiera de los actores. Se recomienda, por lo tanto, ver la película en versión original. Persiste la sensación, después de verla doblada, en que te has perdido algo y que no has disfrutado de las interpretaciones tanto como lo podrías haber hecho.

En cualquier caso, 1917 consigue recrear excelentemente el horror y el sinsentido de una guerra que cambiaría para siempre la sociedad europea. La película permanecerá en la memoria del espectador como un enorme cráter del que no se puede ver el fondo.

El eco de los aplausos

El documental que cuenta la sorprendente historia de las pelotaris, un grupo pionero de mujeres deportistas

Conversación con Guillermo Luna Orobón

Hasta la Segunda República, en el año 1933, las mujeres en España no tuvieron derecho al voto. Discriminadas en todos los ámbitos de la vida, pública y privada, la presencia de las mujeres era prácticamente invisible en todos los ámbitos de la vida cultural, política, económica social, deportiva, artística… Pero hubo excepciones. Uno de estos casos, que ha permanecido prácticamente desconocido, es el de un grupo de mujeres, las pelotaris, que en la primera mitad del siglo XX se convirtieron en las primeras profesionales del deporte español y mundial.

La sorprendente historia de estas mujeres está narrada en el documental El eco de los aplausos de Guillermo Luna Orobón, producido por Oboe films. En esta película aparece un grupo de juveniles noventañeras, las raquetistas, que rememoran su juventud dedicada al juego de pelota, un deporte protagonizado mayoritariamente por hombres.

En Espacio Crítico (EC) tenemos la oportunidad de conversar con Guillermo Luna, quien confiesa que este trabajo ha representado un antes y un después en su vida.

EC: ¿Cómo fue esa revelación de tu abuela, una de estas pioneras, que te llevó a indagar y contar la increíble historia de estas mujeres?

Guillermo Luna (GL): Mi abuela era una gran amante del deporte. En algunas ocasiones hacía referencia al hecho de haber jugado en un frontón con público y de manera profesional, pero nadie parecía darle importancia. Yo pude vivir con ella unos años, y creí que hacerle una entrevista podría darme pistas sobre un período fascinante de la historia de mi familia. Gracias a ella pude vertebrar un relato que nos acerca a la mujer en el franquismo a través del auge de un deporte y el orgullo de unas mujeres tan aguerridas como especiales.

EC: Parece increíble que en esos años fueran tan modernas, pero lo sorprendente es que lo son aún en la época actual, por su forma de hablar, sus opiniones, su convicción de que tienen derecho a hacer lo que quieran, de que no tienen por qué estar sometidas, su naturalidad. ¿Cómo se inició su relación con la pelota, cómo se hicieron profesionales? 

GL: La mayoría estaban en el lugar correcto en el momento adecuado, eran chicas jóvenes, con buenas aptitudes físicas y que vieron la posibilidad de ayudar económicamente en casa. Las más veteranas, las que compartieron frontón con las “fenómenos”, debutaron nada más acabar la guerra, con un país literalmente devastado. Era la época de las cartillas de racionamiento. Aportar un jornal era oro para la familia, y ellas lo hacían con gusto y valentía. Después de un período de “ensayos” en el mismo frontón (en la pelota no hay partidos, hay funciones, y no se entrena, se ensaya), que se prolongaba entre 6 meses y un año, debutaban, y pasaban a jugar entre 20 y 40 partidos mensuales, lo que suponía un gran esfuerzo.

EC: Las raquetistas aparecieron en los años 20 del siglo pasado en el País Vasco. En 1929, promovido por Ildefonso Anabitarte se inaugura el frontón Madrid en la capital de España. Y en pocos años se despierta una expectación increíble por el juego femenino de pelota. ¿A qué crees que se debió este éxito?

GL: El exotismo de un juego que llevaba a chicas solamente ataviadas de una raqueta a un frontón, que es un marco impresionante, deslumbró a un público ávido de emociones, ya que el país salía de un período triste como es una guerra. La lista de ciudades con programas femeninos es inmensa. A esto podemos sumar otras razones. La primera es el innegable atractivo de la apuesta. En aquella época era, junto al hipódromo, el único lugar donde se permitía. También se destaca en la prensa de la época la belleza de un juego que combina habilidad y plasticidad con el conocimiento de la pareja rival. En Madrid, las raquetistas se convirtieron en el mayor espectáculo de pelota.

EC: En tu película aparecen también mujeres pelotaris que no son españolas. ¿En qué países se ha desarrollado más el juego de pelota por parte de mujeres?

El juego femenino se exportó a muchos países: Cuba y México fueron las principales plazas, pero también llegaron a Filipinas, EE.UU y Argentina. Hoy día, el deporte de paleta, que podemos decir es el sucesor de la raqueta con pelota de cuero, es enormemente popular en estos países.

EC: Dices también que Fernando Larumbe, que fue campeón mundial de pelota en 1970, te sirvió para la documentación de tu película, ¿cómo ha sido esta colaboración?

GL: Sin Fernando no habría podido desvelar la importancia que este deporte supuso tanto para las raquetistas (fue él quien me dio la mayoría de contactos) como para la historia de este deporte, hoy tristemente olvidado. Fernando lleva más de 40 años recopilando información, documentación, testimonios… una bitácora que podría figurar perfectamente en un museo del deporte, y dónde la mujer tiene un papel muy importante. He tenido la suerte de encontrar a un investigador, y hoy un gran amigo, que trabaja conmigo una historia que los organismos oficiales han decidido despreciar. En cuanto al método de trabajo, ha sido muy fácil. La voluntad de un trabajo sencillo, íntimo en la medida de lo posible, ha sido enormemente facilitado por la empatía, la generosidad y el amor que siente por el deporte y las raquetistas, amor que procuré transmitir en imágenes.

EC: Larumbe ha trabajado codo con codo con asociaciones como Madrid Ciudad y Patrimonio por salvar el frontón Beti Jai, cuya restauración comenzó con el anterior equipo de gobierno municipal de Madrid. ¿Crees que se recuperará el juego de pelota vasca y que la apertura del nuevo Beti Jai puede ayudar al juego de las mujeres en estos tiempos feministas?

GL: Ese es el objetivo que defiende la “Plataforma Salvemos el Beti-Jai” como algunas más, defender el espacio y la historia de un deporte que ha dado mucha alegría y satisfacción a mucha gente. En un momento donde las opciones de practicar deporte están dirigidas por grandes patrocinadores y tendencias que se alejan a veces del deporte, está bien recordar cómo éramos hace apenas unos años y cómo ellas también disfrutaban y hacían disfrutar con bonitos partidos de un espectáculo considerado como único. Sólo el tiempo dirá si la pelota volverá a sonar.

Nota: El documental está disponible en el enlace a continuación:

https://vimeo.com/296673864/5c4242a2ed

En 1937, el Servicio Español de Información de la Segunda República, estando en Rocafort (Valencia) a su salida de Madrid, encargó a Antonio Machado un opúsculo sobre la defensa de Madrid. Se publicó ese año con fotografías de Joaquín Cortés y Ramón Llanes.

Ediciones del Azar ha rescatado este facsímil, que contiene un importante valor cultural, histórico y sentimental.

Agradecemos a Ediciones del Azar su amabilidad al permitirnos la reproducción de estos fragmentos.

MADRID, BALUARTE DE NUESTRA GUERRA DE INDEPENDENCIA

7-XI -1936  ——-  7 – XI – 1937

ANTONIO MACHADO

I

¡Madrid, Madrid ¡qué bien tu nombre suena,
rompeolas de todas las Españas!
La tierra se desgarra, el cielo truena,
tú sonríes con plomo en las entrañas.

Madrid, 7 de  Noviembre de 1936

VII

Madrid, el frívolo Madrid, nos reservaba la sorpresa de revelarnos, a tono con las circunstancias más trágicas de la vida española, toda la castiza grandeza de su pueblo. En los rostros madrileños, durante unos días de seriedad, vimos a España entera en su mejor retrato. Madrid, frunciendo el ceño oportunamente, había eliminado al señorito y ya podía sonreír otra vez.

El enemigo  –los traidores de dentro y los invasores de fuera– se iba poco a poco aproximando a Madrid. La aviación enemiga multiplicaba sus asesinatos monstruosos de los inermes y los inofensivos: de enfermos, de ancianos, de mujeres, de niños. El cielo otoñal madrileño, con sus nubes de plata y sus lluvias ligeras, tan alegre antaño, tan hospitalario y acogedor cuando nos anunciaba los días del renacer de la vida ciudadana, la vuelta de los escolares a sus estudios, la reapertura de sus centros de solaz y cultura, era ahora una constante invitación a la blasfemia, a una blasfemia que los combatientes no proferían. Madrid había recobrado su sonrisa a pesar de todo, expresiva ahora de una ironía mucho más honda. Madrid había llegado a una plena conciencia de su grandeza y de su soledad, quiero decir que Madrid se sentía a solas con España, con lo más hondo y perdurable de su raza, con ese ímpitu español que no mienta a la patria, porque es la patria misma, y que, cuando otros la invocan para traicionarla y venderla, acude a defenderla y a comprarla con la propia sangre.

Valencia, 7 de Noviembre de 1937

Existe un tipo de literatura que retuerce el realismo, atraviesa la fantasía y llega hasta la ciencia ficción, en busca de una profundidad en sus textos que es también la profundidad del mundo que intenta describir. Y esto lo hace mediante la acumulación de géneros, historias conectadas más por temas o imágenes que por los elementos de la trama y, sobre todo, echando mano de metáforas y premisas que, en el caso de Yuri Herrera (Actopan, México, 1970) llegan a conformar una vasta red de ficciones en que cada cuento es un intento conseguido de lograr aquella profundidad. Lo más llamativo para el lector, sin embargo, es esa manera de construir la historia que consigue hacer sentir cercano lo fantástico, incluso lo que parece habitar muy lejos en la imaginación o en una región inexplorada del universo.

¿Qué ocurre cuando nuestra imagen del mundo no encaja con la realidad? ¿Cómo nos enfrentamos a una evidencia imposible, pero que, sin embargo, contemplamos ante nuestros ojos? Puede que la mejor manera de averiguarlo sea leyendo este libro de cuentos, Diez planetas, en que nos encontramos con personajes fascinantes que van desde una bacteria que cobra conciencia de su propia existencia, pasando por una especie de lector de narices o un escritor extraterrestre de El Quijote, a una secta que cree que la Tierra es plana o un investigador que pertenece a una sociedad en que todos se ocultan o, por lo menos, no pueden ser vistos.

Cada cuento se lee con la misma tensión con la que se ve un capítulo de Black Mirror, aunque aquí el juego es literario y se acerca inteligentemente a lo filosófico. Y es que cada uno de los textos que componen este libro guardan en su interior la semilla de la reflexión que el lector deberá desenterrar y tragarse cuando lea el libro. Con guiños al escribiente de Melville o a alguno de los cuentos de Borges, Yuri Herrera integra con elegancia una tradición literaria que es también la de muchos lectores: la de lo real más allá de los sentidos, la de la profundidad, la del asombro.

Dan muchas ganas de continuar leyendo a Yuri Herrera y, de hecho, es algo que podemos seguir haciendo. Diez planetas ha sido publicada por Periférica en 2019, editorial que también ha publicado novelas de este autor con títulos tan sugerentes como Señales que precederán el fin del mundo (2010) o La transmigración de los cuerpos (2013).

La  figura de María Lejárraga, nacida un 28 de diciembre, es una de las máximas representantes del feminismo español.

María Lejárraga es el personaje principal de la obra de teatro En el nombre de María (https://www.delfoteatro.com/en-el-nombre-de-maria), que fue representada dentro de la celebración del Marzo Feminista en Chamberí en El Espacio de Igualdad María Zambrano.

La obra habla de la maestra, escritora, editora, traductora y activista política María de la O Lejárarraga García, que aunque tuvo una dilatada producción literaria, no llegó a firmar con su nombre ninguna de sus obras, apareciendo su marido Gregorio Martínez Sierra, como autor. Por razones, que, podríamos decir, son propias de los roles de género, –asignados e impuestos cultural y socialmente para la mujer y para el hombre–, donde la inferioridad intelectual de la mujer se da por descontada, ya que a hombres y mujeres se les atribuye socialmente tareas diferentes: la mujer en tareas de cuidados y labores domésticas y el hombre en un papel público e intelectual; Martínez Sierra era quien firmaba sus libros, desde los inicios de María Lejárraga como escritora.

Su paso por algunos países europeos, a raíz de una beca, le puso en contacto con ideas y luchas por el socialismo; así conoció algunos espacios propicios para la charla y el debate, que contrastaban con la realidad establecida para las mujeres en España y sus espacios totalmente limitados a los terrenos privados y domésticos.

Más que narrar aquí el contenido de la obra de teatro, quisiera dejar patente que reúne en poco más de una hora, no sólo la historia de María, sino un contexto, el español al inicio del siglo XX, en el que las mujeres tenían interiorizado (esto aún, no ha desaparecido) su papel de subalternidad al hombre, tanto en la vida pública, como en su actividad intelectual de escritoras. En María este papel fue evolucionando, hasta hacer un discurso y una práctica activista destinada a crear una conciencia en las mujeres, llegando a actuar y a comprometerse públicamente para lograr objetivos feministas, a pesar de que se había mantenido en la penumbra, sin duda por la relación amorosa con su marido.

Su figura como una de las máximas representantes del feminismo español, es indiscutible; así como es destacable su participación en algunos de los grandes ejes de los combates de las feministas del siglo XX: el derecho al voto, por la plena igualdad legal entre hombres y mujeres, por tener un papel público de incidencia social y política.

Es relevante el papel tanto de María, como de otras mujeres, durante el periodo de la II República, cuando llegó a ser diputada socialista y participó creando espacios donde las mujeres defendían valores feministas y republicanos, espacios también utilizados para actividades culturales.

En la obra, la música de piano en vivo no sólo ha servido como ambientación para las diferentes etapas personales e históricas de la vida de María, sino para reivindicar también, a otra de las mujeres olvidadas de nuestra historia de la música: María Rodrigo Bellido (coetánea de María Lejárarraga y con quien colaboró), pianista y compositora, importante del cambio de siglo XIX-XX, a quién se le atribuye la primera ópera española hecha por una mujer. En este contexto es de anotar que María Lejárarraga, escribió el libreto que daba argumento a la partitura de El amor brujo de Manuel de Falla, con quien tuvo una relación de colaboración y amistad. Realizó varios libretos musicales con otros músicos destacados de la época.

Es importante, que dentro del ámbito teatral, se restablezca el papel de muchas mujeres, que por su condición de género, han sido invisibilizadas en la historia; este ha sido el caso de En el nombre de María, que con un buen trabajo de investigación, tanto de la vida personal, como de la actividad política y de la obra literaria de María de la O Lejárarraga, pone de relieve su figura, y nos acerca a su trascendencia intelectual y como activista para lograr derechos básicos de la época.

El teatro como el cine, puede sacarnos de la zona de confort, para romper las barreras que nos rodean y lograr, que salgamos con una visión mucho más amplia, para conquistar nuevos horizontes…

ENTREVISTA CON CARLOTA SUBIRÓS

La dramaturga, directora teatral y traductora Carlota Subirós reivindica el feminismo como una revolución poliédrica, en constante evolución.

La actividad de Carlota Subirós (Barcelona, 1974) es imparable: escribe, dirige, da clases y lee, lee mucho. Todo ello la ha convertido en un referente de la dirección escénica teatral. Sus montajes atrapan el público. Seguramente porque trabaja con el tipo de textos que tienen la capacidad de transformar a quien los lee, textos capaces de plantear cuestiones incómodas.

El último montaje de Carlota Subirós ha sido GRRRLS!!! Manifestos feministes del segle XX y XXI, una pieza que reúne fragmentos de textos y manifiestos que forman parte del movimiento feminista (desde Virginia Woolf hasta la poeta Gloria Anzaldúa, entre otras muchas).

Para esta dramaturga, directora teatral y traductora que fundó con Oriol Broggi La Perla 29, el feminismo es una revolución poliédrica y en constante evolución. Una lucha que reivindica una “habitación propia», pero también “patios comunitarios”.

¿Cómo surgió la idea de construir GRRRLS!!! Manifestos feministes del segle XX y XXI?

Este proyecto nació hace tres años en el marco del Instituto de Humanidades, un centro de pensamiento y reflexión del CCCB que tiene una línea de trabajo muy activa en torno al feminismo. En 2016, para celebrar el cuarenta aniversario de las primeras ‘Jornades catalanes de la dona’ me propusieron hacer una lectura dramatizada de textos. Para mí fue un gran espacio de aprendizaje, y a pesar de tener recursos limitados fuimos más allá de lo que sería una lectura. El propio material nos desbordó. Buscábamos textos de los años 70 y encontramos manifiestos y textos anteriores, posteriores… Y ahora a raíz de la exposición Feminismes, me propusieron retomar aquello y yo dije que sí, pero ahora después de tres años y de la expansión del feminismo había que ir más allá. Ha sido muy bonito descubrir el legado de la generación anterior y ahora que el feminismo está muy potenciado pienso que es bueno recoger textos tan contrastados.

http://www.laplaneta.cat/ca/programacio/c/1116-grrrls.html

¿Qué reflexiones le han surgido después de haber llevado a escena todos estos discursos feministas?

Como que los materiales no provienen del territorio escénico o teatral y son textos que tienen que ver con la trayectoria vital y profesional de unas mujeres de épocas y contextos muy diferentes, hay un posicionamiento específico en esta pieza que de alguna manera está un poco fuera del territorio dramático convencional. En cierto modo es un espacio de aprendizaje, es una toma de conciencia y una herramienta para afilar la mirada. Todas las luchas están conectadas, no puedes entender la lucha feminista si la desconectas de las luchas de clase o por temas raciales, económicos y sociales. Todas las formas de opresión están conectadas, por lo tanto todas las formas de respuesta lo tienen que estar. Y no lo había previsto, pero la mayoría de textos hablan de la necesidad de las mujeres de tener una voz propia, de poder tomar posición y tomar la palabra.

Las mujeres con poder de decisión tampoco se ven con frecuencia en el mundo del teatro, ¿verdad?

En esto no avanzamos, creo que es transversal. En el mundo del teatro, a pesar de que es evidente que el porcentaje de mujeres espectadoras es más alto, a pesar de que hay más mujeres que estudian y hacen teatro, la representatividad de las mujeres en las estructuras de poder y de decisión está descompensada hacia la otra parte.

Después de haber leído tantos textos relacionados con el feminismo y de recoger algunas de las dificultades de las mujeres que luchan por la causa, ¿cómo valora la salud de la libertad de expresión?

Vivimos tiempos muy complicados y muy duros. Una parte positiva de este contexto es que muchas cosas han salido a la luz, y mucha gente toma conciencia de cosas que quizás teníamos relativizadas y que de golpe se ven con mucha crudeza. Es evidente que existe un triunfo del cinismo en una esfera pública muy potente, y esto cuesta de creer y de digerir. Incluso cuesta saber cómo reaccionar y cómo luchar porque te sientes anonadada. Todos nos tenemos que afilar. Son tiempos de alta exigencia. Se ven venir panoramas muy oscuros y no solo en cuanto a la libertad expresión, sino también en cuanto a los derechos fundamentales; y no solo hablo de Catalunya, sino también de España y de todo el mundo.

Una habitación propia de Virginia Woolf es uno de sus referentes capitales, ¿qué otros destacaría?

Virginia Woolf es un referente fundamental. Y en este proceso de construir GRRRLS!!! he descubierto a la poeta Gloria Anzaldúa que tiene una reflexión preciosa en respuesta al feminismo blanco y burgués, que dice “escribe en la cocina, enciérrate en el baño. Escribe en el autobús o mientras haces fila en el Departamento de Beneficio Social (···) Mientras lavas los pisos o la ropa escucha las palabras cantando en tu cuerpo”. Esto es una crítica pero también un homenaje y una superación de lo que decía la Woolf y es muy bonito ver como las voces y las diferentes procedencias enriquecen el discurso. Como por ejemplo lo de “Menos cuartos propios y más cuartos comunitarios” de la filósofa y escritora dominicana Yuderkis Espinosa. Vas encontrando un conjunto de ideas muy activas que te invitan a una lucha constante.

¿Por eso considera que el feminismo es una revolución constante que puede transformar las cosas?

Rebecca hace un elogio del activismo. Es evidente que el cinismo y la violencia triunfan, pero no podemos hacer hincapié en esto porque tu experiencia vital sería muy oscura y estéril, pero, si lo adaptas a tu esfera, puedes conseguir cosas, aunque sean pequeñas, y mejor esto que nada. Esto lo dice Rebecca Solnit en Hope in the dark. La vivienda propia y la independencia económica todavía hoy están por garantizar. Lo que resulta esperanzador es la defensa de una manera de vivir.

Quizás hay quién piensa que el feminismo es una moda.

Cuando los discursos son tan genéricos es bueno que existan unas ideas claves y esenciales pero existe el peligro de simplificar, y todavía peor, de banalizar. El feminismo puede llegar a ser una moda o una poso y me parece importante reivindicar la riqueza y la diversidad de este movimiento, que tampoco sé cómo decirlo, porque la palabra se queda corta. Por eso es importante amplificar el discurso y conectarlo con muchos ámbitos del conocimiento.

¿En qué proyecto está trabajando?

Ahora tengo un proyecto enorme que me hace mucha ilusión. La adaptación del Cuaderno dorado de Doris Lessing. Lo estoy haciendo para el Teatre Lliure y se estrenará el 5 de marzo en la sala Fabià Puigserver. En el 2006 leí esta novela y me impactó profundamente y tengo un deseo brutal de transmitir lo que ella quería decirnos.

(Entrevista publicada en catalán en Públic).

En el marco de la Cumbre Social por el Clima (Diciembre 2019 – Madrid), tuvimos la ocasión y el placer de charlar con Leo Heller, Relator Especial de Naciones Unidas sobre el Derecho Humano al Agua potable y al saneamiento (DHA). En nuestra charla surgió una pregunta de calado:

Existe un derecho humano de primera generación, cuya consagración data del siglo XVIII, que ha sido mantenido en la actual Declaración de Derechos Humanos y es reconocido legalmente en todas las legislaciones del mundo; de él derivan acciones jurídicas expeditivas que pueden ejercerse en casi todas las jurisdicciones, incluyendo la jurisdicción penal, y goza en la práctica de más protección que el Derecho Humano a la Vida y que el Derecho Humano a la Libertad, situándose por encima de cualquiera de los derechos denominados de segunda y tercera generación[1], como son el Derecho Humano a la Salud, el Derecho a una Vivienda Digna y, por supuesto, también por encima el Derecho Humano al Medio Ambiente seguro, limpio, saludable y sostenible[2]. Se trata del Derecho Humano a la Propiedad. Pues bien, la cuestión es: al hilo de la reflexión sobre un movimiento, también de carácter mundial, que lucha por el reconocimiento del Derecho Humano al Agua y que exige que los servicios de potabilización y saneamiento del agua estén disponibles y sean accesibles, seguros, aceptables y asequibles para todas las personas, sin discriminación alguna ¿podemos exigir que este derecho tan fundamental, tan importante para la vida, obtenga una protección legal e institucional similar a la que goza el Derecho Humano a la Propiedad? ¿Es posible obtener esa protección sin añadir su propia exigibilidad a la ristra de exigencias que le atribuimos ya al DHA?”

Lo que a finales del siglo XIX Veblen llamaba “la cultura pecuniaria” hoy lo denominamos la “cultura del lucro”[3]. El lucro constituye una de las reglas axiomáticas del Capitalismo que, desde el principio entra en clara confrontación con la declaración de los Derechos Humanos -salvo con el Derecho Humano a la Propiedad, que sustenta y ensancha el lucro-. Una vez reconocido socialmente y liberado de cualquier obstáculo moral, el lucro se asocia a la gestión de dinero, bienes y servicios públicos (también, por supuesto, a los que están adscritos a la gestión del ciclo urbano del agua), por lo que, cuando el lucro no puede extraerse legalmente -mediante ingeniería institucional-, su ánimo fomenta e impulsa prácticas corruptas e ilegales como la malversación, el cohecho o el tráfico de influencias, llegando al punto en que las empresas más corruptas vienen a ser, también, las más lucrativas[4]. En consecuencia, la propiedad sin ánimo lucro es, para nuestro sistema, una manifestación de cobardía y pereza, que se expresa de manera semejante a como se expone en la Parábola de los Talentos:

«Si sabías que cosecho donde no sembré y recojo donde no esparcí, debías haber entregado mi dinero a los banqueros. De ese modo, al volver yo, habría cobrado lo mío con los intereses. Quitadle, por lo tanto, el talento y dádselo al que tiene los diez talentos. Porque a todo el que tiene se le dará y le sobrará, pero al que no tiene, se le quitará hasta lo que tiene»[5].

La información privilegiada, sumada a la presencia y la discrecionalidad así como a la huida del derecho público en los lugares donde se adoptan las decisiones políticas, es también hoy requisito sine qua non para la generación del lucro. Todas ellas, a la vez, están íntimamente ligadas al advenimiento de grandes corporaciones transnacionales que hoy se extienden como una mancha de grasa en la captación y gestión de dinero, bienes y servicios públicos, como el que se ocupa del ciclo urbano del agua. Si a todas ellas se suman la opacidad en la gestión y el desconocimiento por parte de la ciudadanía de la existencia de prácticas y redes clientelares que posibilitan el lucro, tenemos el cártel servido que reduce o elimina definitivamente el control público por parte de las instituciones, y “no es sencillo arrojar plena luz sobre la financiación ilegal llevada a cabo de manera clandestina o bajo la forma de contratos simulados […]”[6].

Tal es el caso de las inversiones realizadas con ánimo de lucro por sociedades anónimas en los servicios públicos del sector -admitiendo que, cuanto más “anónima” es una sociedad más lejos estará de los controles y garantías del derecho público-, donde se mezclan actuaciones corruptas e ilegales con operaciones legales, lucrativas y dañinas, contribuyendo a afianzar el camino que siguen otras empresas, incluso estatales y autonómicas, en su estrategia jurídica de confusión de titularidades y gestión -publica/privada- para dificultar al máximo las inspecciones y el control, y alejar a la ciudadanía del «lugar» donde el capital público se mezcla y se transforma en privado.

Hoy en día el conflicto se expresa en las dificultades o la imposibilidad de acceso al agua y al alcantarillado, en los costes y en los cortes del suministro, en la opacidad de su gestión, en la falta de interés por garantizar una buena infraestructura, en la reducción del patrimonio público y en la fragmentación y deterioro del territorio. La dinámica de este fenómeno se puede sintetizar así:

Ánimo de lucro + ingeniería institucional + desregulación + discrecionalidad + información privilegiada + redes clientelares + captación y gestión del servicio público + opacidad en la gestión + descontrol público + impactos ambiéntales + impactos en la salud + subida de tarifas + cortes + denegación de acceso al agua =>lucro + corrupción.

Por tanto, las cuestiones a resolver son las siguientes:

1) ¿Con qué acciones jurídicas contamos para denunciar y prevenir este fenómeno y sus efectos?

2) ¿Es posible que el Derecho Humano al Agua potable y al saneamiento sea un derecho efectivamente exigible, del que deriven acciones jurídicas que puedan ser ejercidas por las personas naturales ante los tribunales ordinarios, con plena legitimación y gratuidad? Es decir, ¿puede el Derecho Humano al Agua potable y al saneamiento llegar a ser tanto o más protegido que el Derecho Humano a la Propiedad (y el lucro) de los accionistas de las empresas que la gestionan?

Creemos que sí… En lo primero estamos.

Liliana Pineda es abogada y presidenta de Attac en Madrid

Notas:

[1] http://www.corteidh.or.cr/tablas/r28614.pdf.

[2]https://www.ohchr.org/SP/Issues/Environment/SREnvironment/Pages/SRenvironmentIndex.aspx.

[3] Citado por José Manuel Naredo en “La Taxonomía del lucro”, Siglo XXI, 2019, Madrid, 2011, pp. 39-44.

[4] Oscar Carpintero “Corrupción y beneficios empresariales”, Papeles de Relaciones Ecosociales y Cambio Global, No 135, 2016 pp. 25-37.

[5] Biblia de Jerusalén, Desclée de Brouwer (Edición Española), 4ª edición, Bilbao, 2009, pp. 1457-1458.

[6] Javier Pradera, citado por Alberto Vannucci en “Poder, derecho y corrupción”. Ed. Siglo XXI, México, 2011, p. 103.

Noemí López Trujillo es periodista, escritora, feminista; es mujer, vive en España y es joven. Lo que es igual a decir que sufre la inseguridad laboral (ha pasado por las redacciones de varios medios), la discriminación por ser mujer, la incertidumbre que depara el futuro y, como ella dice, una precariedad que “es vital y atraviesa nuestros cuerpos”. En 2017 obtuvo el premio de Periodismo Joven sobre Violencia de Género que otorga el INJUVE y en la actualidad escribe (generalmente) sobre temática social y siempre desde el punto de vista de vista de las mujeres. Hace un par de meses ha publicado en la editorial Capitán Swing  El vientre vacío, con prólogo de María Sánchez.

Lourdes Lucía de Espacio Crítico (EC) conversa con ella.

EC: Buenos días, Noemí. En primer lugar, enhorabuena por este libro. No es un libro cualquiera. Es un texto breve, 120 páginas, pero muy intenso, hay que pararse una y otra vez a reflexionar sobre lo que dices. Porque impacta, no te deja indiferente. Hablas sobre el miedo a tener hijos que tenéis las mujeres de tu generación, pero también del miedo a no tenerlos (Un escenario donde plantearse tener hijos da pánico. Pero no tenerlos, cuando lo deseas tanto, también). Tú dices que ya no existe la posibilidad de predecir cómo serán vuestras vidas en el futuro porque la precariedad ha dinamitado esa posibilidad. ¿Crees que hay salida a esta incertidumbre? ¿Está todo perdido?

No, no lo creo. Darlo todo por perdido sería una cesión al caos propio del individualismo. Yo creo que hay muchas personas organizándose y esforzándose para intentar que el Estado del Bienestar no se vaya del todo al traste, para intentar sostener las estructuras construidas. Si lo diésemos todo por perdido no habría nada por lo que luchar, mi libro siquiera tendría sentido. Me quejo porque creo en un mundo mejor. Y desde ese ejercicio de fe, construimos. Darlo todo por perdido, según qué narrativa, sería casi un lujo o un privilegio.

EC: En una entrevista que hiciste para TVE (La aventura del saber) dices que el título del libro viene por un sueño que tuviste (“Cada vez más imagino mi vientre vacío. Como una tumba a la que algún día llevaré flores”) y liga con un verso de María Sánchez, comentas que  muchas mujeres de tu generación tenéis la sensación del hueco, de ese vacío, de la imposibilidad de algo. Después de escribir un texto tan intenso, tan dolorosamente necesario, ¿cómo te sientes?

Creo que escribir sobre una misma es algo así como practicar el canibalismo. Mi escritura se alimentaba de la miseria propia. Y lo que más me aterraba era no sentir ese miedo que durante años he experimentado y no poder aterrizarlo en palabras. Ahora estoy haciendo la digestión de todo eso, así que no pienso mucho en cómo me afecta emocionalmente.

EC: Hablas en el libro, y lo recoge también Diana Oliver en una entrevista que te hizo para El País, de lo que le escuchaste a Rafaela Pimentel, una activista defensora de los derechos de las trabajadoras domésticas: “El feminismo que se centra en romper el techo de cristal es insuficiente cuando hay limpiadoras que ni siquiera están dadas de alta en la Seguridad Social”, ¿no crees que a veces, también en el feminismo, se ven los problemas desde una situación privilegiada?

Claro, el género y la clase son cuestiones intímamente ligadas. De ahí la potencia del movimiento feminista, de esta cuarta ola a la que asistimos, que es transversal e interseccional: son las mujeres más precarizadas (como las mujeres migrantes o las mujeres trans) quienes están construyendo los discursos más transgresores y están haciendo que el movimiento evolucione. No es que antes no lo hicieran, porque el movimiento siempre ha pertenecido a ellas, pero la hegemonía se visibilizaba y se construía desde el privilegio. Una vez que se han alcanzado ciertos consensos, nos damos cuenta de la enorme deuda que tenemos con compañeras a las que hemos arrebatado espacios.

EC: Últimamente se habla mucho de la Renta Básica Universal, ¿crees que una medida de este tipo mejoraría la situación y podría contribuir a la estabilidad que se necesita para planificar el futuro?

No tengo una opinión formada sobre la Renta Básica Universal. A priori me parece una buena idea, pero no tengo la suficiente información como para relacionar esta medida con lo que expongo en el libro, ni si mejoraría la situación o podría contribuir a la estabilidad. Desde luego necesitamos un gobierno progresista que legisle con perspectiva feminista y que saque adelante propuestas de corte social.

EC: Insisto en que en tu libro no sobra nada, hay que pararse en cada frase. Me parece muy buena esa descripción que haces del paro, viendo cómo, en diferentes etapas de tu vida, iba aumentando la fila de personas que aguardaban su turno ante la oficina de empleo. Es una imagen muy gráfica de las consecuencias de la crisis. Hablas aproximadamente del año 2009. ¿Crees que en estos diez últimos años ha cambiado algo? ¿Qué?

Han cambiado las expectativas: parece que ya no aspiramos a vivir mejor, sino a tratar de mantener lo logrado -en cuestión de derechos-. Y eso es muy peligroso para el progreso: si tenemos que recuperar las luchas pasadas y defender lo que pensábamos que ya se había conseguido, no progresamos, sino que nuestros esfuerzos van dirigidos al mantenimiento. Eso nos sitúa en un estado de latencia permanente donde es muy difícil evolucionar.

EC: Hablamos todo el tiempo de maternidad, pero ¿qué hay de los hombres, de la paternidad?

Bueno, ese es un discurso que deben construir ellos. Esto de que nos pregunten a las mujeres “¿y qué hay de los hombres?”, “¿qué opinan de esto los hombres?”, “¿cómo les afecta?” -como si fuese también nuestro trabajo crearles el mensaje más adecuado- no me convence, no me parece justo. La realidad es que gran parte de los hombres no se preocupa sobre si será demasiado tarde para su cuerpo cuando quieran ser padres, la paternidad apenas les penaliza en el mercado de trabajo, y no hay una narrativa tan bestia del “mal padre” como sí la hay de la “mala madre”. Así que la reflexión de cómo todo esto les interpela es su trabajo. Tenemos que combatir esta imagen de la madre salvadora que sabe dónde se ha dejado el chiquillo esa sudadera que tanto le gusta y que no encuentra entre tanto desorden porque así es ella, omnipresente y atenta a los detalles. Ese rol que se traslada al feminismo, según el cual somos espeleólogas de lo masculino también: siempre con la respuesta perfecta, siempre entregadas a la causa.

EC: Uno de los temas que planteas en el libro es el proceso de mercantilización de la congelación de óvulos. Sobrecogen las páginas que dedicas a contar las experiencias de mujeres que han tenido que pedir créditos, que se han endeudado para congelar sus óvulos con el deseo de ser madres un día. ¿Crees que se ha creado un negocio con la maternidad?

Sin duda. Las clínicas de reproducción asistida han sido inteligentes y han visto que aunque la maternidad se estaba imposibilitando, muchas mujeres iban a hacer todo lo posible por ser madres. Así que han puesto precio a nuestros deseos y a nuestros miedos. Esto, además, es bueno para el Estado porque aquí se ha descargado parte de la demanda que tenía que asumir la sanidad pública. Pero las listas de espera son incompatibles con la vida y con los proyectos vitales.

EC: Todo lo que dices en el libro es evidente, yo lo veo clarísimo. Sin embargo, leí después de la entrevista que te hizo Carlos Ansina en Onda Cero varios comentarios de personas que te habían escuchado:

Comentarios: Menos seguridades tenían nuestros padres, y todos hemos salido. La problemática de esta sociedad es la falta de compromiso o quizá la falta de confianza en la vida. Un hijo te trae una energía, que te irías al fin del mundo para conquistar la Patagonia si fuera necesario. Fuera cobardías.

Me parece que esta chica refleja perfectamente uno de los grandes paradigmas de la juventud española… Le echa la culpa a otros de las cosas que no están bajo su control.

Mis padres también tuvo [sic] 9 hijos. 4 chicos y 5 chicas. Fuimos muy felices. Entiendo que son diferentes tiempos, pero yo creo que hoy en día esta generación es muy cómoda. Yo tengo 52 años, 3 hijas y 1 hijo. 5 nietos y un bisnieto. Y me siento plenamente feliz con mi maravillosa familia. Todos vivimos en el mismo barrio y somos como una piña.

¿Te sorprenden este tipo de comentarios? ¿Crees que vivimos en una sociedad muy insolidaria, demasiado individualista?

No me sorprenden y en cierta forma los entiendo. Creo que uno de los discursos que más ha calado en las últimas décadas es el del “si quieres, puedes”, esta lógica del “hombre hecho a sí mismo”. Y creo que mucha gente que hace este tipo de comentarios tienen un sesgo del superviviente brutal: si a mí me ha funcionado, significa que a los demás también; y si no les está funcionando, es que algo estarán haciendo mal. Este sesgo del superviviente nos hace interpretar la realidad con unos códigos asentados en el esfuerzo, el talento propio y lo merecido, en vez de en la suerte, el privilegio y la desigualdad. Es casi una historia que nos contamos a nosotros mismos, un relato enunciado en positivo, que nos permite enorgullecernos de lo logrado desquitándonos la responsabilidad de actuar sobre los mecanismos que permiten que haya una sociedad desigual.

EC: Por último, siempre pienso que un libro, un ensayo como es este caso, debe servir para comprender mejor el mundo en el que vivimos, debe ayudarnos para transformarlo, ¿piensas que El vientre vacío está sirviendo para este fin?

Creo que de alguna forma sí, pero porque dialoga con obras y textos que otras mujeres han escrito o están publicando recientemente. Sinceramente, no le busco tanto la utilidad o la productividad a la obra, no la escribí por eso. La escribí porque mi editora y yo pensamos que es un relato importante el de las consecuencias de la crisis, de cómo la violencia económica impacta en nuestros deseos (impacta de muchas maneras, esta es una de ellas). Y pensamos que quizá habría mujeres que se podrían sentir identificadas.

Por último muchas gracias, felicidades de nuevo y quedamos a la espera de tu próxima obra.

La escritora brasileña Marcia Tiburi, exiliada en París, explica que Jair Bolsonaro representa una sociedad sin diálogo, enferma e ignorante. “Tenemos que anteponer la ética y la honestidad, que al final es lo que todo el mundo espera de los representantes públicos”, afirma en entrevista realizada en Barcelona.

BARCELONA, 1 diciembre 2019

En pocos años diversos intelectuales y activistas de izquierda se han visto obligados a abandonar Brasil después de denunciar las maniobras de la ultraderecha para lograr el poder. La antropóloga Debora Diniz, el diputado Jean Wyllys o el escritor Anderson Francia son un ejemplo. También es el caso de la filósofa y escritora Marcia Tiburi, víctima de un continuo linchamiento por parte del Movimiento Brasil Libre (MBL), del actual presidente Jair Bolsonaro. Exiliada en París desde noviembre de 2018, Tiburi es toda una referencia entre el feminismo y la izquierda transformadora.

Su último libro, Cómo conversar con un fascista. Reflexionas sobre el autoritarismo de la vida cotidiana (Akal, 2018), constituye una guía para entender el actual sistema dictatorial y neocolonial que el Ejecutivo de Bolsonaro pretende imponer en connivencia con la oligarquía y con los Estados Unidos. A pesar de la tristeza de ver Brasil desangrarse de forma tan terrible, Tiburi (Vacaria, 1970) confía en aquellos sectores que se esfuerzan para construir una nueva sociedad en la cual predomine la ética de la política y la defensa de los derechos humanos. Aprovechamos su visita a Barcelona para hablar con ella sobre la situación en el Brasil.

Ahora hace un año se fue del Brasil a raíz de las amenazas de muerte que recibió por sus postulados feministas y antifascistas. ¿Cómo vive esta situación?

Tanto psicológicamente como económicamente es duro. Pero los activistas -y en mi caso también- somos conscientes del papel que jugamos y miramos de llevarlo lo mejor posible, además de que en París puedo continuar escribiendo sin problemas.

Precisamente, el 3 de octubre pasado, la capital francesa concedió al expresidente Luiz Inácio Lula da Silva la distinción de ciudadano de honor. ¿Su excarcelación abre una luz a la esperanza?

Demuestra que se utilizó la mentira para encarcelarlo. El nuevo ministro de Justicia, Sérgio Moro, conocido por varios casos de corrupción, estaba detrás de esta operación, hasta que el Tribunal Superior canceló el proceso esgrimiendo que no hay pruebas que lo incriminaran. Igual que no había pruebas para incriminar Dilma Rousseff, pero a raíz del golpe de estado contra ella el 2017, Brasil ha acontecido un estado fascista en el cual la democracia está suspendida de facto.

¿Bolsonaro ha dejado la democracia en papel mojado?

Bolsonaro, Moro y el resto del Gobierno forman una mafia criminal que, de la mano del ejército y con el apoyo de Estados Unidos, practica el terrorismo de Estado. Repite la estrategia urdida en la década de los 70 por los Chicago Boys -del cual el ministro de Economía, Paulo Guedes, era miembro- con el objetivo de colocar dictaduras capitalistas en toda América Latina. Y este modelo, diseñado para que banqueros y multinacionales saqueen los recursos con absoluta impunidad, se impone mediante una maquinaria de propaganda basada en la mentira y la demonización de la izquierda. Así es como se ha levantado al poder.

¿En qué consiste exactamente este sistema de propaganda?

Exacerba el miedo para que la población vea como una amenaza al extranjero, a las feministas o a los pobres. Unos “otros” a quienes hay que eliminar porque, según este discurso, ponen en riesgo la vida y la seguridad del país.

¿Se trata de un discurso maniqueo y endemoniado?

Se rodea de teorías obscurantistas, propias de personas enloquecidas, destinadas a suprimir cualquier brizna de alternancia y la perspectiva socialista según la cual hay otro mundo en el que todos y todas podemos convivir de forma justa y armónica.

¿Se busca deshumanizar al individuo?

Se le reduce a un simple productor-consumidor, a quien se le clasifica como superior o inferior, deseable o indeseable, digno de vivir o indigno de vivir. Es decir: “o eres de los nuestros o podemos eliminarte”. Así de sencillo, de aquí el hecho que los más perseguidos sean los defensores de los derechos humanos.

¿En qué medida este sistema de pensamiento bebe del nazismo y el fascismo de los años 30?

Absolutamente. Su puesta en escena es igual de agresiva, grotesca y se ayuda de la religión pentecostal, que conecta con la población más carente de formación y cultura. Tal como hacían Hitler en Alemania o Mussolini en Italia, se proporciona un mensaje que atiza el odio contra la izquierda, los inmigrantes, los indígenas y la intelectualidad crítica, a quien el mismo Bolsonaro prometió que perseguiría.

En su último libro, Cómo conversar con un fascista. Reflexiones sobre el autoritarismo de la vida cotidiana, califica esta estrategia de “colonialismo intelectual”. ¿A qué se refiere?

Es la colonización del pensamiento, de la cual también es responsable la élite intelectual de Brasil. Y es que la mayoría del mundo académico está poco politizado y ante el intento del ministro de Educación, Abraham Weintraub, de destruir la enseñanza pública, no ofrece ningún tipo de respuesta. Es verdad que el miedo amedrenta y paraliza a la comunidad educativa, pero ésta tendría que aprender a luchar y no lo hace.

Algunas voces también acusan a los anteriores gobiernos del Partido de los Trabajadores (PT) de haber incurrido en políticas que han allanado el camino para el resurgimiento del fascismo. ¿Está de acuerdo?

Personalmente no creo que el PT de Lula da Silva y Rousseff cometiera muchos errores. Sacó de la pobreza y garantizó la educación a la población más desvalida. De todas maneras, es cierto que no supo combatir adecuadamente algunos casos de corrupción y dejó que la derecha manipulara a las masas a base de vender la idea de que vendría un mesías a salvarnos de todos los desastres.

¿Con el empuje de los medios de masas ha tenido suficiente?

Lo explico en el libro Ridículo Político (Recuerdo, 2017). A través de los medios ha construido el mismo escenario de teatralización que había catapultado al poder a Silvio Berlusconi y después a Donald Trump. Insisto: se trata de utilizar determinados rituales y lenguajes cargados de mentiras para quitar a la ciudadanía su capacidad de pensar, dudar y tener un pensamiento libre. En definitiva: una colonización mental que después da pie a la colonización institucional.

¿Cómo se puede deconstruir este teatro de la mentira?

Considero que existen dos vías. Por un lado, que el neoliberalismo no entre en nuestras vidas, puesto que esto nos atomizaría todavía más como individuos. Y, a la vez, organizando un movimiento de resistencia que hable de política y se ocupe de ella, con la perspectiva de ser hegemónico. Y el diálogo es parte inherente de esta lucha, lo cual significa empoderar a la gente para que actúe de manera responsable.

¿Tenemos que reivindicar la ética en las formas de actuar?

Sin ética no tendremos una política ética; que pasa por empatizar con el otro, entenderle y compartir un camino con él. Ante un Bolsonaro que representa una sociedad sin diálogo, enferma e ignorante, tenemos que anteponer la ética y la honestidad, que al final es lo que todo el mundo espera de los representantes públicos.

¿Hace falta un líder progresista que encarne estos valores?

Lula da Silva los representa, pero si en un futuro queremos ensanchar la democracia, no hará falta la devoción al líder, porque el diálogo vendrá de la gran cantidad de personas que producen maneras de vivir e intervenir diferentes.

¿El feminismo puede contribuir a este cambio democrático?

Sin duda. Frente a la violencia y las ideas racistas, machistas y capitalistas de Bolsonaro, el feminismo reúne todos los valores antagónicos: la solidaridad, el pacifismo, la convivencia, los cuidados y el respeto a los derechos humanos.

Goya. Dibujos. «Solo la voluntad me sobra»

Museo Nacional del Prado. Madrid 20/11/2019 - 16/02/2020  

Y en esto llegó Goya.

Justo a los doscientos años de la apertura del Museo del Prado y como colofón de los actos de conmemoración de la efemérides: GOYA, el maestro que vivió la creación del Museo de las Colecciones Reales, que habría de ser Museo Nacional y la institución posiblemente de mayor prestigio y reconocimiento internacional de nuestro “goyesco” país.

No se sabe si el pintor pudo asistir a la apertura del museo, aunque desde el principio los retratos ecuestres del rey Carlos IV y su esposa la reina María Luisa colgaron de las paredes del edificio de Villanueva.

Hoy ciento treinta y tres pinturas y medio millar de dibujos conforman el patrimonio de obras del pintor que posee el museo. De hecho, podemos afirmar que entre la Plaza de Neptuno y la Glorieta de Carlos V de Madrid se encuentra la más extensa colección de obras del Genio de Fuendetodos.

Desde el 20 de Noviembre de 2019, en la zona de exposiciones temporales, se exhiben 325 dibujos de Goya, de los cuales 80 proceden de préstamos de museos y colecciones particulares.

Dividida en secciones y temas, se necesitarán una gran voluntad, tiempo y fortaleza para ver con detenimiento este “testimonio del testimonio” del gran pintor y escritor que fue, y siempre será, Don Francisco de Goya y Lucientes.

Cronológicamente la exposición se divide en 15 secciones, correspondientes a los comienzos del artista, los distintos cuadernos (A,B, C, F, E, D G y H), dibujos en cartas a Martín Zapater (amigo de la infancia), Sueños, Caprichos, Desastres de la Guerra, Tauromaquia y Disparates.

Si cronológicamente la exposición es interesante, por temas no queda a la zaga. Así podemos hacernos a la idea de la valentía y grandeza del personaje por dar testimonio, sin ambages, de la periferia de una sociedad cuyos desechos humanos, comportamientos pacatos, supersticiosos y con excesiva frecuencia desbocados, no son más que un reflejo de las excrecencias sociales de una nación enferma de desigualdad, con sus desastrosas consecuencias. Retratos, Tópicos Goyescos (Majas, Brujas y Toros), Multitud, Violencia, Violencia contra la mujer, “Acostumbrados a  mirarlas solo como nacidas para nuestro placer” y Vejez: este inventario que nos retrata, por sí mismo, la intensidad de lo que se pone delante de nuestros ojos sin ningún tipo de censura.

En carta a Joaquín María Ferrer en diciembre de 1985, desde el exilio en Burdeos, finaliza Goya con una frase intensa y reveladora: “Agradézcame usted mucho estas malas letras, porque ni vista, ni pulso, ni pluma, ni tintero, todo me falta, y SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA”.

En conversación entre los dos comisarios de la exposición, José Manuel Matilla y Manuela Mena, en un vídeo introductorio a la misma, Matilla comenta: “Estoy seguro de que alguien que entre en el Museo del Prado y vea la exposición, cuando salga por la puerta va a ser una persona distinta”. Por experiencia propia les puedo asegurar lo acertado del comentario.

Una vez más el Prado hace gala de su “savoir faire”como custodio y expositor.

Que todos celebremos los primeros 200 años de la Institución y los que han de venir.

https://youtu.be/BRYYqoevsKM

Exposición ‘Surrealista’, de Lee Miller

La Térmica. 
Avenida de Los Guindos 48, Málaga.
Del 14 de noviembre de 2019 hasta el 26 de febrero de 2020.

Lee Miller Penrose (Nueva York 1907, East Susex, Inglaterra, 1977) por encima de todo fue una extraordinaria fotógrafa surrealista. Con algunas circunstancias profesionales que podríamos considerar similares a las de Dora Maar, esta fotógrafa polifacética -trabajó para Vogue como modelo y posteriormente como corresponsal en la Segunda Guerra Mundial (en el Reina Sofía de Madrid hay en su colección una foto tomada por ella de civiles y soldados estadounidenses en el Campo de Buchenwald, Alemania)- se convirtió en una de las figuras más reconocidas y admiradas de la fotografía del Siglo XX.

Su vida fue todo menos mediocre, al igual que su obra. Mujer de una inusitada belleza sufrió de muy pequeña una violación que, sin duda, la marcó para el resto de su vida. Así y todo su enorme creatividad y talento la llevó a ser asistente de ManRay hasta el punto de que alguna de las fotografías de la época de colaboración entre ellos fueron, en realidad, creaciones de la misma Lee.

Paul Eluard, Miró, Cocteau y Picasso formaban parte del círculo de amigos de su época parisina. De hecho en la película “La sangre de un poeta” de Cocteau ella interpretaba a una estatua que cobraba vida.

Cuando Pablo Picasso conoció a Lee Miller quedó profundamente impresionado por la belleza y personalidad de la fotógrafa hasta el punto de pintar seis retratos de la misma. La amistad continuó ya que la pareja de Miller, y futuro marido, Robert Penrose, estableció una estrecha y fiel amistad con el pintor malagueño. Penrose fue quien se movió para que el mural Guernica, una vez terminada la exposición de Paris de 1937, viajara al Reino Unido en 1938.

Miller y Robert Penrose jugaron un importante papel en el desarrollo del movimiento surrealista británico. La mayor parte de los artistas que integraron las filas del movimiento surrealista colaboraron con ambos.

Durante la etapa de corresponsal durante la Segunda Guerra Mundial las imágenes que enviaba Miller tenían una mirada especial entre certera y provocadora, una mirada propia surrealista. Nada más surrealista que una guerra, que los totalitarismos.

Terminada la guerra regresa a su trabajo, siempre con esa mezcla de surrealismo y humor como en los retratos de Max Ernst, Henry Moore y Dorothea Tanning, artista de la que parte de su obra ha sido exhibida recientemente en el Museo Reina Sofía de Madrid .

Una exposición de una de las artistas más reconocidas y atrevidas del Siglo XX.

Una artista atrevida.

https://www.latermicamalaga.com/actividades/exposicion-surrealistas-lee-miller/

Regresamos a ese imán del arte que es Madrid.

JörgImmendorff (1945/2007). La tarea del pintor

30 octubre, 2019 – 13 abril, 2020  
Museo Centro de Arte Reina Sofía
Edificio Sabatini, Planta 1

Conocido y muy reconocido en Alemania el Reina nos regala una retrospectiva de casi cien obras -pinturas, esculturas y dibujos- del artista contemporáneo alemán Jörg Immendorf.

Considerado neoexpresionista, Jörg Immendorf es directo en su expresión. El arte ha de llegar al pueblo por lo que no recurre a las tendencias que son consideradas una rama del mercado -Pop, minimal- cuyo núcleo se encuentra en el mercantilismo anglosajón.

Sus orígenes beben de las consecuencias sociales y políticas fruto de las revueltas del ’68.

Sus primeras pinturas se basan en la tradición medieval por la cual el arte es pedagogía para el pueblo. En las primeras salas pueden verse imágenes con textos explicativos y una forma de pintar muy simple y directa.

En su denuncia por la libertad personal, tanto del artista como de la sociedad se posicionó por una solución que pudiera superar la falta de libertad que se experimentaba en la RDA, visible claramente en algunas de sus obras donde el muro estaba bastante presente. El arte sería una de las herramientas que ayudarían a superar la situación, el trauma, de Alemania.

En 1978 inicia la serie de pinturas denominadas “Café Deutschland”, más vital, con abundancia de colores y menos influida por parámetros ideológicos previos. En esta serie, de la cual hay dos cuadros en la exposición, hay una abundancia de personajes históricos y contemporáneos desplegados de forma que el campo visual se proyecta desde la pared trasera del mismo.

A partir de esta etapa el arte como tal va sustituyendo al artista individual en el objetivo de compromiso y pedagogía social y política.

La última parte de la exposición está intensamente influida, su trabajo, por las limitaciones físicas y psicológicas que el diagnóstico de la enfermedad del ELA impusieron a su obra. Fallece en Abril del 2007 como consecuencia de dicha enfermedad.

Una excelente oportunidad de conocer a un magnífico artista y reflexionar sobre las causas que le movieron a generar una obra tan extensa y, una vez más, intensa. Oportunidad para mirar a Alemania con ojos de espectador curioso y sorprendido.

Benito Pérez Galdós. La verdad humana

Del 1 de noviembre de 2019 al 16 de febrero de 2020 

Desde el Prado a Recoletos dense un paseo aquellos que viven en Madrid, o lo visitan. Entren en la magnífica sede de la Biblioteca Nacional y recréense con una deliciosa y amena exposición en torno a la inmensa figura humana y literaria de Don Benito Pérez Galdós. Solo les diré que saldrán con enormes ganas de leer lo que no hayan podido leer de lo mucho escrito por él. Desearán, asimismo, releer lo que hace años leyeron y disfrutaron como los fieles a sus entregas hace ciento y algo más años. Finalmente, representen, bajo la estatua del Maestro esculpida por Victorio Macho en los jardines del Retiro, escenas como las que se representaron con enorme éxito de público y crítica por tres actrices, heroínas en sus papeles y musas teatrales en su profesión: María Guerrero, Margarita Xirgú y Matilde Moreno.

http://www.bne.es/es/Actividades/Exposiciones/Exposiciones/Exposiciones2019/Benito_Perez_Galdos_La_verdad_humana.html

Por gentileza de la editorial CLAVE INTELECTUAL reproducimos (en exclusiva) un fragmento del último libro de Bernie Sanders, CONTRA EL CAPITALISMO SALVAJE. En estos tiempos en los que, lamentablemente, crecen en la sociedad sentimientos de odio y xenofobia, reconforta oír las palabras de este gran político estadounidense.

“Estoy orgulloso de ser hijo de un inmigrante. A los diecisiete años, mi padre llegó desde Polonia sin un centavo en el bolsillo. Hace ya algunos años, mi hermano Larry y yo visitamos el pueblito donde nació y fue criado. Mientras estábamos allí, me sorprendió la increíble valentía de ese joven que –sin dinero, con poca educación y sin hablar una palabra de inglés– cruzó el océano en 1921 buscando una vida mejor.

Su historia –mi historia, nuestra historia– es la historia de Estados Unidos: personas y familias trabajadoras que vinieron a crear un futuro mejor para ellos y sus hijos. Es una historia enraizada en la familia e impulsada por la esperanza. No por nada la Estatua de la Libertad es una de nuestras imágenes más icónicas.

Desde la fundación de la nación, incalculables cantidades de personas llegaron a nuestras costas para mejorar sus vidas, escapar de la opresión y la violencia, o huir de la pobreza extrema. Más que cualquier otro país en la historia del mundo moderno, Estados Unidos modeló su identidad y carácter gracias al proceso de inmigración y las contribuciones de esos inmigrantes.

En la actualidad, más de 11 millones de inmigrantes indocumentados viven en las sombras. Más del 85% residió en Estados Unidos por al menos cinco años y muchos están aquí desde hace décadas. La gran mayoría respeta las leyes. Vinieron de muchos países por muchas razones.

Los inmigrantes indocumentados forman parte del tejido de nuestra sociedad y economía. Hacen algunos de los trabajos más duros y peor pagados. Es probable que sin trabajadores indocumentados el sistema agrícola de Estados Unidos colapsara y se produjera el rápido aumento del precio de los alimentos y la reducción de la variedad de alimentos que consumimos. Los indocumentados también son una parte integral de nuestras comunidades, ya que se ofrecen como voluntarios en las bibliotecas locales, trabajan en las asociaciones de padres y maestros y entrenan a sus hijos en equipos de béisbol y fútbol. Hoy esas familias se ven forzadas a vivir con miedo de que su situación inmigratoria sea descubierta. La amenaza de la deportación está siempre presente en sus vidas.

El Congreso debe hacer su trabajo y sancionar lo que la mayoría de los estadounidenses exige: una reforma de la política inmigratoria amplia y humana. Permítanme resumir lo que eso significa.

Primero y principal, significa crear una vía para que 11 millones de personas indocumentadas puedan convertirse en residentes permanentes autorizados y, con el tiempo, en ciudadanos.
Es hora de sacar a estas personas de las sombras y brindarles todo el resguardo de la ley.

Debería permitírseles mejorar sus vidas a la vez que contribuyen en forma más completa y justa a la economía estadounidense. Esto incluye pagar su justa parte de impuestos a la renta, contribuciones a la seguridad social, Medicare y tener la posibilidad de beneficiarse con estos programas.

El camino hacia la ciudadanía debe ser justo y no exigir tiempos de residencia muy prolongados ni tener períodos de solicitud muy restrictivos. Las multas y pagos también deben ser justos –no pueden ser tan onerosos que se conviertan en obstáculos para obtener la residencia legal–.

La reforma inmigratoria debe incluir la ley DREAM: la garantía de residencia condicional para personas que prestan servicio en las fuerzas armadas o asisten a la universidad. Es hora de aprovechar el potencial de toda nuestra juventud.

La reforma inmigratoria debe permitir a los individuos postularse para obtener residencia incluso si fueron encontrados culpables de delitos no violentos. Una condena previa por delitos no violentos no debería impedir que alguien obtuviera la residencia legal. Implementada de forma correcta, la reforma inmigratoria permitirá que las autoridades se concentren en los delincuentes violentos y no en personas trabajadoras que quieren regularizar su situación.

Reforma inmigratoria significa terminar con las arbitrarias redadas de familias de inmigrantes para su posterior deportación. También significa libertad condicional humanitaria para que los inmigrantes injustamente deportados puedan acelerar la reunificación de sus familias separadas. El programa administrado por el Servicio de Ciudadanía e Inmigración de Estados Unidos permite a un no ciudadano entrar legalmente al país por un período corto de tiempo, ante una emergencia familiar, para reunir padres e hijos o para asistir a procesos judiciales civiles o penales.

Reforma inmigratoria significa acabar en forma inmediata con las detenciones familiares. También implica promover alternativas a la detención individual, lo que permitiría que cientos de detenidos no violentos se reúnan con sus familias mientras esperan su turno en la Corte.

Reforma inmigratoria significa terminar con los centros de detención privados con fines de lucro.

Reforma inmigratoria significa mejorar las condiciones dentro de las instalaciones públicas de detención, en especial, para las poblaciones vulnerables: mujeres embarazadas, menores sin acompañante, personas LGBT y detenidos con discapacidades.

Reforma inmigratoria significa asegurar que todos los inmigrantes detenidos tengan acceso permanente a la representación legal antes y durante las audiencias, para garantizar así el debido proceso y la protección igualitaria. También significa proveer la financiación adecuada para eliminar las demoras en los tribunales y reinstaurar la discrecionalidad judicial para permitir a los jueces considerar las circunstancias particulares de cada caso.

Creo que con un fuerte liderazgo moral, podemos impulsar a nuestra nación hacia una reforma inmigratoria sensata, humana y amplia. Al hacerlo, podremos revertir la caída de nuestra clase media, equipar al país para que compita mejor en la economía global y construir a partir de la tradición nacional de aceptación de la diversidad y la diferencia en provecho del bien común”.

CONTRA EL CAPITALISMO SALVAJE RECOGE LAS REFLEXIONES DE BERNIE SANDERS SOBRE LA SOCIEDAD ACTUAL Y ALGUNAS DE SUS PROPUESTAS PARA MEJORARLA.

Bernie Sanders nació en Brooklyn (Nueva York) en 1941 y en la actualidad es uno de los políticos más interesantes y populares en Estados Unidos. Licenciado en Ciencia Política en la Universidad de Chicago y activista desde su juventud se declara «Socialista democrático». Fue precandidato a la Presidencia por el Partido Demócrata en 2016 (fue derrotado por Hillary Clinton) y nuevamente en 2020. Con la idea siempre de mejorar la sociedad de Estados Unidos y del mundo, Sanders traza en este preciso y descarnado libro un diagnóstico de las calamidades sociales que afectan a Estados Unidos, como la creciente desigualdad de ingresos (el 1% más rico de los estadounidenses posee tanta riqueza como el 90% más pobre), la brutalidad policial, la inaccesibilidad a la educación superior, el racismo o los laberintos del sistema sanitario. Además, Sanders aporta interesantes recetas destinadas a concienciar a la población, y muy especialmente a los jóvenes, de que hay que transformar el sistema antes de que sea demasiado tarde.

CONTRA EL CAPITALISMO SALVAJE
Bernie Sanders
Traducción de Eduardo Ferrauti
Clave Intelectual, Madrid, 2019

Ya son tres años, tres años de poner en práctica el acto revolucionario que supone el nombrarnos a nosotras mismas como primer paso para construir una sociedad para todas. Tres años de unir diferentes voces, comunidades, estrategias, orígenes, organizaciones, situaciones socio-económicas, administrativas y de vulnerabilidad. Tres años de asumir la complejidad de aunar sensibilidades políticas diversas que, en algunas ocasiones, chocan pero convergen en la necesidad de articular un discurso y una práctica política que ponga en el centro la vida de las negras, de las moras, de las gitanas, de las de Abya Yala, de las asiáticas, de las musulmanas, las vidas de todas aquellas personas y comunidades que no importan.

Gracias a la labor de diferentes organizaciones y personas se va comprendiendo que la lucha contra el racismo no es una cuestión ligada a sólo dialogar con la moralidad de la sociedad a la que pertenecemos. Además, ese diálogo, no se podía seguir produciendo desde los marcos en los que estaban/están mayoritariamente aceptados. Mientras desde la extrema derecha, derecha y centro-izquierda se construyen relatos que criminalizan, exotizan, deshumanizan a las comunidades migrantes y racializadas, desde sectores de la izquierda casi siempre se ha querido responder desde planteamientos que buscan hablar solamente del rendimiento económico que podemos dar a la sociedad. En definitiva, ambas posturas son profundamente colonialistas y racistas porque el sujeto migrante y racializado se construye sin que se salga del sentimiento de superioridad racial y civilizatoria y sin abordar esta cuestión desde un prisma histórico y estructural. Y, por supuesto, sin la presencia corpórea del sujeto migrante y racializado o cuando está presente es un sujeto sin conciencia antirracista, conciencia que siempre es radicalmente colectiva.

Este es sólo uno de los motivos por el que diferentes comunidades y personas migrantes y racializadas marchamos el pasado domingo. Nos hemos dado cuenta que si nosotras no impulsamos imaginarios desde los cuales construir la sociedad a la que pertenecemos, nadie lo va a hacer por nosotras. Que si nosotras no desenmascaramos las maneras en las que está presente el colonialismo interno y externo, nadie lo va a hacer por nosotras porque esta sociedad tiene una profunda amnesia colonial y no ha querido tener un debate serio sobre el carácter histórico y estructural de la hija del racismo: la raza.

La manifestación, una vez más, fue profundamente pedagógica. Desde nuestros cánticos hasta la forma en la que estábamos distribuidos era un reforzamiento de nuestras identidades desde algo tan revolucionario como es el derecho a tener memoria. Nuestros planteamientos políticos están reconfigurando absolutamente todo porque no sólo estamos abriendo nuevas vías de diálogo con la sociedad a la que pertenecemos, esto es algo más, estamos creando conciencia antirracista entre nosotras mismas para poder construir un sujeto político con personalidad autónoma que exija a este Estado: verdad, justicia y reparación para nuestras comunidades. Como dirían en Chile, estamos haciendo de la dignidad costumbre, nos estamos reconociendo fuera de la mirada colonial y racista.

Estamos imaginando una sociedad desde nosotras para confrontar aquella que se construye contra nosotras. Porque hemos entendido que no podemos hablar de democracia si hay más de cuatro millones de personas que no pueden votar, que las personas encerradas en los Centros de Internamiento de Extranjeros son presos políticos, que la Memoria Histórica son aquellas personas de nuestras comunidades que lucharon por la libertad, que no se puede llamar acoso a la violencia racista en colegios, institutos y universidades, que no son MENAS son niños y niñas de origen migrante, hemos entendido que cuando se presenta una mesa de negociación nuestras reivindicaciones migrantes y antirracistas son las primeras en quedarse fuera.

Sólo continuamos un proceso político que se abrió hace siglos. Quizás, nuestra especificidad, además del tiempo histórico y el territorio que habitamos, sea que estamos intentando impulsar un relato inter-comunitario para no dejar a nadie fuera, relato que tenga en cuenta la interrelación que se da entre la raza, el género, la clase, las disidencias sexuales, situaciones administrativas, lenguas, orígenes… Estamos asumiendo la complejidad de crear una identidad colectiva amplia que realice el conflictivo ejercicio de dialogar y desmantelar la ficción política que se creó a costa de la persecución, encarcelamiento, deshumanización, esclavización, intentos de genocidios y racialización desde la inferioridad de otros pueblos; esa ficción política que ha hecho que la extrema-derecha tenga 52 diputados, esa ficción política que en muy pocas ocasiones ha sido cuestionada, desde un marco anti-colonial y antirracista, por aquellos que dicen disputársela a la derecha. Esa ficción política llamada España.

Nombramos bajo la lluvia el origen de muchas de nuestras cicatrices para poder percibir la tierna y poderosa compañía de otras que luchan como nosotras. Otras que son las nuestras, las indígenas y afrodescendientes que llevan luchando siglos contra las elites criollas que se hicieron con los Estado-Nación para excluirlas de todo relato comunitario. La lucha en Chile, Algeria, Sudán, Bolivia, Guinea Conakry, Ecuador, Senegal, Colombia, Haití; todas las batallas que se están produciendo a lo largo y ancho del mundo y que responden a la impugnación del orden colonialista, racista y machista, están rotundamente unidas a la lucha contra el racismo y en defensa de los derechos de las personas migrantes que llevamos a cabo nosotras en el contexto español.

Nos queda un largo camino por recorrer, noto la fatiga en muchas de nosotras, sin embargo, dejemos que nos atraviese el aliento de las que están llegando y el vetusto viento de los pasos que vienen de lejos, viva la lucha antirracista, por nuestras memorias antirracistas.

Una familia formada por dos padres y dos niños viaja a Arizona. El matrimonio, inmerso en una profunda crisis, decide emprender lo que podría ser una huida hacia adelante, pero que más bien es el descenso en una realidad histórica y política con el que la autora quiere llegar a la médula de la ideología que desde su punto de vista funda Estados Unidos: racismo, disgregación, muerte, conquista y rechazo sistemático del migrante.

La novela, entonces, se lee al mismo tiempo superponiendo dos niveles que se entrelazan en la narración. Por un lado, el nivel moral. El padre lleva a la familia a iniciar este viaje con la idea de centrarse en la búsqueda de los antiguos apaches, que fueron desterrados de sus tierras y encerrados en reservas. La madre, a su vez, busca a los niños que provienen de centro América y que, después de atravesar junglas, montar en trenes bestiales y saltar muros, llegan a un desierto vasto que en ocasiones se los traga para perderse para siempre. Los objetivos de estos dos personajes, por lo tanto, buscan compartir con el lector un problema de índole política y moral que, de acuerdo con la autora, muestran la verdadera cara de Estados Unidos.

Por otro lado, nos encontramos con el drama familiar, el matrimonio que se deshace, los niños que viajan en el coche como metidos en una nave espacial o que escuchan, sin entender y entendiendo todo al mismo tiempo, las historias de apaches que les cuenta su padre o las noticias de niños desaparecidos o deportados en la radio.

Pero la novela, aunque gire sobre estos dos ejes, es mucho más. Están los paratextos: las cajas en las que cada miembro de la familia va archivando sus documentos y va formando así, como archivistas-viajeros su propio archivo personal, y en las que nos encontramos los libros, las fotos polaroid que el niño mayor toma o las grabaciones de sonido del padre. Hay también una historia paralela que la madre va leyendo a sus hijos y que después se trenza con la principal, insertando lo ficticio dentro de lo ficticio en lo real dentro de lo ficticio, mostrando quizás cual es el objetivo último de Luiselli: construir una literatura comprometida políticamente y que busca recrear sucesos de su propia vida (también ella, en 2014, viajó de Nueva York a Arizona con su familia, cuando una crisis sin precedentes de migrantes subía por América hasta llegar a la frontera de México con Estados Unidos), aunque no sería exacto describir la novela con la manida etiqueta de autoficción. Sí que hay, por el contrario, mucho trabajo de archivo, compromiso y toma de punto de vista sobre lo que es Estados Unidos y como trata a sus migrantes.

Desierto sonoro es una novela en ocasiones dura, en ocasiones tierna, estructurada de manera ordenada, con personajes que tienen objetivos claros y que empujan la narración en una dirección que todo lector puede seguir para así llegar a un final trepidante en el que los niños perdidos siguen su camino infinito por el desierto y los fantasmas de los apaches son ecos que rebotan en el corazón de América.

Una iniciativa en favor de Proactiva Open Arms

Dentro de poco se publicará Blau, un libro que cuenta la historia de las personas migrantes que huyen de la guerra y la pobreza y se juegan la vida atravesando el mar Mediterráneo. El cuento, orientado al público infantil y juvenil, está editado por la editorial Pol·lenedicions y cuenta con una campaña de micromecenazgo que ya está en marcha y que servirá en parte para editar el libro y para contribuir económicamente a la labor de la organización Proactiva Open Arms.

Podéis contribuir y convertiros en mecenas del proyecto en el siguiente enlace: https://vkm.is/blau

El cuento explica la historia de una niña y un niño que conocen a un ser que construye réplicas del fondo del mar con la basura que se va encontrando. Este ser les cantará una canción sobre los desaparecidos en el Mar Mediterráneo. El libro, ilustrado cariñosamente por Gemma Aguasca y escrito con delicadeza por Mònica Ortega y Laia Roca, esconde, como el mismo Mediterráneo, una realidad dramática.

Así, el libro quiere realizar tres denuncias que se cuentan entre las más importantes y urgentes del presente: la basura que nuestra sociedad acumula en el mar como si fuera un vertedero invisible que (como vemos en el cuento) acaba por aflorar, las muertes de migrantes de las que cada semana recibimos noticias en un goteo cruel y constante y, por último, la reivindicación de las historias de estas personas desaparecidas. Igual que ocurre en otros contextos (los asesinatos de mujeres en México o las víctimas civiles en conflictos armados como los de Siria y Yemen), cuando se acumulan los nombres de aquellas personas que han muerto o desaparecido, aumenta también su anonimato. Ya son solo nombres que van componiendo una lista. ¿Pero cómo hacer para que estos nombres sean algo más? ¿Cómo ver a las personas que las estadísticas y la actualidad acelerada ocultan? Blau consigue dar una respuesta a estas preguntas por medio de la ficción.

Y las lectoras y lectores, que también pensamos que estas preguntas son importantes, tenemos la oportunidad de participar en un proyecto que confronta de lleno tanto la alarma ecológica como la alarma migratoria y proyecta sus resultados a la gente más joven. Todo ello con un trabajo en el texto y las ilustraciones que resulta tan emotivo como necesario.

Cabe destacar también su colaboración con Open Arms, cuyos miembros también podrían componer muchas canciones como la que sale en este libro.

En definitiva, más iniciativas como Blau y más historias como esta.

Conversación con Marta Pazos, directora de escena

El próximo domingo, 10 de noviembre, se estrena en Santiago de Compostela la ópera A Amnesia de Clío, una producción de Voadora en coproducción con el Consorcio de Santiago–Real Filharmonía de Galicia, el Centro Dramático Galego y Amigos de la Ópera de Santiago, y que ha contado con la colaboración de diversas instituciones gallegas.

Una Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2017 ha hecho posible la realización de esta ópera. Compuesta por Fernando Buide, con libreto de Fernando Epelde y bajo la dirección musical de Paul Daniel, la dirección escénica está a cargo de Marta Pazos, con la que conversamos en Espacio Crítico.

Espacio Crítico (EC): No es fácil estrenar una ópera nueva, contemporánea, y menos una obra que tiene un marcado acento feminista. ¿Cómo lo habéis hecho posible? Prácticamente todo el equipo sois de Galicia ¿te has sentido como en casa?

Marta Pazos (MP): Hay mucho talento en Galicia. Sí, me he sentido como en casa. Lo decía el productor en la presentación: siento orgullo de que hayamos podido levantar un castillo como este aquí, una ópera de este tipo, enorme. Una ópera contemporánea es muy difícil de escribir, de estrenar, de poner en pie. Es importante apoyar este tipo de proyectos porque, claro que es fantástico poner en pie Aidas y Toscas, Cármenes y Otelo, etcétera, eso es muy necesario, pero es muy importante estrenar óperas nuevas que se representarán en el futuro. Y hacer así historia.

EC: La ópera se estrena el 10 de noviembre en Santiago, el mismo día de las elecciones. ¿No puede perjudicaros esta coincidencia?

MP: En absoluto. Ya tenemos el auditorio completo. Las entradas se agotaron en cuanto se pusieron a la venta. El Auditorio tiene un aforo para más de mil espectadores. Nosotros ya teníamos la fecha mucho antes de que se convocaran las elecciones. Pero a mí me parece una de esas coincidencias fabulosas, que una obra que habla de arte y política se estrene el mismo día que se celebran estas elecciones tan importantes.

EC: Clío es la musa de la historia y de la poesía épica. Fernando Buide explica que la trama arranca de una serie de personajes reales a partir de los cuales se construye una especie de distopía. El personaje femenino está inspirado en diferentes mujeres fuertes del siglo XX, que se convierten de alguna manera en Clío.

MP: Así es, pero tengo que matizar que  la idea de la ópera es de Fernando Epelde, él es el autor de la historia.

EC: Me comentaste este verano, la última vez que nos vimos, y también lo he leído en varias entrevistas tanto en prensa escrita como en la radio que habéis pensado en Cicciolina como personaje principal. ¿Es así?

MP: No, no es exactamente así. Esa fue la primera idea, pero por diversas circunstancias que no vienen al caso la hemos cambiado. El libreto es maravilloso, la composición es fantástica. Y está mal que yo lo diga, pero la puesta en escena es muy buena. Y hemos preferido que en este escenario Clío sea un personaje que es el compendio de muchas mujeres. Nos fuimos al germen y hemos reflejado en Clío a muchas mujeres que han sido irreverentes y han ocupado espacios que no les pertenecían. Mujeres a nivel mundial; tal como es ahora Clío, el personaje principal, la musa convertida en genio, la obra queda mucho más completa. La acción comienza en 2019 y anuncia un futuro distópico. Esta ópera ha sido una aventura vital, hemos aprendido mucho en todo el proceso de creación en el que llevamos años trabajando.

EC: También son sorprendentes los personajes antagonistas de Clío: George Bush hijo, Angela Merkel, la sargento estadounidense Leslie Zimmermann, que se convierten también en personajes casi de ficción. Pueden parecer personajes grotescos ¿Tiene algo de bufo esta ópera?

MP: Para mí no es nada bufa, en absoluto. Es un libreto muy cinematográfico, en mi opinión tiene más que ver con ese tipo de cine de intriga, de alta política, un poco shakespeariano, por qué no decirlo, de intrigas de palacio. Cicciolina era la guinda del pastel pero era un peso muy grande en el proyecto. Ahora es como si se hubiera retirado un velo. Ahora todo gira en torno a Clío, este personaje que es el reflejo de muchas mujeres. Creo que así queda más universalizado.

EC: ¿No te asusta el peligro de una empresa tan arriesgada?

MP: No me asusta en absoluto. Generalmente no tengo miedo cuando me meto en un proyecto. Si no no me metería en nada, no haría nada. Siempre tengo curiosidad y veo lo que puedo aprender. También llevo la escenografía. Para mí ha sido un trabajo muy complejo.

EC: ¿Cuánto tiempo lleváis trabajando en este proyecto?

MP: Dos años.

EC: ¿Hay una atmósfera de sexualidad en esta ópera?

MP: La sexualidad está latente: juegos de poder en el arte y la política. Y esto tiene que ver en mi opinión con el sexo. Hay mucho de seducción. Todo el mundo de la política es seducción, captación. En el trabajo con los solistas ha habido una labor en la que yo les he pedido que suban la temperatura del horno. Para mí, por ejemplo, esto ocurre con el trabajo de Sebastià Peris, el barítono; él hace el papel de un personaje deleznable pero hay que sacarle su parte magnética, su parte sensual. Tiene que haber algo de eso para reflejar el sexappeal de la política, y lo mismo pasa en el arte. Aquí es donde se ve reflejada toda la historia de las musas, cómo aparecen, cómo están colocadas, desnudas, en los museos.

EC: ¿Y Clío?

MP: El personaje de Clío es una mujer de 66 años. Me encanta que tenga esa edad. La soprano, Raquel Lojendio, es muchísimo más joven, pero hemos trabajado esa sensualidad desde un lugar en el que ya ha pasado de todo. Hemos construido un personaje muy magnético. Ella está soberbia porque además hemos tenido la suerte de trabajar como se hacía hace muchos años, cuando sabías para qué soprano ibas a componer. La partitura está compuesta para Raquel. El movimiento de escena está hecho para ella, conociendo yo sus características y virtudes. Por ejemplo, ella tiene formación de ballet clásico y le hemos hecho una escena de puntas. No sé qué soprano interpretará este papel en el futuro pero en esta ópera el traje  ha quedado brillante porque está hecho para ella, a su medida. Lo mismo ocurre con Marina Pardo (Leslie Zimerman), que es un personaje real. Es una soldado que aparece en un mural pintado por G. Bush y aparece en internet contando su experiencia en la guerra de Iraq. Cuando ella vuelve, se ve desde una perspectiva femenina todo ese legado que nos recuerda a los soldados volviendo de Vietnam. Una mujer que era madre, que se fue a Iraq y cómo vuelve; toda esa historia posterior de los veteranos. Marina Pardo hace una recreación de la historia de esa veterana, que es un personaje real, y en una puesta en escena que también es pictórica. Yo soy muy técnica como directora, hago un control corporal muy limpio. Tiene que trabajar muchísimo la contención, la emoción. La clave para mí es también el trabajo de la coreógrafa Rut Balbís con la que yo he trabajado muchos años y ha hecho un trabajo muy  bueno con ellos. No hay ni un solo movimiento gratuito, todo está medido, es como un cuadro. No es lo mismo que pongas la mano así o así. No hay puntada sin hilo. Es un trabajo de orfebrería.

EC: ¿Qué parte tiene el azar en el éxito de esta aventura-empresa?

MP: En mi vida artística lo tiene todo. Yo soy una persona que me siento muy conectada desde niña con las señales, con el azar. He aprendido a lo largo de los años a darle valor a las señales, a escucharlas. Trabajo no solo desde la racionalidad de la cabeza, sino todo lo contrario, cada vez voy desterrando más esto y conectándome con lo invisible. Lo utilizo en la escena. Por eso toda la casuística, el azar, las casualidades, las cosas mágicas también, que tienen un peso muy importante en mi obra. No sigo los cauces al uso. Pienso que la revolución también viene por ahí. Hay muchas cosas que se relacionan más con el universo femenino, y que muchas veces están relegadas a un ocultismo. Para mí la intuición es un ingrediente básico. Empecé en el año 99, llevo 20 años dirigiendo. Ahora trabajo desde la tranquilidad de que mi intuición tiene una validez. Ahora sé que las cosas que pasan, pasan por algo, por eso no tengo miedo, no me asusto.

De repente apareció la oportunidad de contratar a dos bailarines gemelos; eso era lo que necesitaba la puesta en escena. Una puesta en escena que habla todo el tiempo de dos mundos, de un paralelismo que es como un díptico de los cuadros que dialogan; esa es la puesta en escena. Y cuando aparece dos bailarines gemelos yo no me sorprendo, yo celebro. Y eso tiene que ver con mi propia situación dentro de este mundo. También observo el contexto: Clío es una musa artística y entra en el mundo de la política. Yo soy una directora que viene de la vanguardia española y se mete a dirigir ópera en un mundo, el de la lírica, en un contexto donde las estadísticas dicen que hay mucho trabajo por hacer, en un ámbito donde las Temporadas de Igualdad sí que tienen una gran labor por delante. Las directoras de ópera en España se pueden contar con los dedos de las manos.

EC: vais a Santiago, A Coruña y Ourense, después de Galicia, ¿tenéis pensado ir a más sitios?

MP: Sí, pero no lo voy a decir todavía.

Pues muchas gracias y te deseo mucha mierda, como decís en el teatro y la ópera.

Caballo sea la noche, Alejandro Morellón, Barcelona, Candaya, 2019

El título del libro hace referencia a unos versos de Roy Sigüenza que ya aparecen en la novela de Mónica Ojeda, Mandíbula (Candaya, 2018) y que parecen querer expresar el desbocamiento de los personajes, su deseo por fundirse con una realidad absoluta, en que lo sensual y lo nocturno sirven de montura. Los personajes de Alejandro Morellón (como también los de Ojeda) acarician la frontera entre lo innombrable y lo que puede ser dicho, una caricia que va desde la experiencia del lenguaje hasta la experiencia más carnal y mundana.

Caballo sea la noche cuenta la historia de una familia que una vez fue feliz, pero que ahora sufre, irreconocible y desfigurada. Allí donde antes brillaba el Sol y los dos hijos disfrutaban junto a sus padres, en la actualidad ya solo queda una bruma y un silencio pesado que únicamente rompen las voces de los personajes. Una voz que podría pertenecer a otro o que podría no existir, ser eliminada y de la que, por lo tanto, dudan. Una voz que es su conciencia, un torrente de frases, imágenes y comas en las que, por acumulación de recuerdos, sensaciones y reflexiones, la madre y Alan, el hijo pequeño, van narrando su pasado y su presente. Hay algo que permanece oculto entre ellos, eso que provocó una fisura terrible en la familia, aquello que la destruyó y ha convertido a sus supervivientes en fantasmas silenciosos, fantasmas que no logran comunicarse y que permanecen inmóviles. Ese hecho que quiebra la vida familiar y cotidiana también consigue enmudecer al lector durante las páginas finales.

Tiene la novela una gran riqueza de imágenes que, junto a oportunas reflexiones sobre la palabra y el lenguaje configuran una novela o un poema o un cuento intenso y fulgurante. La historia, además, tomada desde el punto de vista argumental, consigue mantener al lector pendiente del próximo capítulo, no satisfecho su apetito por saber hasta que llega al final, que resulta de lo más satisfactorio.

La novela (o poema o cuento) se constituye como un magnífico ejemplo de lo que Robert Walser llamó literatura enferma en El bandido. Morellón, a pesar del desconsuelo, el silencio y el terror que animan el texto, reserva unas gotas de esperanza para el final, un futuro en el que un caballo blanco nos aguarda para que lo montemos, para simbolizarnos y fundirnos en su imagen como jinetes extraviados pero felices. Esa literatura enferma, que no es sana, que los lectores sanos que solo leen libros sanos parecen ignorar, nos aporta consuelo vital, y esto ya es bastante. Como también hace Walser, hay que pedir a los lectores sanos que se acerquen a los libros enfermos. Quizás puedan llegar a disfrutarlos, a descubrir un continente inmenso en el que la literatura adopta otro sentido. El mismo que el nuevo libro de Morellón tiene y a cuya lectura debemos invitar. Caballo sea la noche y que lo lectores se adentren en sus páginas….

“Cuando las elecciones municipales que habrían de decidir el destino del Alfonso XII, un terrateniente de Castilla le ofreció diez pesetas a un labrador si votaba por la monarquía. El campesino lo rechazó, dijo que odiaba a la monarquía y votaría en su contra […]. En esta pequeña anécdota se muestra el carácter del trabajador español.
El orgullo, la dignidad española, el sentimiento de justicia, libertad y humanidad es imposible de encontrar en la aristocracia, una clase social inculta y mojigata, tampoco en la burguesía advenediza: en cualquier ciudad, en cualquier pueblo, en cualquier aldea, en Castilla como en Andalucía, en Extremadura y en Cataluña, en Galicia y en Aragón se encontrará en los trabajadores”.

Estas reflexiones son de Ernst Toller y corresponden a uno de los viajes que hizo a España durante la II República. Posiblemente muy pocas personas sepan quién fue Toller. Y sin embargo, la biografía de este revolucionario escritor, poeta y dramaturgo alemán es tan fascinante como dramática y apasionada.

Gracias a la editorial Comares, que ha contado con la colaboración del centro de Estudios Andaluces, tenemos ahora una buena oportunidad de acercarnos a la vida de este idealista personaje a través del libro Ernst Toller. Entre la II República y la Guerra Civil Española, con una excelente y cuidada edición de la profesora de la UCM Ana Pérez, que además ha traducido del alemán los textos de Toller, algunos de los cuales se presentan por primera vez en España.

Precedido por una (breve) Introducción de Dieter Distl, presidente de la Ernst Toller Gesellschaft, el libro se compone de dos partes.

La primera es un Estudio preliminar sobre la obra y vida de Toller, realizado por Ana Pérez. Lo primero que sabemos, nada más comenzar la lectura es el suicidio de Toller en 1939 cuando tenía 45 años en su apartamento de Nueva York. A su funeral asistieron, entre otras muchas personas, los escritores Sinclair Lewis, Oskar María Graf y Klaus Mann, que leyó un emotivo mensaje de su padre Thomas. No faltó Juan Negrín, último presidente del Gobierno de la República española.

Amigo de Thomas Mann e Ilya Ehrenburg, Toller fue un reconocido y afamado escritor traducido a veintiséis idiomas, que produjo con su suicidio una gran conmoción internacional, ya que era una de las figuras intelectuales antifascistas más representativas en el periodo de entreguerras, cosa que no es de extrañar si tenemos en cuenta que siempre hubo una total coherencia entre su vida y su obra. Fue uno de los dirigentes de la malograda República de Consejos de Baviera, el preso político más famoso de la República de Weimar y uno de los más célebres escritores (exiliado) durante el III Reich. Activista infatigable en todas las causas de defensa de la democracia, fue un entusiasta defensor de la II República española. Previno con antelación la llegada del nazismo en Alemania y luchó hasta el final contra la victoria del fascismo en Europa. La derrota de la República en España supuso para él un fuerte golpe emocional y político que le llevó a quitarse la vida.

Ana López traza en esta primera parte del libro una trayectoria vital de Ernst Toller, en la que destaca su defensa de la humanidad a lo largo de toda su vida. Su nacimiento dentro de una familia de comerciantes judíos, su primera juventud y su alistamiento voluntario en la I Guerra Mundial, su defensa de las causas del pacifismo y el socialismo, su participación en la fracasada revolución bávara de 1918, lo que le llevó a ser encarcelado. Toller escribe y se convierte en el preso más célebre de la Alemania de la época, tanto que se le ofrece el perdón. Clemencia que él rechazaría por no haberse hecho extensiva a todos los presos. La autora nos habla del activismo de Toller durante la República de Weimar, de su exilio y sus viajes a España durante la II República gracias a los cuales escribiría diversos artículos publicados en Die Weltbühne en los que Toller profundiza de forma muy realista en la sociedad española. Nos cuenta también su paso por España durante la Guerra Civil y el triunfo del alzamiento fascista con el final de la democracia en España, que influyó de forma decisiva en el deterioro de la salud física y emocional de Toller, que ya no se repuso de este duro golpe que le llevó como dijimos más arriba a quitarse la vida. Todo esto, acompañado de una importante documentación gráfica: reproducción de artículos publicados en los periódicos de la época, cartas, fotografías… ofrecen un retrato preciso y muy completo de la biografía de Ernst Toller.

La Segunda Parte reproduce textos de Ernst Toller sobre la II República y la Guerra Civil española. Comienza por los reportajes periodísticos de 1932: su interesantísimo encuentro con Alcalá-Zamora, su viaje a Sevilla y Córdoba. Deliciosas sus descripciones de las calles, de la gente, de la vida en estas ciudades. Madrid, Barcelona… Sorprendido por la situación de desigualdad de las mujeres escribe: “La situación de la mujer española está marcada por viejas tradiciones árabes, hasta la revolución no podía prestar juramento ante un tribunal, el matrimonio es cosa de los padres, no de los hijos. En familias antiguas los novios no pueden estar juntos a solas, nunca salen solos, impensable que se besen […]”.

Especial relevancia tiene su visita a Victoria Kent y su recorrido por varias cárceles españolas y su llamamiento al mundo desde una emisora madrileña en apoyo del Gobierno de la República: “Es digno de admiración el gran cuidado que el gobierno español pone en proteger las libertades civiles de los ciudadanos. El gobierno legítimo tenía el derecho internacionalmente garantizado de defenderse frente a la pandilla de rebeldes que hicieron venir al país a los fascistas italianos, a los nazis alemanes y a los musulmanes marroquíes para llevar a cabo su guerra contra el pueblo español”.

Una vida y una obra las de Ernst Toller que son en definitiva una lección de dignidad en cualquier época y en cualquier país: “No nos engañemos. En todos los países de Europa están actuando los enemigos de la libertad. Nosotros también amamos el silencio del despacho y el trabajo paciente y humilde en nuestra obra. Pero una época que traiciona la idea de la humanidad nos obliga a denunciar  la traición y a combatir allí donde la libertad está amenazada”.

Por fin llegó el otoño, a pesar de los calores que aún vivimos. Con esta estación, el panorama expositivo y en general cultural, de nuestro país, diríamos que explota ofreciendo unas oportunidades únicas para los “flâneurs” del arte.

ISABEL OLIVER, CUARENTA AÑOS DE ARTE COMPROMETIDO (1970-2009)

Del 9 julio de 2019 al 3 noviembre de 2019  
Horario: de lunes a sábado, de 10:00 a 20:00 hrs.  
Domingos y festivos, de 10:00 a 14:00 hrs.  
Entrada libre 
Centro Cultural La Nau

Valencia es siempre generosa con el arte, especialmente con el contemporáneo.

Desde el IVAM, referencia imprescindible en todo lo que tiene que ver con las vanguardias, hasta la NAU, Centro Cultural asociado a la Universidad de Valencia. Es en este centro donde se expone una amplia obra de la pintora Isabel Oliver.

Oliver pinta en un estilo Pop Art. De hecho en sus inicios este estilo se convirtió en una excelente forma de reivindicar las libertades y hacer crítica social en momentos donde sociedad civil y régimen ya daban claros signos de divorcio.

El Pop Art tenía un claro origen y desarrollo en el mundo anglosajón, sin embargo se puede considerar un fenómeno global en el mundo del arte. Mayoritariamente masculino en España: Equipo Crónica, Antoni Miró, Equipo Realidad.

Para Isabel Oliver el Pop “era un paraguas para hacer una gran cantidad de obras de crítica, usado por los artistas como un subterfugio. Sin ese estilo hubiera sido imposible realizar tanta obra de denuncia social”.

La exposición está dividida en series: «De profesión sus labores», «Mujer», «El juego», «La Mercantilización», «Paisajes Pop», éste con connotaciones evidentemente ecológicas, «Lugar en el tiempo», «Arqueología del presente» y «Memoria de un lugar», en torno a la historia de Valencia.

Olivar señala la total indiferencia de los espacios expositivos hacia las mujeres artistas en la década de los setenta, más aún si su pintura, como es el caso, se hacía con una clara visión social y feminista. Subraya esa España patriarcal franquista donde, al no tener un reconocimiento profesional, las mujeres que trabajaban en el domicilio familiar, en su DNI se leía la frase “Sus Labores”. Así, aclara: «Nos mandan bordar, no que seamos artistas ni que estudiemos historia».

Hasta el próximo 3 de Noviembre se puede disfrutar de este buen y original arte de denuncia social y feminista.

JEAN DUBUFFET. UN BÁRBARO EN EUROPA

IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) - Valencia 
Fecha de inauguración: 08 octubre 2019
Fecha de clausura: 16 febrero 2020

Siguiendo por la senda del arte moderno en Valencia, nos trasladamos al Instituto Valenciano de Arte Moderno. Allí el 8 de Octubre acaba de inaugurarse una exposición en torno al pintor y escultor francés Jean Dubuffet (Le Havre 1901 – París 1985): “Jean Dubuffet. Un bárbaro en Europa”.

Se muestran alrededor de doscientas obras entre pinturas, dibujos, esculturas y grabados, así como una numerosa documentación y objetos que nos ofrecen una aproximación a este artista, inventor de lo que él llamó “Arte Brut” y uno de los grandes artistas de la escena occidental del siglo XX.

Apoyándose en sus amplios conocimientos de Antropología y Psiquiatría, realiza una crítica radical del arte y la cultura de su tiempo.

La exposición se articula en torno a 3 ejes fundamentales cuyo foco de interés principal se proyecta sobre la figura del hombre, ser humano, y las consecuencias de su actuación en la sociedad en la que vive.

Primer Eje:  “ La celebración del hombre común”

De ahí surge una figura que él define como “fantasmática”. Sería lo que se conoce como “el hombre común”, que no deja de ser otro sino el sujeto de su pintura. Un hombre que ya en periodo de entreguerras dibujaba como una figura asfixiada psicológicamente por la angustia que crea la ciudad en un tiempo donde ninguna de ellas alcanzaba los diez millones de habitantes, al contrario de lo que sucede hoy en día.

Segundo Eje: “Una Etnografía en acción”

Hacia 1945 él inicia la “empresa del Arte Brut”. Muy influido por el dibujo infantil (muchos críticos han definido así su obra), la admiración por el arte popular, así como todo tipo de artefactos de procedencia más allá de Occidente, extraoccidental. Con toda esta reflexión él crea una amplia red de cooperación e investigación entre etnógrafos (antropólogos), psiquiatras y aficionados.

Tercer Eje: “Una Crítica de la Cultura”

A lo largo de su obra, el punto de vista, la lengua, los sistemas de creencias y valores del arte son cuestionados. Se trata de una forma de relativismo absoluto.

Su relación con el antropólogo Claude Levi Strauss fue estrecha dado que al interés del pintor por la antropología se une el del antropólogo por los procesos de la pintura.

Dubuffet no es un artista fácil pero es esencial para entender la evolución del arte europeo de la segunda mitad del Siglo XX. Sin su experimentación, su viaje hacia el primitivismo del ser humano, ético y estético, hacia las profundidades de su psique, la palabra barbarie no habría mutado en arte y esencia, cimiento de la siempre atractiva, e inquietante, Europa.

CALDER-PICASSO

MUSEO PICASSO DE MÁLAGA 
24 Sep. 2019 - 2 Feb. 2020

Siguiendo con nuestras vanguardias, que tanto viven y beben del mediterráneo, nos dirigimos hacia el sur por la orilla del tan conflictivo Mare Nostrum hasta la bella ciudad de Málaga. Regresamos a un museo que ya hemos visitado en nuestras crónicas no hace muchos meses. El Museo Picasso de Málaga.

Pablo Picasso (1981/1973) y Alexander Calder (1898/1976) compartieron coincidencias que hace que su arte, a ratos, sea simbiótico. Así, ambos nacieron a finales del siglo XX, dejaron sus países para recalar en la capital de las vanguardias y crearon vanguardia, redefinieron la escultura del Siglo XX y, finalmente, ambos murieron en la década del 70 del siglo pasado.

A lo largo de la exposición disfrutamos de 54 obras de Calder y 51 de Picasso. Por primera vez se muestra en España la vinculación artística e intelectual que ambos compartieron tantas veces. Así en el Pabellón de la República, donde la contribución de Picasso con el Guernica se vio acompañada, en un equilibrio impactante, por la fuente diseñada por Calder y cuyo nombre “Almadén” sirvió de excusa para rellenarla con mercurio de las minas de la ciudad manchega. Más adelante Calder seguiría siendo cómplice de Picasso en Chicago y también en el MOMA, en los tiempos del exilio del Guernica. Hoy en día esa confraternización se mantiene en el MNCARS donde la bellísima escultura móvil de Calder  “Carmen” preludia lo que dos pisos más arriba viviremos como la experiencia más religiosa de un mundo en constante, y creciente, injusticia: el grito infinito y eterno del Guernica.

Esta complicidad del arte estaba pidiendo a gritos una exposición de ambos donde se pudieran distinguir las técnicas, como la de las ensambladuras de Picassso a partir de 1912. Fue la escultura “Guitarra” la primera considerada compuesta mediante la ensambladura. Ese primer collage, según Picasso la creó antes de su primer collage pictórico, en la escultura, revalidó su genialidad vanguardista. Picasso era la Vanguardia.

Por otro lado, en 1930, Alexander Calder visita el taller parisino de PietMondrian. Se quedó cautivado por la imagen de una pared blanca de la cual colgaban unos tableros pintados de diferentes colores formando una composición geométrica. A partir de ahí las posibilidades eran casi infinitas. Se necesitaba un artista y este había sido encontrado por el arte.

Soldaduras, ideogramas, coreografías. Toda una pléyade de formas y creaciones ideadas por Picasso donde la famosa “Cabeza de Toro”, unión vertical de un sillín y manillar de bicicleta, se convierten en los pioneros de una nueva técnica: la soldadura. Una nueva creación del genial artista a añadir a la talla y el modelado.

Pronto seguiremos abriendo las puertas de las excelentes exposiciones que nos depara este generoso Otoño del Arte.

Atentos a la inminente inauguración de la muestra de más de 300 dibujos de Goya con la que el Prado se acercará, y sobrepasará, a la fecha del 19 de Noviembre del 2019. Cumplirá su bicentenario de la mano de uno de los mayores genios del arte de nuestro país. Ese fiel de la balanza compuesta por Velázquez y Picasso. Tres genios que nos muestran, a través de su arte, las luces y sombras de la historia social y oficial de esta parte de Europa.

Que ustedes lo disfruten.

Nuestro compañero, el dramaturgo Andrés Lima, miembro del Consejo Científico de la Fundación Espacio Público, ha sido galardonado con el Premio Nacional de Teatro 2019. Desde aquí nuestras felicitaciones.

Reproducimos con este motivo, la entrevista que mantuvo con el periodista de Público Juan Losa.

Andrés Lima: ‘El franquismo ha calado en nuestros huesos y copa las instituciones’

JUAN LOSA @jotalosa

Galardonado con el Premio Nacional de Teatro, el dramaturgo nos recibe en su casa de Carabanchel desde donde reflexiona sobre la importancia de la memoria histórica, la capacidad de la ficción para abordar la realidad y la situación política actual.

Andrés Lima (Madrid, 1961) no rehúye una sola pregunta, incluso cuando estas rebasan su labor como dramaturgo. De larga trayectoria, ha llevado a cabo casi una veintena de trabajos para el Centro Dramático Nacional, el Teatro de la Abadía o el Teatro de la Zarzuela. Su capacidad para entender el tiempo presente con sus contradicciones y ansiedades, le ha ido convirtiendo en un referente de nuestras tablas y le ha valido el Premio Nacional de Teatro 2019. 

¿Qué preguntas busca a través de su teatro?

Hay algo en el teatro que te obliga a estar en contacto con el mundo en el que vives. Suelo atender primero a mi propia curiosidad sobre lo que me rodea y a partir de ahí empiezo a preguntar a los que conviven con esa realidad que quiero entender. Al final es como trazar una cosmogonía del tema que pretendes abordar, si quieres reflejar el mundo en el que vives e interpelar al público tienes que hacerlo a través de las preguntas que la gente se hace.

Si la realidad es cada día más compleja, ¿será el teatro cada vez más complejo?

No estoy muy seguro de que la realidad sea más compleja hoy día. La realidad lleva siendo jodida desde hace miles de años. Diría incluso que se ha simplificado, no en vano el capitalismo ha reducido a la idea de compra-venta casi todo, incluso el amor, el deseo o las aspiraciones. Hemos llegado, por ejemplo, a la aceptación de que la guerra es una manera natural de entendernos entre los pueblos, o de desentendernos. La democracia capitalista es cada vez más simplona, tiende a satisfacer los deseos más inmediatos sin apenas reflexión.

La tendencia nos dice que el teatro busca indagar en la realidad inmediata. ¿Por qué esa necesidad de contarnos en lugar de evadirnos?

Creo que hay mucha desazón en el ser humano, vivimos con una celeridad impuesta y hay una gran desigualdad entre clases y entre nuestras aspiraciones y la realidad que nos ha tocado. De un tiempo a esta parte, trabajando con los actores me he ido dando cuenta de que la palabra angustia está cada vez más presente, como si se tratara de un resorte provocado por el propio sistema.

Parece también que se ha renovado el público del teatro, ¿a qué cree que se debe?

Nuestra generación ha invertido mucho tiempo en hacer un teatro que fuera accesible a todo el mundo, y que además tratara con seriedad los temas que preocupan a la gente. Pero sobre todo yo creo que la clave es que el país se ha ido teatralizando, algo que va parejo al proceso culturización que ha experimentado esta sociedad en las últimas décadas.

El teatro ha hecho frente a la crisis mejor que otras disciplinas, ¿cuál es su secreto?

Los espectáculos en vivo siempre se van a mantener. La gente los necesita incluso en tiempos de crisis. Si te fijas en los últimos años la gente se ha apartado mucho de las salas de cine, prefieren ver las pelis en el ordenador. Algo parecido le ha pasado a la televisión; las plataformas se han ido llevando la tostada progresivamente. Pero el teatro, como los conciertos en directo, experimentan cierto auge. Digamos que se ha producido un repliegue hacia un consumo cultural más casero, pero el teatro y la música en vivo no se han resentido. 

A veces, aunque resulte paradójico, la ficción puede aportarnos más verdad que la realidad, ¿no cree?

Sin duda. Cuando lees un texto, hay algo en las palabras que carece de emoción, de tal modo que si un buen actor da con la emoción acertada, genera una situación que supera al texto. Alcanzar la verdad siempre ha sido una especie de obsesión dentro del mundo del arte, y es algo que va más allá de la mera representación de la realidad. Una determinada mirada sobre esa realidad, puede –aunque parezca paradójico– dotarle de una comprensión más profunda.

En ‘El pan y la sal’ reflexionaba sobre la dignidad de las víctimas y la importancia de la memoria histórica. ¿Qué opinión le merece la inminente exhumación de los restos del dictador? 

Pienso que ya era hora. Pienso también que esta situación evidencia hasta qué punto el franquismo ha calado en nuestros huesos, creo que nuestro comportamiento tiene restos de franquismo todavía en la actualidad. Cuando eres niño, convives con la memoria de tus padres y abuelos, y esa memoria España todavía no la tiene solucionada. Te hablo de una brecha cultural, de la imposición de una moral determinada, de un nacional catolicismo que sigue haciendo mucho daño. Aunque fueras franquista, creo que sería de sanidad democrática apoyar que estuviera enterrado en un lugar privado.

¿Qué será lo próximo?, ¿terminaremos quemando parroquias?

Ese tipo de declaraciones me parecen un signo lamentable de cómo el franquismo no sólo están en nuestros huesos, sino que también copa las instituciones. Por no hablar del alcalde prefiriendo donar dinero a Notre-Dame en lugar de al Amazonas. Creo que comentarios así son propios de gente que no piensa, ni siquiera de gente malévola, simplemente es una cuestión de no pensar demasiado, lo que me parece bastante grave.

En cualquier caso, he de decir que la política cada vez me decepciona más. Ya no hay políticos de altura; gente que defienda unos ideales y luche por ellos aunque después los traicione. Ahora son meros altavoces de un partido, una contradicción democrática en toda regla. Dicen lo que dice el jefe, se han convertido en voceros de un líder, algo muy propio de la derecha pero que ya empieza a pasar también en la izquierda. 

Usted ha trabajado mucho en Catalunya, ¿qué puede hacer el teatro para estrechar lazos?

El teatro lo único que puede hacer es teatro, que no es poco. Siempre ha habido una cierta separación entre Madrid y Barcelona, pero de un tiempo a esta parte la situación ha mejorado. Yo he trabajado mucho allí, tengo grandes compañeros catalanistas que no han rehuido hacer teatro castellano.

La polarización actual me parece absurda. Yo particularmente no soy nacionalista, pero pienso que un pueblo tiene derecho a decidir por sí mismo y que es un a barbaridad que haya tanta gente en la cárcel tras el 1-O. No querer reconocer desde el nacionalismo español que allí hay un deseo y una voluntad cada vez más creciente de ser un pueblo independiente me parece absurdo. También es verdad que la clase que ha comandado este proceso es una clase privilegiada. Creo que con el tiempo se acabarán independizando, y lo cierto es que me da bastante pena, pero si la voluntad es creciente se hará.

¿Le ha pasado factura el procés?

A mí como dramaturgo no. Pero el teatro siempre se ha resentido de las fronteras. La creación de las Comunidades Autónomas, por ejemplo, no favoreció a las giras de las compañías teatrales. Los presupuestos, que antes eran más generales, pasaron como es normal a favorecer las lenguas propias de cada nación, y esto se notó mucho. 

¿Cómo representaría la situación política actual?

La tragedia contemporánea es de risa, creo que Valle-Inclán se adelantó mucho a su tiempo y que la representación patética de la política es una manera acertada de aproximarse a ella. Quizá por ello tienen tanto éxito los programas que abordan la actualidad política desde el humor, es difícil poder dar razones a algo tan descabellado como la política. Toda esta farsa tiene que ser representada a través de la sátira.

Entrar pisando fuerte, eso es lo que ha hecho Nicki Nicole. La cantante de Rosario (Argentina) estrenó en abril: “Wapo Traketero”, con una maravillosa voz y un videoclip muy trabajado a cargo de Cocodrilo P&B, el vídeo está a punto de llegar a las 25 millones de visitas.

Pero ahí no se iba a quedar la historia. Después de arrasar con su primer single, hace unas semanas anunció que iba a formar parte del proyecto musical del productor Bizarrap, y de nuevo Nicki Nicole superó sus propias expectativas y las de los oyentes, el vídeo fue tendencia en Argentina, España y múltiples países y en una semana alcanzó 10.000.000 de reproducciones.

Aunque los números no deban significar nada, el impacto generado está haciéndose eco en el mundo de la música, números acompañados de calidad musical sin duda, los elogios de sus compañeros de profesión no tardaron en llegar y ya empiezan a pedirse colaboraciones con grandes artistas como por ejemplo Paulo Londra.

Y aquí llega la gran pregunta: ¿Qué género musical hace Nicki Nicole? ya la han asociado con el Pop, el Trap e incluso si buscas en Google, el buscador te responde que es una cantante de rap.

En mi opinión, Nicki Nicole está totalmente alejada del último género, pero su música, de momento, consigue una buena mezcla entre la música urbana de su país y una voz maravillosa que la hace diferente del resto y le da un giro a la escena. 

No hay que olvidar, aun así, que la cantante solo tiene 3 temas publicados, su voz le permite dar mucha versatilidad a futuros temas y quizás lo que hace ahora Nicki no tenga nada que ver con su música dentro de un año.

El pasado 23 de agosto estrenó en su canal de youtube “Años Luz” y poco sabemos de sus próximos proyectos, ya está confirmada la colaboración con Duki, que quizás salga en el disco del argentino, y Big Ligas ya anunció su intención de colaborar con ella.

Lo que también es seguro, es que la carrera de Nicki Nicole es muy prometedora, habrá que seguirle la pista durante los próximos meses y no dejaremos de escuchar su música.

Nota de la redacción:

Los tres partidos que gobiernan el Ayuntamiento de Madrid: PP, C’s y Vox, han decidido de forma unilateral y sin proporcionar la menor información, sin hablar con el Consejo rector o los trabajadores de M21RADIO, cerrar la señal de esta emisora. No es buena noticia la desaparición de un medio de comunicación, y se mire por donde se mire representa un nuevo atentado a la libertad de expresión.

Creada en 2016 de la mano de Ahora Madrid, formación que gobernó el Ayuntamiento de Madrid desde 2015 hasta 2019, esta emisora ha tenido un “carácter eminentemente formativo, social y cultural”, como han dicho El Sindicato de Periodistas de Madrid (SPM) y la Federación de Sindicatos de Periodistas (FESP) en su declaración de condena a este cierre.

Las personas que han trabajado en esta emisora, así como un gran número de profesionales del periodismo han denunciado y criticado también la desaparición de este medio.

Desde Espacio crítico nos sumamos a estas condenas y lamentamos que se haya dado un paso atrás en la salvaguardia del derecho constitucional a la información.

Dos personas que han trabajado en esta emisora, con recorridos y experiencias muy distintas, denuncian también este cierre y, desde sus vivencias personales comentan su paso por la emisora. Ayer publicamos el artículo de Mariano Muniesa, especialista en música rock que trabajó dos años en M21, y a continuación publicamos el de Jacobo Rivero, que fue coordinador-director de Madrid Destino y uno de los fundadores de esta emisora.

Equipo Espacio Crítico

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En una serie de programas que realizó el maestro Antonio Benamargo dedicado a Camarón para la radio municipal de Madrid M21, el flamencólogo José Manuel Gamboa señalaba sobre los inicios del genial cantante de San Fernando: “La juventud nunca ha tenido buena prensa”. Algo así ocurre cuando se habla sobre el proyecto de la Emisora Escuela M21 y la situación actual en la que el Ayuntamiento de PP y Ciudadanos, con el apoyo de Vox, han clausurado el proyecto en un auténtico ejercicio de ‘apagón informativo’ más propio de una dictadura que de una democracia.

En el verano de 2015, poco después de que Manuela Carmena fuera elegida alcaldesa de Madrid, el Ayuntamiento planteó la recuperación de la emisora de radio municipal, un proyecto que se había iniciado tímidamente en 1987, pero que a partir de la década de los noventa había tomado cuerpo como Onda IMEFE para prácticamente desaparecer en 2005. Ocurría que en 2015 el Ayuntamiento mantenía la frecuencia en el 88.6 de la FM y algunas instalaciones, más bien precarias, en un centro de formación de empleo del distrito de Barajas.

La lógica sobre la que reconstruyó la radio municipal era la de crear una escuela de radio que se vertebrara alrededor de la información cultural y de servicio público de la ciudad. Una suerte de escuela de formación con prácticas reales que estuviera apoyada por programas en directo y dinámica de radio profesional. Con ese objetivo se fueron tejiendo alianzas en diferentes direcciones. Por un lado con escuelas de radio y universidades, por otro con entidades de la ciudad que pudieran estar interesadas en participar y por último con la contratación de una estructura fija y permanente –que sirviera tanto para la emisión profesional como para la formación– a la que se sumasen colaboraciones en programas semanales para estructurar un relato cultural lo más completo posible.

Estructuralmente la radio se constituyó como una colaboración entre tres organismos municipales: la Agencia para el Empleo (propietaria de la frecuencia y encargada de una parte de la formación radiofónica), el Área de Portavoz (para la información de servicio público) y Madrid Destino (para la información cultural y las contrataciones de personal). Se realizó entonces un diseño de necesidades en relación a los contenidos y se apuntó la necesidad de cubrir de manera estable la información municipal, la formación radiofónica educativa, la estructura técnica, el trabajo con las redes sociales y dos turnos de magazine radiofónico diario –uno de mañana y otro de tarde–, con una dirección provisional que coordinara el trabajo entre las tres entidades y que además desarrollase las bases para un concurso público que determinara a través de un proyecto la dirección artística de M21.

Los puestos estructurales salieron a concurso y determinaron la estructura de plantilla estable de M21 –se pedían experiencia mínima de diez años en radio y se valoraba sus conocimientos en formación–, a la que se sumaron tres puestos de la Agencia para el Empleo para coordinar los procesos formativos y un asesor técnico del Ayuntamiento para la implementación de los nuevos estudios y necesidades dotacionales.

A partir de ahí se pensó en las necesidades de colaboraciones para que la radio tuviera desde el primer momento peso y personalidad, también para que cumpliera el objetivo de ser una referencia en la agenda cultural de la ciudad de Madrid. La idea sobre la que pensé la primera parrilla, en mi condición de coordinador e impulsor del proyecto, era la de abarcar la mayor cantidad de géneros y relatos culturales de la ciudad. De esta manera se buscaron programas que tuvieran que ver artes escénicas, cine, libros, poesía, danza, deporte, derechos humanos, cómics e ilustración, música… Sobre esta última se proyectó que hubiera programas que hablasen de flamenco, rock, pop, jazz, blues, hip hop… y también sobre la cultura musical en un sentido amplio.

En los primeros meses se recibieron más de mil propuestas. Hubo cantidad de solicitudes de programas y un ingente número de reuniones de todo tipo. Desde individualidades a entidades, asociaciones, grupos culturales, etcétera. Finalmente estructuramos la parrilla con alrededor de sesenta programas externos. Se quedaron fuera muchísimas propuestas, algunas excelentes pero que por distintos motivos no encajaron. Colaboraciones que más allá de los programas fijos y diarios de la estructura de M21 pudieran dar coherencia y peso a una parrilla diaria y continuada en radio. Había nombres históricos de la radio junto con gente joven que acababa de empezar, una mezcla que sumada a las personas que venían a trabajar por programas de inserción laboral y estudiantes en prácticas construyeron en la redacción una atmósfera electrizante.

En paralelo, a partir de la que sería ya la emisión estable de contenidos en febrero de 2017 se sacó una revista mensual ilustrada, a modo de radio leída, que coordinaba, en lo referido a los encargos y selección de dibujos, Enrique Flores: M21 Magazine. En la publicación había una sección ilustrada dedicada a los programas de radio (“La radio por dentro”) y dos páginas dedicadas al desarrollo de la escuela donde las personas que venían a trabajar o hacer prácticas pudieran expresar su opinión sobre la experiencia. El único requisito que tenían era “no hacer la pelota”. Este formato de revista de la radio se mantendría hasta la incorporación en septiembre de 2018 de las nuevas directoras de la emisora, ganadoras de un concurso público al que se presentaron quince proyectos, Ángeles Oliva y Toña Medina.

Es importante señalar que los programas sobre los que se configuró la primera parrilla fueron seleccionados de manera temporal. Nunca fue el ánimo crear una radio fija y a perpetuidad con la misma parrilla desde el primer día hasta la jubilación de cada una de las emisiones. Siempre se señaló que para las colaboraciones M21 era una “radio de paso, no de permanencia”. Básicamente porque el pilar fundamental era la formación radiofónica, como había sido Onda IMEFE y como nos parecía tenía sentido ser una emisora escuela. En la formación se incluía el hacer radio de verdad, emitiendo en directo, junto con personas con experiencia. En ese sentido lo que sí fue una premisa es que esos programas tuvieran una remuneración decente dentro del atomizado mundo que vivimos del periodismo.

Ángeles Oliva y Toña Medina lograron la plaza de directoras con un proyecto titulado “La radio que soñé. Una radio poliedro, aspersor, plaza”. Fueron elegidas por un jurado plural con extensa experiencia en radio. Fue el más completo de un grupo en el que también hubo otras propuestas interesantes, pero que fue seleccionado por la importancia que daban a la formación, la construcción de un mapa sonoro de la ciudad y la creación de una atmósfera radiofónica propia e identificable. En la medida de que ellas eran las que tenían que diseñar la nueva etapa plantearon cambios en la estructura de prioridades de gasto y voluntad de cambios en la parrilla lógicos. Así las cosas decidieron no renovar algunos programas de la primera etapa. Una lógica sobre la que no está de más recordar que siempre se pensó M21. Obviamente a alguna gente no le sentó bien y otra se adaptó para ir hacia nuevos proyectos.

En cualquier caso, la situación actual es de cierre cautelar. No hay apenas información sobre el futuro de la Emisora Escuela M21 y desde el Ayuntamiento de Almeida lo único que llegan son insultos, datos falsos y acusaciones absurdas. Es muchísima la gente que ha pasado en este tiempo por M21, mucha la que se ha acercado con una ilusión tremenda, mucha la que ha entrado por primera vez en el Palacio de Cibeles y ha roto la distancia enorme entre institución y ciudadanía. Son muchos los sonidos y los relatos y sin duda hubo fallos, como no podía ser de otra manera, pero lo que está claro es que M21 fue y es un proyecto de ciudad con voluntad de expresarse desde la independencia, la pluralidad y la libertad. Tres conceptos que por lo visto molestan, como ocurría con la juventud y el desparpajo de Camarón.

Nota de la redacción:

Los tres partidos que gobiernan el Ayuntamiento de Madrid: PP, C’s y Vox, han decidido de forma unilateral y sin proporcionar la menor información, sin hablar con el Consejo rector o los trabajadores de M21RADIO, cerrar la señal de esta emisora. No es buena noticia la desaparición de un medio de comunicación, y se mire por donde se mire representa un nuevo atentado a la libertad de expresión.

Creada en 2016 de la mano de Ahora Madrid, formación que gobernó el Ayuntamiento de Madrid desde 2015 hasta 2019, esta emisora ha tenido un “carácter eminentemente formativo, social y cultural”, como han dicho El Sindicato de Periodistas de Madrid (SPM) y la Federación de Sindicatos de Periodistas (FESP) en su declaración de condena a este cierre.

Las personas que han trabajado en esta emisora, así como un gran número de profesionales del periodismo han denunciado y criticado también la desaparición de este medio.

Desde Espacio crítico nos sumamos a estas condenas y lamentamos que se haya dado un paso atrás en la salvaguardia del derecho constitucional a la información.

Dos personas que han trabajado en esta emisora, con recorridos y experiencias muy distintas, denuncian también este cierre y, desde sus vivencias personales comentan su paso por la emisora. Publicamos a continuación el artículo de Mariano Muniesa, especialista en música rock que trabajó dos años en M21, y mañana lo haremos con el de Jacobo Rivero, que fue coordinador-director de Madrid Destino y uno de los fundadores de esta emisora.

Equipo Espacio Crítico

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En el verano de 2016 me entrevisté en el Palacio de Cibeles con Jacobo Rivero, gestor de Madrid Destino, para hablar de un proyecto de comunicación que desde el Ayuntamiento de Madrid se iba a poner en marcha y para el cual quisieron conocer mi opinión y contar conmigo para formar parte del equipo que lo iba a arrancar. Ese proyecto consistía en la reestructuración de la antigua Onda IMEFE, la emisora de radio municipal del Ayuntamiento, que en la práctica no existía y que se quería convertir en una auténtica emisora de radio para Madrid.

Tal y como me explicó Jacobo el proyecto, la idea era apasionante: una radio cuya parrilla sería enormemente diversa, plural, con una atención especial y prioritaria a la cultura, sintiendo el pulso de la ciudad y tal como se expresaría más tarde en su lema, conectando con los sentidos de Madrid. No habría informativos, con lo cual no habría línea política de ninguna clase y sus contenidos se basarían en la cercanía a lo que acontecía en Madrid y en espacios con contenidos de calidad y originalidad. Presenté una propuesta para hacer un programa que mostrase el pasado, el presente y el futuro del rock en nuestra ciudad, una de las músicas que han dado históricamente gran parte de su personalidad y de su idiosincrasia a la capital, al que llamé “Madrid a 400 Wattios”, que se aceptó y se incorporó al inicio de las emisiones regulares en febrero de 2017.

A pesar de la amarga y decepcionante experiencia que supuso para mí, y para muchísimos compañeros y compañeras excelentes profesionales de la radio el funesto giro que el proyecto tomó a partir del cambio de dirección a mediados de 2018, asunto en el que luego me extenderé porque creo que también explica en parte los motivos de su reciente cierre, nunca olvidaré la ilusión, el entusiasmo y el clima de compañerismo y confraternización que caracterizó aquella etapa inicial del proyecto M21 Radio. En coherencia con el cambio político y los nuevos aires de progreso y libertad que supuso la victoria electoral de Ahora Madrid con Manuela Carmena al frente, –sí, lo reconozco, quisimos creer que esa oportunidad de cambio iba a ser real y no en lo que degeneró al final– por fin, sin condicionamientos publicitarios o comerciales, ese espíritu de mostrar un Madrid nuevo, abierto, cosmopolita, multicultural, se iba a plasmar en una radio pública en la que se daba cabida a todas las expresiones culturales, desde el teatro, la poesía, los libros o el cine, pasando por el flamenco, el jazz, el blues, el rock, la música latina o la música clásica, con excelentes magazines de mañana y tarde dedicados a seguir minuto a minuto la actualidad de Madrid y programas de divulgación social de una calidad realmente extraordinaria.

Por tal motivo, todo el equipo que arrancamos el proyecto lo dimos absolutamente todo por hacer los mejores programas, y además lo hicimos colectivamente, apoyándonos, haciendo comunidad, haciendo tribu, si se quiere. Nos sentíamos partícipes de una aventura fantástica, de un proyecto que revolucionaba las ondas y del que yo siempre dije que en esta etapa inicial, en 2017 y la primera mitad de 2018, era, reflejaba y ejemplificaba lo que debía ser Radio 3, emisora pública cultural con algunos buenos espacios, pero, en mi opinión, lastrada durante años y años por una mentalidad funcionarial, aburrida, acomodada y de un elitismo cuya pedantería y arrogancia se hacía en ocasiones insoportable.

Ya desde el primer momento la derecha, esa derecha madrileña rancia, casposa, resentida y llena de veneno que se tomó como una afrenta, como una herida en su orgullo que la izquierda les arrebatase por la fuerza de los votos lo que consideraban su finca privada, atacó el proyecto con una agresividad inaudita, la llamó despectivamente “Radio Carmena” y pidió en todos los foros y ocasiones que se le presentaron su cierre. Como se entenderá fácilmente, no solamente producía bochorno y vergüenza ajena, sino auténtica repugnancia escuchar los ataques a M21 de esta gente, que habiendo convertido Telemadrid a lo largo de más de 25 años de gobierno en la CAM en un instrumento de propaganda, intoxicación y manipulación descarada a favor del PP –pregunten si tienen alguna duda a los trabajadores y trabajadoras de la plataforma “Salvemos Telemadrid”– se atrevían a hablar de “partidismo” en una emisora sin informativos. En tanto en cuanto sus muletas naranjas obviamente respaldaban sin reservas los ataques del PP a M21 y posteriormente la banda de los cuñados verdes también vociferaba que había que cerrar esa radio de rojos, al confirmarse la vuelta de la derecha al gobierno del Ayuntamiento de Madrid, tuve la total y absoluta certidumbre de que la defenestración de M21 iba a ser cuestión de meses, a lo sumo de un año.

Han tardado menos todavía. El 30 de septiembre ha sido el último día de emisión de M21, tras confirmarse que el Ayuntamiento de Madrid cerraba la emisora. En coherencia con la mentalidad neoliberal de la derecha, que considera los medios de comunicación empresas y negocios privados, nunca servicios públicos y saciando su ansia de destrucción de todas las realizaciones, fueran buenas o malas, del equipo de Ahora Madrid, sin respetar a los –pocos– buenos profesionales que sobrevivieron al desastre de la última dirección que aún quedaban allí y enviando al paro a un considerable número de trabajadores y trabajadoras, fulmina por decreto M21 Radio.

Ahora bien, ni se puede ni se debe obviar un hecho sobre el que entiendo que es muy necesario hacer una reflexión muy crítica y una denuncia clara y contundente de una serie de actitudes y comportamientos que dañaron enormemente el proyecto original de M21 Radio, lo desnaturalizaron y fueron contra la propia esencia de lo que acertadamente se llamaba el “ecosistema M21”, es decir, la filosofía de pluralidad, diversidad y amplitud de miradas, visiones y lenguajes que una emisora de radio cultural pública como M21 contenía.

En el verano de 2018 y tras ganar el concurso público que se convocó para la renovación de la dirección de la emisora, ocuparon el nuevo cargo un tándem formado por dos personas, “Toña” Medina y Ángeles Oliva, quienes venían del entorno SER-Prisa y que en el escaso año y tres meses en los que ejercieron sus funciones directivas, demostraron el nivel de incompetencia, sectarismo, incapacidad y mediocridad más bochornosos que he conocido en los 35 años que llevo trabajando en el mundo de la radio. Todos los programas culturales que formaban parte del ADN de la emisora y que mostraban los sonidos más representativos de la ciudad, fueron expulsados de la programación sin una sola explicación coherente, negándose al diálogo con los afectados e incumpliendo abiertamente las bases del documento con el que ganaron la licitación. Despreciando y tirando a la basura todo lo que fue el espíritu original de M21 Radio, con una arrogancia, un engreimiento y una ausencia tan absoluta de respeto por sus compañeros y compañeras de profesión tales que ni siquiera se dignaron comunicarnos personalmente sus decisiones, sino que le endosaron el marrón a Jacobo Rivero para que nos mandase un escueto whatsApp haciéndoles de mamporrero.

En el colmo del cinismo, la hipocresía y la cobardía, y nunca directamente por ellas, que tenían esa obligación como directoras, sino una vez más a través de Rivero, que ya no era director, se nos envió a todos los afectados la promesa de que se convocarían reuniones para explicar los motivos de esa incomprensible decisión de suprimir de la parrilla más de 24 programas y dejando fuera de sus contenidos el cine, el teatro, el flamenco, por supuesto el rock, faltaría más, con idea de estudiar su posible recolocación y que de qué manera podrían encajar en un  futuro en su proyecto, decían… esas reuniones jamás se convocaron, imagino que obvio es decirlo.

Una plataforma de profesionales represaliados por la arbitrariedad de esta dirección, enviamos oficialmente y pasada por registro del Ayuntamiento de Madrid en marzo de 2019 una carta colectiva a Manuela Carmena solicitándole, en tanto en cuanto ella se implicó personalmente en el proyecto M21 y lo impulsó con mucha convicción, que hiciera de mediadora entre la Plataforma y unas “directoras” que se negaban a recibir a sus compañeros de profesión tras el compromiso de reunirse con nosotros.

Esa carta nunca fue contestada. Lo cual, a tenor de los hechos que se han ido produciendo con posterioridad, lo cierto es que no sorprende. “Toña” y Ángeles se cuidaron muy mucho de que los popes del grupo Prisa-SER-El País siguieran en la emisora; hay que recordar que alguno de ellos seguían en la parrilla a pesar de que gozaban de una jugosa indemnización de muchos ceros que le habían sacado a la radio nacional pública. Las mismas Oliva y Medina han seguido haciendo programas de radio para SER-Prisa al tiempo que dirigían la emisora y, como de todos es sabido, Manuela Carmena es el más reciente fichaje estrella de la tertulia “Hora 25” de esta cadena de radio, mascarón de proa del grupo Prisa. ¿Creen ustedes en las casualidades?

Cabe pensar que quizá Manuela Carmena encontró para nuestra carta otra utilidad… ¿Tal vez envolver empanadillas?

En cualquier caso, M21 Radio desaparece del dial radiofónico víctima del afán insaciable de revancha de una derecha extrema que odia y teme la libertad de expresión, pero que muere herida de mediocridad, desconectada por completo de la auténtica realidad cultural de Madrid, olvidada por los oyentes que la acogieron encontrando en ella una alternativa novedosa, fresca y rompedora y que han dejado pudrirse en medio de la necedad de una dirección que por el bien de la comunicación, espero que no vuelvan nunca a tener la oportunidad de destrozar un proyecto de radio como lo hicieron con M21.

Tiempos difíciles para quienes amamos la radio hecha desde la imaginación, la cercanía al oyente, desde el compromiso con la profesionalidad y el anhelo por comunicar y compartir historias, emociones, sensaciones y sentimientos. Habrá que seguir luchando. 

Tiene algo este libro. Hay en él una voz muy personal. Una música sorda lo recorre de principio a fin, dejando en quien lo lee cierta turbación, una sensación inquietante que no deja indiferente.

En los catorce relatos que forman parte de Lo contrario de mirar, Ana Pellicer, habla, a veces con mucha delicadeza y en ocasiones con una intimidad casi agresiva, de amor, dolor, gozo, alegrías súbitas, engaño, deseo, sexo, erotismo, locura, mujeres, preocupación social, y siempre, con una presencia silenciosa, América Latina, sea México, El Dorado, Bogotá, Buenos Aires, La Habana…

La autora ha escogido cuidadosamente cada frase, cada palabra; y con una prosa muy elegante lo mismo habla de lo dicho que no se ha dicho, que del triunfo y suicidio de un escritor, del rescate de la banca, de la anagnórisis de una poeta, de la fugacidad de un amor, o de lo efímero y de lo duradero.

“Yo quiero creer en la necesidad de llevar cicatrices. Trato de no pensarlas en abstracto sino por significado como emblema de otra cosa: de un rato de amor, de un acto de entrega, de un accidente.”, dice en Semántica de la cicatriz; “el verdadero placer es adelantarse al placer […]. Obtener el gozo de lo que va a ser por lo que ya promete”, leemos en Banquete; “no podemos imaginar cabalmente cuánto dolor son esos millones de euros, cuánto cuesta el gramo de divisa en nuestro cuerpo, el de nuestros hijos, el de nuestros viejitos. La relación entre piel y crédito, vísceras y prima de riesgo” (Rescatados). “Que te olvide una vez. Que empiece a morir para adelante. Que ya va siendo hora” (Lo contrario de mirar).

“Y de pronto recordó, como si su cerebro hubiera bloqueado la idea conscientemente a lo largo de todo el vuelo, aquel cuerpo que la había llevado hasta allí, ese cuerpo que cobraba sentido unido al suyo y por el que había experimentado deseo intenso en un hotel de lujo deshabitado, esa piel infinita, ese doloroso olvido que quizás seremos y que todavía la acompañaba, las risas, el miedo, los llantos e bajito, los tantos besos, la extraña calma y la ubicación en la locura, el no-lugar y, como siempre, el viaje que lleva a otro viaje” (La enfermedad es un invento de los gringos).

Personajes e historias muy heterogéneos protagonizan estos catorce relatos, que con mucho respeto hacia quien los lee, sugieren más que cuentan y, como dice Yuri Herrera, “no se parecen a nada. Ana Pellicer explora a sus personajes como quien va a practicar una cirugía, pero deja esa responsabilidad al lector, a quien le abre espacios a través de silencios y sutilezas y así le da la oportunidad de tener la última palabra».

Poco sabemos de Ana Pellicer, que es doctora en filología, gestora cultural y profesora universitaria, y que Lo contrario de mirar es su primer libro, publicado en una editorial, Sitara, también nueva, muy reciente (2017).

Una autora y una editorial a seguir.

Puede que lo que más aprecien los artistas sea tener un estilo propio, que cuando el espectador contemple su obra reconozca la autoría al instante al instante. Que diga: sí, esto es de ese artista, no puedo estar equivocado. Esto es lo que ocurre con Paolo Sorrentino (Nápoles, 1971). La forma que tiene el director italiano de narrar una historia (guiones y montaje) es inconfundible. Películas como La gran belleza o La juventud muestran su habilidad para penetrar hasta el fondo de las cuestiones humanas más esenciales e íntimas como lo son la muerte, el amor o el arte, al mismo tiempo que es capaz de dibujar con frescura y originalidad un mapa del mundo contemporáneo. Nuestra actualidad, en la que por la mañana podemos ser espectadores apasionados de un reality showy, por la tarde lectores concienzudos y conmovidos del Rilke más reflexivo. Es memorable la inserción a modo de pastiche de un videoclip de pop en la película La juventud, unos minutos antes de que el personaje de Harvey Keitel nos enseñe, en la cima de una montaña, cómo se ve el presente y el futuro desde allí arriba, en medio de la quietud y el silencio, cuando el espíritu se siente más inclinado a tratar este tipo de cuestiones.

Silvio (y los otros) se diferencia del resto de sus creaciones más recientes en que trata un personaje real, el expresidente de la República italiana Silvio Berlusconi. Sorrentino, sin embargo, tarda bastante en mostrar al personaje interpretado por Toni Servillo. Lo va rodeando, dejando que el espectador vaya sintiendo su inminente presencia, su seductora, sensual y lasciva presencia. Así que llegamos a él por medio de otro personaje. Sergio Morra, cansado de llevar a cabo negocios de poca monta en su natal Trento, toma una decisión radical. La única manera de prosperar será ir a Roma y acercarse al Presidente, como todos lo llaman. Solo así podrá salir de la mediocridad y mezclarse con lo más granado de la sociedad italiana. ¿Pero cómo acceder a Il Cavaliere? ¿Cómo atraer su atención, ahora que está sumido en una crisis tras su abrupta salida del gobierno? Sergio alquila una casa que está justo delante de la mansión de Berlusconi en la Cerdeña. Monta fiestas, fleta un barco lleno de velinas, se gasta una fortuna en intentar llamar su atención. Hasta que lo consigue. Y entonces presenciamos a un Berlusconi que se esfuerza por mostrarse viril, seductor y juvenil. Pero es todo un engaño. En su lugar nos encontramos con una persona derrotada, maquillada y que utiliza un líquido especial para lavar su dentadura que huele tan fuerte que una de las velinas le espeta que ese olor le recuerda a su abuelo.

La imagen que se ofrece del político es distinta a la que, en un primer momento, podríamos esperar encontrarnos. Nada de fiestas bunga bunga. No hay sexo ni desenfreno. Solo patetismo y decadencia. Silvio primero ignora el cebo de Sergio. Está demasiado ocupado intentando volver a enamorar a su mujer. Le canta canciones, quiere que vea que es una persona sensible, romántica y enamorada. Pero es todo en vano, y es entonces cuando se entrega a sus antiguos vicios. O lo intenta. Él mismo se da cuenta de lo patético que es todo. Con dolor, se da cuenta de que ya no es el que era. Nos encontramos con un personaje lleno de matices, con una psicología profunda que en muchas ocasiones se aleja de esa imagen que el mismo Berlusconi ha cultivado en los medios de comunicación y en sus numerosas actuaciones extravagantes como jefe de gobierno. Observamos la derrota, el canto de un cisne engominado que se proclama ángel de la noche, pero que no es nada más que una criatura patética. Intenta dar un golpe de efecto en política y lo consigue. Vuelve a formar gobierno, pero ya está condenado. Mientras, observamos a una jet set italiana que lo endiosa al mismo tiempo que lo intenta apuñalar por la espalda. Sorrentino consigue que sintamos compasión por él. Es una especie de Don Giovanni mozartiano, un personaje que durante toda la obra no ha dado más que motivos al espectador para que lo rechace, pero que, a última hora, le hace sentir pena, lástima y empatía.

Sorrentino, de esta forma, consigue ofrecernos un relato inesperado y poliédrico de uno de los últimos personajes que han brillado como estrellas en esta sociedad del espectáculo en que vivimos. Con menos ocasiones que en otras de sus películas para la reflexión profunda y el encuentro con las preguntas esenciales, Silvio (y los otros) se erige como una de las grandes ficciones recientes que han abordado la manera de ser del político moderno. Por cierto, Sorrentino ha optado por distribuirla en dos formatos distintos. Existe una versión corta que es una película de más de horas y existe una serie de dos capítulos, que añaden 54 minutos al metraje de la película. Les recomendamos que opten por ver los dos capítulos y, a ser posible, en versión original. 

Finaliza agosto y las complicidades de mujeres migrantas en luchas se juntan en Madrid para tener un encuentro-taller con la antropóloga feminista Rita Segato. El impás político no es motivo para dejar de pensar e imaginar en común aquello que la invitada viene debatiendo en distintos foros: hacia un pensar interpelado. Este encuentro ha sido una iniciativa conjunta entre el Seminario Permanente sobre América Latina (SEMPAL)[1] en su línea de trabajo “Conversatorios situados” y el Frente Migrante en Madrid.

El encuentro tuvo lugar en el Centro de Residencia Artísticas del Matadero (Madrid), la temática que reunió a distintas voces versó sobre «Hacia un pensar interpelado y disponible: Pensamientos situados, gramáticas subversivas y pedagogías del atreverse». Dicha actividad es resultado del dialogo que el SEMPAL y el Frente Migrante vienen construyendo con la perspectiva teórico práctica de Rita Segato. Estuvieron presentes una coralidad de orígenes, colores, historias, palabras, forma de lucha y esperanzas. Aproximadamente nos miramos y reconocimos 45 mujeres (mujerzazas) migrantes de distintas geografías: Paraguay, Brasil, Bolivia, Ecuador, Argentina Venezuela, Perú, Kurdistán, Marruecos, también estuvieron presentes aquellas que han nacido en España de padres o madres migrantas.

Digamos que un arco de generaciones e historias de vida muy heterogéneas, con diferentes miradas, experiencias, culturas, religiones se atrevió a pensar y reflexionar sobre las gramáticas subversivas y las pedagogías del atreverse en el marco de la lucha de las mujeres migrantes en España, en Madrid. La intensidad y amplitud del debate en una especie de sazón ante los planteamientos de la ponente, hace de la labor de síntesis un trabajo nada fácil, y menos neutral. El ambiente fue de una complicidad y coincidencia, pero también la diferencia de posturas epistemológicas, respecto de los varios campos de lucha en juego hizo ver las posibilidades del horizonte por construir.

Captando los pensamientos expresados en el taller recogemos aquellas ideas que tenían la magia de formar nidos de saber. La autora, en primer lugar, nos contó su experiencia como migrante y afirmó que ser migrante es como “tener un paisaje que se desprendió de su origen, pero sigue siendo parte de nuestros cuerpos”. Además, Segato afirmó que los cuerpos son los nuevos territorios, que transitan y son objeto de conquista”.

Siguiendo este hilo, Rita indicó que entiende la raza como la marca en el cuerpo que representa una posición geopolítica en la historia y, por lo tanto, establece una relación de poder en la sociedad. Este concepto de raza ha sido creado por el mundo blanco, que ha racializado las relaciones. Como explica, por ejemplo, Chimamanda Ngozi Adichie, en su libro Americanah, en el que la protagonista se da cuenta de que es negra cuando se muda a Estados Unidos, ya que en Nigeria nunca había sentido el rechazo de la sociedad y la discriminación que sufrió en los EUA.

El eco de estas primeras palabras de saber invitaba inesperadamente a dialogar a los microespacios artísticos de proyectos racializados que habitan en el Centro de Residencias Artísticas. Rita habló con mucha elocuencia y con una mirada subversiva, sobre muchos temas importantes que afectan nuestras sociedades actuales. Entre los diversos temas mencionados, destacamos el patriarcado, las religiones, la pedagogía de la crueldad, etc. Uno de sus análisis que llamó la atención es cuando afirma “que estamos al principio de la vuelta de página del patriarcado en la humanidad”. Creo que esta frase nos deja un poco de esperanza en el contexto actual en el que vemos un grande retroceso al conservadurismo. 

De hecho, también hablamos detenidamente sobre la religión y su politización en la última década. Segato afirmó que vivimos un secuestro fundamentalista de la religión cristiana, musulmana y judaica, que tiene como principal enemigo a la mujer, y por lo tanto el patriarcado es la consigna más importante de la religión. Dicho secuestro es realizado por sectores del poder, que tienen como principal objetivo la “dueñidad”, el señorío de la sociedad. En otras palabras, son los grandes propietarios de la riqueza y quieren también ser dueños de los cuerpos de las mujeres.

Además, la autora señaló que tenemos que huir del fanatismo del monoteísmo, porque la verdad única es lo que ha hecho posible el genocidio, ya que el monoteísmo tiende a utilizar estrategias fascistas del enemigo. De hecho, para vivir en una sociedad democrática hay que respetar las diferentes religiones y espiritualidades, pero no debemos caer en el fanatismo religioso, porque entonces se tiende a pensar que el otro no es posible, creando el monopolio de la verdad y la justicia.

Durante la charla de Rita Segato hubo varias intervenciones de las compañeras que estaban asistiendo al taller. Algunas de ellas compartieron su preocupación acerca de las compañeras migrantes de lucha que han sido captadas por los fundamentalismos religiosos. Dicho fenómeno, por lo tanto, no está sucediendo solamente en Latinoamérica, sino que también en España, donde el secuestro de la religión actúa donde existe un vacío del Estado, donde la política pierde su capacidad pedagógica y selecciona aquellas personas que han sido afectadas por la crisis y se encuentran en una situación de vulnerabilidad social.

A la pregunta de una de las compañeras “qué hacemos para resistir contra la estrategia fascista de la religión y al ataque a nuestros derechos”, la autora contestó que tenemos que pensar detenidamente para generar las «palabras», los «pensamientos» adecuadas para la denuncia de dichos sectores. Solamente con la elaboración de las palabras, podremos crear un lenguaje contrastante al poder patriarcal y racista. De allí su interés por las gramáticas subversivas y las pedagogías del atreverse.

El tema del papel del Estado también ha sido debatido, y Rita dijo que, aunque tenemos que estar dentro del Estado para impulsar políticas sociales y feminista, hay que estar también contra él, porque el Estado nos traiciona siempre a las mujeres. Y añadió que la única forma que tenemos para combatir el patriarcado, el capitalismo y racismo, es retejer la sociedad, hacer comunidad entre nosotras, defender nuestros derechos y crear nuestras sociedades feministas, cuidándonos, apoyándonos y luchando.

Hasta ahora se ha destacada los temas que se han tratado en el taller, pero es importante señalar que especialmente en la segunda parte del taller hubo muchas intervenciones de las compañeras migrantes, que contaron sus historias, experiencias de militancia, de lucha, de vida, poniendo en evidencia los obstáculos y logros que habían vivido. Este compartir de los saberes, experiencias y luchas ha sido muy enriquecedor para todas, siendo un espacio también de sanación, de conocernos y de identificarnos con las experiencias de las demás.

Para concluir, ha sido un primer taller de una riqueza impresionante a nivel de ideas, de conceptos, de compartir experiencias y de reconocernos como mujeres migrantes. El colectivo migrante que estaba presente señaló la importancia de destacar nuestras diferencias, pero también de identificar nuestras similitudes.

Dentro de muy poco los conversatorios situados seguirán generando saberes e historias debida.  

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[1] El Seminario es un espacio de análisis y reflexión del Observatorio de Derechos Humanos de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociología de la Universidad Complutense de Madrid.

A pesar de que el verano aún nos mantiene muy aturdidos y el otoño parece muy lejano, la temporada cultural ha comenzado y con mucha fuerza. Así y todo no perdamos la oportunidad de aprovechar las próximas semanas de Septiembre para recuperar lo que hemos dejado perezosamente para el último momento.

Para los que pasen por, o residan en, Madrid, algunas de las mejores exposiciones del año están a punto de ser clausuradas. Recordamos las dos extraordinarias del Museo del Prado, “Fra Angélico” y ¨Miradas Afines¨ que se clausuran el 15 y 29 de septiembre respectivamente. Asimismo, Olga Picasso en el CaixaForum el 22/09 y TetsuyaIshida en el Palacio de Velázquez del Retiro el 8/09 entre las que hemos comentado en entregas anteriores.

Sin embargo en Madrid aún tenemos oportunidad de deleitarnos con algunas exposiciones que pronto serán clausuradas.

Eternidad. ¿Imágenes para siempre?

Del 27/06/2019 al 22/09/2019                                               
Lugar: Museo Lázaro Galdiano (varias salas). Calle Serrano 122 (Madrid).

Hasta el 22/09 en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid expone la bilbaína Lucía Vallejo Garay «Eternidad. ¿Imágenes para siempre?»

Muerte, miedo, soledad y vida beben de artistas clásicos como Caravaggio, Van der Weiden, Zurbarán y otros cuya fuerte carga emocional puede sentirse en el templo de la pintura que es el Prado y en la magnífica colección del propio Museo Lázaro Galdiano.

Si algo caracteriza a esta brillante artista es su fondo reflexivo e intelectual. Desde “La Divina Comedia” de Dante a Leibniz y su reflexión sobre el pliegue infinito en el Barroco.

Sobre todo déjense seducir por las formas y la reflexión que las esculturas provocan.

Una vez más, el arte realza la vida cuando no nos deja indiferentes.

Aprovechen también y piérdanse un tiempo por el museo. Merece, y mucho, la pena.

http://www.flg.es/agenda-de-actividades/exposiciones-temporales/exposicion-lucia-vallejo-eternidad#.XXJxY3tS8uU

Exposición William Klein. Manifiesto

Espacio Fundación Telefónica
Junio a 22 de septiembre de 2019
M X J V S D
C/ Fuencarral, 3, Madrid, 3ª planta.

https://espacio.fundaciontelefonica.com/evento/william-klein-manifiesto/

William Klein. Manifiesto es la gran retrospectiva de este maestro de la fotografía en nuestro país.

En los 50 se centra en los juegos de luces y sombras. Posteriormente coquetea con el abstracto. Finalmente su objetivo se dirige hacia el ser humano, ése que se mueve en multitudes que albergan vidas procedentes de todas las escalas sociales y cuyo comportamiento y lenguaje delante de la cámara revelan el consciente e inconsciente de las sociedades y ese devenir hacia un individualismo forzado y contrario a la esencia del mismo.

Movimiento, ruido, multitud. Esencias de la sociedad moderna que retrata como si fuera un antropólogo en medio del Amazonas o los bosques tropicales. Esos puntales de la vida que son las ciudades complejas y que tienen los días contados si continúan, como Saturno cuando devora a su hijo, fagocitando los recursos que necesita para mantener un falso cartel de modernidad a la entrada de las mismas.

Insisto. No se la pierdan. Es, una vez más, arte que no deja indiferente.

Vicios Modernos. Ceesepe 1973-1983

Del 31 mayo al 22 septiembre - LA CASA ENCENDIDA - MADRID
Sala D, Sala E

Si decimos Nasti de Plasti o Carajillo, El Víbora, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, Los tebeos del Rollo en Barcelona, a Cascorro Factory en Madrid y muchas más ilustraciones y colaboraciones en distintos medios, sin duda estamos hablando de Carlos Sánchez Pérez cuyo nombre artístico era Ceesepe.

Ilustrador extraordinario, con un lenguaje muy propio y reconocible, la exposición que hasta el 22/09 se exhibe en las salas de La Casa Encendida de Madrid nos ofrece una excelente panorámica de su trabajo creativo en el cómic y la viñeta.

Ver esta exposición no es solo un goce para el amante del Cómic y de la ilustración tan exquisita como puede ser una viñeta. Es un viaje, un tanto nostálgico, a una época en la que el término transgresión, cuando se hubo de renunciar a una ruptura política, pudo, a ratos inconscientemente, sembrar en el inconsciente colectivo, que buscaba librarse de una sociedad cerrada y pacata, lo que la posible suma de individuos libres podría suponer como reflejo de una más que deseada, necesaria, y utópica libertad integral.

Si algunos consideran que se desvirtuó el mensaje, en el caso de Ceesepe ni mensaje ni mensajero optaron por ese camino.

Hace exactamente un año que fallecía este inolvidable artista. Alguien que no pintaba barreras ni muros identitarios sino que resaltaba las peculiaridades de ciudades como Madrid y Barcelona como un todo dentro de una bellísima diversidad.

Insisto. No deja a nadie indiferente. Saldrán con muchas más preguntas y muchas posibles respuestas.

https://www.lacasaencendida.es/exposiciones/vicios-modernos-ceesepe-1973-1983-9543

Un planeta libre de la amenaza nuclear, una de las reivindicaciones más irrenunciables de todos los movimientos progresistas en todo el mundo.

El 28 de marzo de 1979 se produjo en la localidad de Three Mile Island, cercana a Harrisburg, en el estado de Pensilvania, uno de los más controvertidos accidentes relacionados con el uso de la energía nuclear: En la madrugada de aquel día, una concatenación de fallos en el sistema de seguridad de los refrigeradores de la planta produjo una fusión parcial del núcleo del reactor de la central de Three Mile Island.

A consecuencia de este accidente, se emitieron a la atmósfera una cantidad de gases radiactivos que nunca se pudieron llegar a cuantificar con exactitud y que según los estudios realizados a posteriori tanto por Greenpeace como por diversos organismos científicos tanto estadounidenses como de ámbito internacional, produjo un exponencial aumento de los casos diagnosticados de cáncer y leucemia en la población que vivía hasta en un radio de 20 kilómetros alrededor de Three Mile Island. Una parte muy significativa de esos casos se dieron en la ciudad de Harrisburg.

Antes del desastre de Harrisburg ya existía un enconado debate entre los defensores y los detractores del uso de este tipo de energía, por los devastadores efectos que producía sobre el medio ambiente, los altísimos grados de contaminación que generaba y por los riesgos potenciales, que como se demostró en este accidente, entrañaba su desarrollo a gran escala para la salud y la seguridad, amén de los estratosféricos costes económicos que implicaba a todos los niveles –se calcula que entre 1979 y 1993, los años que se tardó en limpiar completamente el reactor, se tuvo que destinar una cantidad total de 980 millones de dólares para poder realizar esas labores de limpieza- y de los peligros para la paz mundial que en plena guerra fría existían si se generalizaba su uso en la construcción de armamento nuclear.

Todas estas razones eran las que ya desde comienzos de los años 60 llevaron a la implantación de un fuerte movimiento antinuclear en Europa, protagonizado fundamentalmente por el CND desde Inglaterra y en Estados Unidos, fuertemente ligado al movimiento pacifista y a los primeros grupos de izquierda alternativa en países como Alemania u Holanda, en donde ya en los años 70 cobraron una relevancia social nada desdeñable los grupos squatters de ocupación de espacios de uso especulativo para su transformación en espacios sociales autogestionados o los colectivos ecologistas que llegarían a confluir en la creación de Die Grünen, el Partido Verde Alemán, fuerza política que llegó a contar con millones de militantes y de votantes en la antigua RFA en la década de los 80 y que entró con una fuerza inédita en una formación política de izquierda alternativa en el Bundestag.

Un planeta libre de la amenaza nuclear era una de las reivindicaciones más irrenunciables de todos los movimientos progresistas en todo el mundo y desde lo sucedido en Harrisburg, esa reivindicación cobró más fuerza si cabe frente a las posiciones de la grandes empresas, los gobiernos, las cúpulas militares de las grandes superpotencias y los capitostes de la industria del armamento, quienes trataban en todo momento de equiparar el desarrollo de la energía nuclear con el progreso técnico y el bienestar social. Y en este sentido, no le fue nunca a la zaga la URSS a los Estados Unidos; Mijaíl Gorbachov siete años después, tras el desastre de la central nuclear de Chernobil, insistió en que pese a todo, el desarrollo de la energía nuclear era un objetivo estratégico de los planes políticos y económicos del estado soviético.

La dimensión de la catástrofe de Harrisburg no pasó inadvertida al mundo de la cultura y más específicamente, al mundo del rock. Si en los años 60 el rock de la Costa Oeste, la banda sonora del movimiento hippie, ya había mostrado su activismo a favor de la paz con figuras como la de Country Joe & The Fish y los grandes eventos como Monterey o Woodstock habían tenido como emblema el símbolo de la paz, en 1979, tras el accidente nuclear, un nutrido grupo de músicos del rock americano se organizó y fundó un grupo activista al que llamaron MUSE, siglas de Musicians United for Safe Energy, en castellano, Músicos unidos por una energía segura, para tratar de concienciar sobre la necesidad de impedir que se siguieran desarrollando los programas de energía nuclear y de que nunca más volviera a suceder otro Harrisburg.Jackson Browne, Graham Nash, Bonnie Raitt y John Hallfueron los principales impulsores de la creación de MUSE y de la iniciativa más importante que llevaron a cabo: la celebración de una serie de cinco grandes conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York entre los días 19 y 23 de septiembre de 1979 que se denominó ‘No Nukes’, que culminaron con un gigantesco mitin en el que intervinieron los miembros de MUSE así como destacados activistas del movimiento antinuclear en el antiguo vertedero de Battery Park, en el extremo norte de Nueva York, al que se estima que acudieron alrededor de 200.000 personas.

En esas históricas noches participaron entre otros Crosby, Stills and Nash, Bruce Springsteen y la E Street Band, James Taylor, Carly Simon, Chaka Khan, The Doobie Brothers, Colin Jesse Young, Gil Scott-Heron, Tom Petty y Poco, así como los propios miembros de MUSE, Bonnie Raitt, Jackson Browne y John Hall.

Los organizadores de MUSE tuvieron pocos problemas para completar un cartel difícilmente repetible en el ámbito del rock tanto pasado como actual. Algunos de los artistas que intervinieron ya habían hecho campaña públicamente contra la energía nuclear: James Taylor, por ejemplo, había escrito una carta abierta y pública al presidente Carter sobre el tema. Otros, como Tom Petty, los Doobie Brothers, Chaka Khan y Poco, no hicieron previamente tan explícitas sus críticas al uso de la energía nuclear, pero toda vez que fueron convocados, aceptaron entusiastas formar parte de los conciertos y en sus declaraciones públicas de la época apoyaron sin reservas la iniciativa de MUSE

Los shows de ‘No Nukes’ incluso lograron convencer a Bruce Springsteen para que volviera a los escenarios después de una ausencia bastante prolongada, aunque se abstuvo de emitir declaraciones públicas en apoyo de la causa porque, tal y como su manager le dijo a la revista Rolling Stone en ese momento, sintió que «la música era suficiente”. El pasado año 2018 el propio Springsteen recopiló todas las grabaciones de sus conciertos en el No Nukes Festival y los editó como disco oficial, a pesar de que según algunas críticas de la época, no todas sus actuaciones fueron especialmente brillantes.

Las actuaciones del No Nukes recaudaron varios cientos de miles de dólares que se donaron a las organizaciones de lucha antinuclear, pero eso fue solo el comienzo para MUSE. En noviembre de ese mismo año, las grabaciones de los conciertos llegaron a las tiendas de discos en la forma de ‘No Nukes: The Muse Concerts for a Non-Nuclear Future’, un triple LP en cuyo encarte interior se incluyó un libro en el que se explicaban todos los detalles del accidente, se proporcionaba información sobre el colectivo MUSE y de todas las organizaciones antinucleares norteamericanas. Al año siguiente, llegó la película ‘No Nukes’, uno de los más acertados precedentes de lo que hoy conocemos como rockumentary, combinando escenas de backstage con fragmentos de las actuaciones en directo, e incluso a uno de sus mentores, le sirvió para iniciar su carrera política: John Hall, años más tarde fue elegido para la Cámara de Representantes de Estados Unidos.

Y aunque MUSE finalmente se retiró del primer plano de la actualidad mediática, la organización se mantuvo unida, y en los últimos años, se han reunido periódicamente para llamar más la atención sobre los peligros de la energía nuclear mientras ayudan a recaudar fondos para ayudar a aquellos que han sufrido los efectos y las consecuencias de los accidentes nucleares.

En 2007, Raitt, Nash y Browne grabaron una nueva versión del clásico de Buffalo Springfield «For What It’s Worth» a beneficio de la causa; en 2011, Browne, Raitt y Hall organizaron otro espectáculo ‘No Nukes’, con una lista de artistas que incluía a Tom Morello de Rage Against The Machine y Crosby, Stills & Nash, para ayudar a las víctimas del desastre de Fukushima, otro de los más devastadores accidentes producidos en la historia reciente en una central nuclear.

Como Graham Nash le dijo a Rolling Stone antes del concierto de 2011, «Las personas que poseen los medios de comunicación más influyentes del mundo pueden contarse con los dedos de una sola mano. No quieren personas. Quieren ovejas, compradores, consumidores, pero ciegos, sordos y mudos», argumentó. «Compre otro par de zapatillas de deporte, compre otra Coca-Cola, cómase otro Big Mac, y no oiga hablar de mí mientras le robo”. Ese es el mensaje. Solo estamos tratando de tomar conciencia de los problemas del accidente japonés y amplificarlos».

Para Jackson Browne, la causa de ‘No Nukes’ fue básicamente, tal y como lo relató a los medios, una cuestión de conciencia social. «Era algo que podía hacer y quizá con ello dormir un poco mejor por la noche. No sé si podríamos haber hecho más, pero creo que todos los que nos involucramos, lo dimos todo por nuestra parte. Es cierto que la energía nuclear aún existe, es un arma en manos de un poder que seguramente es demasiado fuerte para enfrentarlo desde la música, pero por otra parte, no podíamos quedarnos callados. El poder debe sentir que aunque sea más fuerte, la razón pocas veces está de su lado. Y si los músicos podemos poner bien alto nuestros amplificadores para que el poder lo sienta, es lo menos que podemos hacer”.

Mick Jagger declaró a New Musical Express en el verano de 1968, tras el mayo francés: “Es absurdo pensar que se puede empezar una revolución social con un disco. ¡Ojalá se pudiera! Si fuera posible, los Stones quizá ya lo habríamos hecho”.

En este año de 2019 se cumplen 40 años del desastre de Harrisburg, de los conciertos ‘No Nukes’ y de la gran movilización social que promovieron, que supuso en todo el mundo un gran avance en la conciencia colectiva sobre el gran peligro de la energía nuclear. Tras unos años de receso en la lucha por la defensa del medio ambiente, hoy la reivindicación por un mundo ecológicamente sostenible, la lucha contra el cambio climático, en definitiva, la lucha por la supervivencia del planeta, cuya depredación por el capitalismo salvaje hoy estamos viviendo en nuevas tragedias como los incendios de la Amazonía, las boutades de ignorantes como Donald Trump y la ofensiva ultraconservadora negacionista del gran problema de sostenibilidad que nuestro planeta padece, quizá un disco no pueda dar la vuelta a esa situación, como decía Mick Jagger. Pero sí puede concienciar, puede mostrar una realidad que desde determinadas esferas de poder se pretende esconder o deformar, y sobre todo, puede demostrar que aquellas personalidades que han adquirido una solvencia, una credibilidad, un respeto dentro de la cultura, tienen también en sus manos aportar, como hicieron los músicos de MUSE en 1979, su esfuerzo a esa concienciación colectiva tan necesaria. Máxime en estos días. 

Todo a punto para la 37.ª edición de la Setmana del Llibre en Català

Una iniciativa para fomentar la lectura y potenciar el contacto entre lectores, autores, editores y libreros.

La Setmana del Llibre en Català ha encontrado la fórmula que le funciona. Después de muchas tentativas, durante la últimas ediciones el punto de encuentro entre lectores, autores, libreros y editores solo crece y suma propuestas. La Setmana del Llibre en Català, que este año llega a su 37.ª edición, se celebrará del 6 al 15 de septiembre en la avenida de la Catedral de Barcelona con unas dimensiones que superan las del año pasado. “La Setmana no tiene nada que ver con Sant Jordi, es una fiesta del libro que fomenta la proximidad y ofrece el mayor número de libros en catalán de la historia”, puntualiza Joan Sala, presidente de la Comisión Organizadora de La Setmana.

Los organizadores quieren mostrar la riqueza y diversidad de la edición en catalán y su potencia industrial, por ello en un solo espacio, en 1.750 metros cuadrados y durante 10 días, se concentra la oferta de libros y de publicaciones en catalán más grande de la historia y al alcance de todo el mundo. Serán un total de 219 expositores repartidos en 62 módulos; un 7,5% más de expositores, en relación a la edición de 2018. 

“Los dos últimos años ha funcionado bastante bien para no tener que hacer cambios. Uno de los grandes trabajos es la creación de nuevos lectores tanto jóvenes como adultos. Mucha gente cree que la producción de libros en catalán es minoritaria y es un sector muy fuerte; siempre destaco que en catalán se encuentra de todo, ensayo, libro ilustrado, cómic, ciencia ficción… Además, tenemos la suerte de contar con muy buenos traductores y una hornada de nuevos autores. Las editoriales hacen buen trabajo descubriendo autores, y todo esto hace que tengamos una gran diversidad y que todo el mundo encuentre su libro”, explica Joan Sala.

Fomentar la lectura

Hacer que pequeños y mayores lean más y aprecien los libros es uno de los objetivos de la Setmana del Llibre en Català. Y el contacto directo entre autores, lectores, editores y libreros ayuda. “Por lo que se refiere a los niños tuvimos un éxito espectacular con la biblioteca personal. La idea es muy buena y funciona. Y en el caso de los adultos, funciona la posibilidad de ver a los autores o intercambiar impresiones con editores y libreros”, argumenta Sala.

Uno de los atractivos de la feria es acceder a los libros de fondo, a menudo desplazados por el alud de novedades que pueblan las librerías; además de decenas de actividades de todo tipo para pequeños y mayores como presentaciones, recitales, itinerarios literarios, charlas, cuentacuentos… A la hora de presentar las novedades literarias La Setmana cuenta con una radio propia en la que participarán Guillem Terribas, Albert Sánchez Piñol, Rosa Ribas o Joan Daniel Bezsonof entre otros autores.

Este año, el invitado especial de la feria es David Lagercrantz, el escritor escogido para continuar la serie Millennium escrita por Stieg Larsson. Lagercrantz se ha ocupado de la cuarta entrega, El que no et mata et fa mésforty de la quinta, La noia que va viureduesvegades.

Premio especial para Cavall Fort

Otra de las funciones de la feria es reconocer la tarea de autores, libreros y editores, y el premio especial de esta próxima edición lo ha merecido la revista Cavall Fort. La revista nació en diciembre de 1961 con el objetivo de ofrecer un medio para que los niños pudieran aprender a leer y escribir en catalán. Esta preocupación marcó el formato y el contenido de la revista: desde la decisión de incluir páginas de cómic para estimular el interés del lector, hasta la elección del modelo de lengua. Para poder llevar hacia adelante la revista, sus creadores buscaron el apoyo de los obispados de Vic, Girona y Solsona, que dieron cobertura legal en una época en la que el impulso de una publicación en catalán era un desafío al régimen franquista.

Pero un dato importante de La Setmana del Llibre en Català que acostumbra a pasar desapercibido para los lectores es la compra y venta de derechos. Por tercer año, el Making Catalan Literature for International Publishers and Agents se celebrará dentro del marco de La Setmana gracias a la colaboración con el Institut Ramon Llull. El Institut dedicará un módulo a la venta, en exclusiva, de libros de autores catalanes traducidos a otras lenguas. “Esto el público no lo ve pero son más de 400 reuniones y esto es fundamental para impulsar los libros en catalán. De este modo La Setmana combina las características del festival literario con la feria y la correspondiente compra venta de derechos”, destaca Joan Sala.

De forma recurrente, el libro de George Orwell, 1984, asoma en el debate público y periodístico como ejemplo de una de esas novelas que parecen haber acertado en sus (funestas) predicciones sobre el futuro. Pero hay ejercicios retrospectivos que ponen igualmente los pelos de punta, sobre todo cuando se comprueba que, en cierta forma, también hablaban de un futuro que ya se ha convertido para nosotros en presente. La conjura contra América es uno de estos ejercicios de ficción.

La novela se basa en un supuesto, el de qué hubiera ocurrido si en 1940, en lugar de ganar las elecciones presidenciales en Estados Unidos Franklin D. Roosevelt, lo hubiera hecho un candidato antisemita y simpatizante de las potencias del Eje que hubiera optado por la neutralidad del país en la guerra. Y así ocurre en la novela de Philip Roth. Charles Lindbergh, primer hombre en volar en solitario desde el continente americano al europeo (Nueva York-París), héroe nacional, se hace con la presidencia, después de una campaña atípica, siempre enfundado en su traje de aviador, sus discursos lacónicos y su forma de plantear las elecciones: votad por mí o votad por la guerra. Y el pueblo americano, cansado de tener que atravesar una crisis cada década, vota por él.

La historia está contada por un niño, Philip, hijo menor de una familia judía de cuatro, la familia Roth, que vive en Newark. Los hechos históricos se van intercalando con el relato de la familia, demostrando como los primeros pueden llegar a afectar las vidas de los individuos y las comunidades que estos forman.

Philip Roth escribe una historia basada en un supuesto, pero que juega con elementos reales. La extrema derecha y el antisemitismo han existido siempre en Estados Unidos y una organización criminal como el Ku Kux Klan ha sido solo la punta del iceberg de un gran número de agrupaciones que a lo largo de la historia de este país han aflorado (el Bund, el Partido Nazi Americano, la asociación América Primero) y que han tenido en común el racismo y la defensa de una América blanca, cristiana y anglosajona. Estamos hablando de la América WASP (White-AngloSaxon-Protestant), del Partido Demócrata en los estados del sur en esa época, en un gran número de republicanos en todo el país, del general Douglas MacArthur o de Huey Long. 

La novela describe con detalle como la implantación de un gobierno fascista nunca sucede de la noche a la mañana, sino que se enmascara detrás de un